Escultura Contemporánea: Nuestro huerto…

Madurando la hortaliza… construyendo una escultura…

La creación de nuestro huerto, la atención y el cariño con que lo hemos tratado, han dado su fruto. Los tomates maduran sin cesar, nos juntamos con casi más de los que podemos consumir…. nos atiborramos de gazpacho, je, je… Los pimientos maduran también, pero no al ritmo de los tomates. Las lechugas ya han pasado a ser materia orgánica. Las fresas no han dado muy buen resultado, hemos recolectado poquísimas y no demasiado ricas, en fin, así son las cosas.

Un año más, una experiencia maravillosa. Darío con tan sólo tres años sabe lo que es sembrar y recolectar hortaliza. Yo conozco niñ@s que tienen 18 años y creen que los tomates crecen en los árboles…  que triste.

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

En la foto podéis apreciar que maravilla de tomates… y saben mejor. Esta experiencia sin duda acrecienta el acercamiento a las plantas, a la naturaleza. Observarlas, mirar y ver como desarrollan, como maduran de un día para otro te hacen sentir parte de un todo, del universo que compartimos todos los seres vivos. El amor, el respeto, la comprensión… se encuentran inmersos en lo natural, en el proceso de evolución. La relación de la flor con el insecto que hace posible la polinización o con el viento que la mece. El apego a la tierra que la alimenta y permite su crecimiento, al agua que sacia su sed. A su creador que se ocupa y preocupa con mimo y esmero de que todo esto suceda con la ayuda claro, de la propia naturaleza, la relación de las partes con el todo.

Sin lugar a dudas, la escultura va tomando cuerpo, como cuando realizamos un dibujo; la mirada analítica escudriña todos los vericuetos de aquello que mira, de lo que dibuja. Lo estudia, lo analiza, en definitiva trata de comprender, como el científico que pasa horas tras el telescopio, observando en un principio, no se sabe qué… para posteriormente sustraer los secretos escondidos.

La escultura que responderá y será consecuencia de toda la marcha en el tiempo. Intentará protagonizar esos valores aprendidos en esta parte del proceso y de la obra. Su estética estará íntimamente ligada a su concepto, sujeta a la historia que cuenta y cuyo protagonista es la propia naturaleza y en ella, nuestra propia crónica.

Soy consciente de mi trabajo, de la dificultad que entraña y de lo que pretendo.  Llevar la vida al arte, el arte a la vida o sencillamente vivir la vida como arte.

El arte de vivir, como se dice popularmente, tiene un sentido profundo si lo pensamos detenidamente y somos conscientes de su significado real. Hoy tenemos la suerte de contar con una herramienta milagrosa; Internet. El tiempo y el espacio a nivel terrestre casi han desaparecido con su uso. Al instante sabemos lo que sucede en la otra parte del mundo, el tiempo y el espacio se desvanecen, como por arte de magia.

El arte cuenta con infinidad de caminos, con multitud de maneras de expresión, sin embargo, lo que tienen en común toda esta disparidad, es que todas hablan de la sociedad que habitan. El arte es conocimiento otra manera de conocimiento y como tal, investiga sobre el universo, sobre la existencia, intenta comprender y dar sentido a la vida, a la sociedad. El arte de ahora, por definición, es contemporáneo y esa contemporaneidad enlaza inevitablemente con su momento, histórico, social, político, económico…

La tecnología nos impulsa hacia adelante, creo que es fantástico, no obstante ese caminar y avanzar hacia el futuro no nos puede hacer olvidar nuestras raíces, nuestra naturaleza, sin la cual, por lo menos hoy por hoy, no es posible la vida. En el arte como en toda evolución, se dejan cosas atrás, como artista participo y tengo conciencia y voluntad de que así sea, pero no a toda costa.

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

Con esta obra pretendo crear conciencia sobre la naturaleza, sobre nuestra naturaleza como seres vivos, como humanos y como parte que somos de un todo. Tenemos la capacidad  de ser creadores, artistas por tanto. La relación de la vida y el arte están muy patentes en esta obra. Tod@s podemos sembrar, cuidar y recolectar, tan sólo necesitamos unos mínimos conocimientos y una gran ilusión y mucha intención. La escultura que realizo sencillamente recoge como objeto artístico todo lo creado hasta el momento. El objeto es parte, no lo es todo. Pienso en la necesidad personal que tengo por crear objetos, el hecho de ser escultor, el contacto con la materia, el manejar la mente y el cuerpo en la elaboración de artefactos, es quizás la diferencia con el resto que no sois escultores, por lo demás, tod@s somos igualmente creadores.

Es cierto, con el arte podemos abrir esos espacios vedados a otras maneras de conocimiento. Con esta pieza podemos repensar el sentido de creación, de creador,  la posibilidad que tiene todo ser humano a ser creador.  No hay límites en el acto creador, los límites nos lo ponemos nosotros mismos.

Jorge Oteiza , con sus cajas vacías llega a la negación del arte y por lo tanto al abandono de la escultura. Yo, quizás por la admiración que le tengo a este gran Escultor Vasco, recupero estas cajas, interpretándolas por su puesto y las lleno de vida, de historias y las consagro a espacios cargados de debate, de riesgos artísticos y de posibles consecuencias. 

Escultura Contemporánea: Escribo mientras pienso…

Escribo sobre lo que voy Pensando…

Hace unas semanas escribía un post, ¿ Espacio habitable ?…  abordaba el tema de la basura social y como la vida cotidiana, sus acontecimientos y vivencias se convertía, de manera natural, sin pensarlo, en arte.

escultura para un debate scionatural

fragmento de foto sobre proyecto escultórico, un arte recolector, una escultura solidaria

Siempre me había preocupado la elección del tema, la manera de enfocarlo, tratarlo, abordarlo….  a la hora de llevarlo a la pintura o a la escultura, la búsqueda del yo, mi forma de expresar aquello que quería decir plásticamente. El trabajo constante, serio, de alguna manera me ha mostrado un camino, mi camino. Cuando se es joven, se estudia y se trabaja con la ilusión de convertirse en un artista reconocido. De ahí ese interés por distinguirte del resto, de realizar un proyecto diferente, único y muy, muy personal. Sinceramente creo que los jóvenes que nos dedicamos al arte, nos pasó ésto por la cabeza.

Pintura Contemporánea: Evocación.Serie Ensoñaciones de Al-Andalus.Artista Augusto Moreno Artista Plástico.

Con los años y  la experiencia, te das cuenta que no es cuestión de buscar, sino de hallar, de sentir. Las cosas no llegan tanto por buscarlas, sencillamente, el trabajo, tu entrega sincera y personal en lo que haces, te descubre tu mundo, tu manera de hacer, de sentir y de expresarte. De ahí esa frase tan acertada de Picasso; ” Yo no busco, encuentro “.

Un día como hoy, 15 de Julio del 2015, sentado delante del ordenador, repaso romántico y melancólico mi vida de artista. Empecé con 14 años a indagar, jugar e investigar con eso que llamamos arte. Hoy tengo 46, uff!!! sí que han soplado vientos del norte… más de los que puedo evocar. Recuerdo con esa edad, mis torpes dibujos. Mi padre tan tradicional, tan clásico, no deja nada al azar; por su puesto la copia del natural era obligado si se pretendía ser un futuro artista. Yo lo odiaba, pero el peso paterno y a mi juicio, equivocado ya entonces, no me dejaba escapatoria alguna. Siempre he pensado que ésto ha matado y marcado durante muchos años mi libertad. Cientos de discusiones, broncas, peleas y demonios con mi padre: ” Yo no siento como tú, yo quiero otra cosa, me expreso diferente…. Padre: lo que haces es una mierda, no tiene sentido, no es nada…. Yo: para ti, para mi es mi manera… Padre: No sabes, si no aprendes a dibujar, nunca harás nada. Mira Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, Velázquez, Goya…. Yo: Mira Kandinsky, Pollock, Picasso, Matisse, Gauguin…

Pintura Contemporánea: Recuerdos. Serie Alhambrismo. Artista Augusto Moreno Artista Plástico

En fin…. pasé por la Facultad, aprendí a dibujar, modelar, pintar, técnicas, procedimientos…. 30 años de trabajo en el taller paterno… peleas, discusiones, distanciamiento…

Ya hace dos años y medio que me fui del taller y que dejamos de hablarnos mi padre y yo. Sin duda hoy hago lo que quiero y lo que realmente siento, a veces conseguir lo que uno quiere, tiene un precio, no hay nada gratis en esta vida.

Escultura contemporánea:Monumento Cascamorras, Baza, Granada. Escultor Augusto Moreno Artista plástico.

Con la huida, escapada  del taller recobré mi libertad; como artista, como individuo, como persona. El egocentrismo, la individualidad…  dio paso a lo colectivo, al compartir, a pensar en el/la otro/a, en lo/as otro/as. A realizar un arte desde la vida, desde la sociedad, arte social, participativo. La estética había sido hasta entonces el punto fuerte y el sentido de la creación artística. Hoy… el concepto, la idea, el pensamiento, son valores responsables del sentido estético en el objeto. El proceso de trabajo en la obra, tiene una importancia vital en el resultado.

Percibir el objeto artístico, es sentir su idea, el por qué de su existencia, el concepto contenido y la trascendencia del espacio que ocupa.

Escultura realizada con la asociación Despertar sin Violencia de Marbella

Instalación escultórica, Arte social, arte colaborativo…

Hoy, para nada me preocupo del tema, de como manejarlo, representarlo… sólo el sentido de la vida, lo que ocurre a mi al rededor, en la sociedad y su problemática. Sinceramente conecto la vida y el arte, de esa manera fluye de manera natural, sin provocarlo, sin buscarlo, casi sin pensarlo, la vida me lleva al arte y el arte a la vida. Así por ejemplo, de una conversación con la presidenta de una asociación de Violencia de Género, aparece tras un largo pero fluido proceso; Despertar sin Violencia. Así por ejemplo, del contacto con la naturaleza y de la simple observación de la creación de nuestro huerto en casa, aparece un proyecto escultórico; Espacio para una Metáfora. Así por ejemplo, de los paseos que doy por el monte con mi hijo Darío, de la contemplación y de la recolección de la lamentable basura social, cobra vida una obra a la que todavía no sé cómo llamar, pero que ya ocupa un espacio real entre los vivos.

Escultura, mi huerto como proceso artístico

Escultura Contemporánea, proyecto escultórico, serie: mi huerto como espacio escultórico

Pensando, reflexionando sobre tiempos pretéritos y presentes, tomo conciencia de lo que fui y de lo que soy. Se dice que las personas no cambian…  sé, por lo menos en mi caso, que ese dicho tan archiconocido es falso. Cierto que para el cambio hay que estar preparado, ser consciente y lo más importante, querer cambiar. Con la predisposición se está en el camino, con la voluntad se inicia la marcha y con el trabajo y la constancia se camina… nunca se sabe hacia donde te llevará, lo que sí se sabe es, desde donde partes y lo que abandonas.

El arte ha dejado de ser un ente aislado, aparte… se ha convertido en una forma de sentir, de contar y de vivir.

Toda la preocupación, todos los suspiros, todos los esfuerzos, todos los miedos… se han desvanecido, han desaparecido, ahora sólo hay que vivir y el arte encuentra su sitio, su lugar, el significado, el sentido de su existencia…

Escultura Contemporánea: Limpiando mierda social….

¿ Espacio habitable ? Recolección, elaboración y acción.

Paseo con Darío, mi hijo de tres años. Vamos en busca de los caballos que andan sueltos por el monte, cerca de casa. Darío los adora y ya se ha hecho amigo de uno de ellos, lo reconoce. El potro, Chocolate, así le ha puesto en honor a un caballo enano que conoció en Cantabria, viene trotando nada más nos ve llegar.

Marta y yo amamos la Naturaleza, le hemos transmitido ese amor y respeto a nuestro hijo.

Fue en uno de estos paseos cuando le hice ver a Darío toda la basura que la gente tira muy descuidadamente por el monte. Restos de plástico, escombros, utensilios de casa…. y latas de bebida. Esas latas se oxidan rápido y se integran con el paisaje. Algunas están tan oxidadas que cuesta saber su procedencia. Le propuse a Darío que íbamos a recoger todas las que encontráramos y con ellas realizaríamos una escultura. Así empezamos a recolectar, latas que he denominado basura social.

Todo empezó como un juego, limpiando el monte de esa basura hiriente. No puedo entender la escasa conciencia, de ética, de educación, que tiene esa gente que arroja basura a la naturaleza. También es una cuestión estética, duele a la vista, encontrarse en el monte con plásticos, latas… despojos inservibles que tanto desentonan con su entorno.

escultura realizada con basura social, encontrada en este paisaje.

Escultura Contemporánea: paisaje donde encuentro la basura social, productos y elementos para elaborar una escultura

 En un principio era casi por enseñar y educar a mi hijo. La rabia y la impotencia de encontrarnos con toda esa mierda, pero lo peor, la actitud humana, la desfachatez, la desgana, el desinterés, adjetivos todos negativos, por esa falta de amor y mimo por nuestro entorno.

Sabéis que trabajamos en un arte social, dar voz a la sociedad a través del arte. Usar el arte para que el ciudadano/a, pueda expresarse. Desgraciadamente, en este proyecto escultórico, el/la ciudadano/a anónimo, con su basura social, también anónima, se expresan a través del arte. Aquí, no es la sociedad la que reivindica, soy yo, a través de la basura social, el que reivindica y crea un debate sobre como hacemos y cuidamos de nuestro entorno natural.

Hemos recolectado latas oxidadas encontradas en el paisaje. Con ellas he formado una pequeña montañita. Una red las cubre, como si hubieran sido cazadas, atrapadas.

escultura para un debate scionatural

fragmento de foto sobre proyecto escultórico, un arte recolector, una escultura solidaria

Quiero crear espacios. Con la fotografía, realizada en lugares donde hemos recolectado esa basura, las latas oxidadas, hacer interiores, con paisajes exteriores, es decir, habitáculos incómodos, donde el espacio central es ocupado por esa montaña de basura, rodeada por un paisaje artificioso, fotográfico, pero real.

Jorge Oteiza, escultor Vasco, con sus famosas cajas, llegó a la negación del arte. Espacios vacíos carentes de vida, geometrías planas, inertes, recuerdos de lo que hubo. Quiero recuperar esos espacios. Los planos, lisos, inertes, ahora aparecen movidos, como si tuviesen vida interior. El movimiento, consecuencia de vida. Estos espacios ya no están vacíos, ahora por el contrario, en ellos suceden cosas. La humanidad altera, para bien , para mal,  sugerencias de la habitabilidad de ese espacio, de quien lo habitó. La basura dejada, como testigo de esa secuencia de vida. Contacto con la naturaleza, con lo que hacemos en ella, la fotografía como testigo de ese espacio, de lo que ocurre en él, de cómo lo tratamos.

La evidencia del espacio dentro… en contraste con el espacio fuera, sin embargo, ese tono óxido, lo invade todo.

El arte como conocimiento, de nosotros como especie, del pensamiento humano, de nuestra debilidad, de nuestros límites, de nuestros errores, sin duda crear espacios de vida para la deliberación .

escultura para un debate scionatural

foto sobre proyecto escultórico, un arte recolector, una escultura solidaria

Dejarse llevar, no tener una idea preestablecida sobre acontecimiento alguno. La vida y una mente artística, creativa, abierta, despierta y sensible, nada más. Dejar que mi vida, entre en la forma de hacer y entender el arte.

Lo estético cobra importancia desde el pensamiento, la escultura es cuestión de pensamiento, el objeto desde el pensamiento transforma un espacio estético. En el objeto pesa tanto su concepto como su estética, ligada la una a la otra y una consecuencia de la anterior. El arte altera un espacio, para el pensamiento, para un placer estético, para un re-descubrir sobre algo que creemos saber,  con el arte da lugar a una percepción distinta sobre lo que creemos saber.

La belleza del pensamiento como acontecimiento estético, sin duda el objeto testigo físico de ese pensamiento.

 

Escultura Contemporánea: El proceso como creación.

El huerto, proceso y pensamiento sobre espacio productivo

Me encuentro elaborando la primera pieza, de una serie de tres. Con esta serie pretendo crear conciencia, crear debate sobre el hombre como ser creador. Un hombre consciente de sí mismo, de su naturaleza como ser vivo e inteligente, capaz de producir y sensibilizarse con su entorno.

El mundo contemporáneo evoluciona con tanta rapidez que a veces pienso que se olvida de la parte sensible y espiritual intrínseca al ser humano. El hombre como motor y dinamizador de cultura ofrece unas posibilidades sensibles infinitas, llenas de originalidad y profundidad.

Desde lo íntimo, como es el contacto directo con el cultivo y cuido de un huerto casero, desde lo local, pues la casa y concretamente aquí en Granada, tan vinculada a la vega, de la que tanto hablaba Lorca en sus versos, trabajar en lo creativo para desarrollar una percepción desde la producción artística. La escultura, la pintura… lejos del sentido decorativo, ¡ qué carajo…! tiene un carácter educador y transmisor de conocimiento sensitivo y emocional que da cuenta de la naturaleza social en la que se encuentra atrapada.

Cuidando el huerto, escultura contemporánea

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

El arte trabajó con el Objeto y llegó con sus múltiples planteamientos, desde el cubismo, al suprematismo… a la conclusión entre otros, en la figura de Jorge Oteiza, escultor-filósofo-poeta Vasco, al despojo del mismo. Así en sus últimas Obras y simplificando mucho, las cajas; no es otra cosa que el objeto vacío. El constructivismo, el surrealismo, pretendían otra cosa, el despertar del hombre, un hombre nuevo. Educar con el arte al niño, formarlo en una nueva sensibilidad, capaz de fomentar la creatividad, con el conocimiento constructivista, darle las herramientas necesarias para construir sus propios procedimientos resolviendo por sí mismos situaciones problemáticas sociales y personales.

Hoy, con mi trabajo, nos planteamos esa problemática social, hacemos un arte social y participativo, donde dar voz a la sociedad a través del arte es un acto conciliador. Implicar al ciudadano, hacer un arte público real, donde el hombre y la mujer hagan urbe, hagan sociedad, se eduquen y se signifiquen en lo que quieren para sí y los suyos.

El huerto, nuestro huerto como proyecto artístico, nos habla de nosotros, un experimento sobre nuestra capacidad para crear y llevar a buen término esa mini-naturaleza como símbolo expositivo y espacio natural, del que todo hombre si se lo propone es competente. Con este proyecto, pretendo por su carácter procesual, del cual gozo y disfruto como un niño, evidenciar el tiempo, pues en este acto se requiere de cierta paciencia y constancia que sin duda tiene su periodo. Es por ello que se presentan en tres piezas, que se irán conformando con el crecimiento, desarrollo y muerte del huerto. Con la fotografía como testigo y representación. La servilleta de papel, humilde, sencilla y frágil, como soporte fotográfico. La chapa forjada y soldada, dura, consistente e industrial, como espacio y soporte a su vez de esas servilletas intervenidas. Por un lado tenemos esa creación con la naturaleza, en un espacio reducido pero natural. Por otro lado tenemos la creación con elementos industriales, modernos, que con la manipulación sensible, produce un resultado estético y un espacio para la percepción y conocimiento sensitivo del producto. Poner en contacto y en valor estas dos formas de creación, es una manera de conciliar el mundo moderno con el natural. Cómo uno no tiene, ni debe excluir al otro, todo lo contrario, la convivencia de ambos es posible y necesaria. De la mano, la una con la otra y la otra con la una, el hombre evoluciona y puede desarrollarse como individuo y como sociedad.

Cuidando el huerto, escultura contemporánea

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

Las piezas que resulten las considero necesarias, sin duda testigos, soporte y espacio para lo acontecido. El trabajo con las manos, tanto en el huerto como en las esculturas, me sensibilizan y me acercan al conocimiento de lo que busco. Y ésto sí o sí, se refleja de manera palpable en el resultado, por consiguiente en la percepción del espectador al contemplar la obra.

Las piezas no son meros objetos, trascienden como otra cosa. Nos cuentan algo que no sólo está en el espacio representado, también fuera de él. Las fotografías nos aluden a momentos anteriores a la formación de la pieza, nos evocan naturaleza; siembra, cuido, fruto, recolección, agotamiento y muerte… creación. No todo está en el espacio conformado por las piezas, sin embargo ese espacio, esas piezas es lo que nos queda, lo que nos muestra lo ocurrido anteriormente. El echo de modelar las chapas, atiende a la ruptura de la creación industrial, fría y sin vida, para desarrollar a partir de ellas, una nueva vida que sin duda tiene que ver con la vida de las plantas, con su movimiento en el sentido vital. Dar a la chapa industrial la oportunidad de ser soporte, universo, significarse con otra percepción  capaz de servir de conocimiento sensible al espectador.

Las esculturas incomodan pues no responden a objetos decorativos donde hallar un disfrute puramente estético. Son espacio para la contemplación y el pensamiento, donde el espectador debe participar de y con la pieza, buscar en la percepción su significado, un lugar para el conocimiento sobre sí y sobre la sociedad en la que vive. Un universo de interrogantes donde cada uno ha de encontrar la llave que abra su puerta.

Escultura Contemporánea: Nuestro pequeño huerto

Nuestro huerto como un proyecto artístico, esculturas que nos cuentan cosas…

Desde hace más de cinco años  Marta y yo venimos cultivando nuestro  huerto en casa. Se trata de un mini huerto, pues no tiene más de 2 x 4 m, sin embargo para nosotros es un disfrute preparar la tierra, abonarla con estiércol de caballo que recogemos cerca de casa y  transportamos en bolsas, ir a por los plantones, sembrarlo y cuidarlo. El seguimiento es a diario; por las mañanas, sobre las 7:30 h, salgo a ver como ha crecido. Es curioso, pero casi puedo escuchar y sentir como se desperezan los plantones. Este año hemos plantado; lechugas, tomates de diversas clases, pimientos y fresas. No es mucho ni muy variado, lo importante es que nos da a nosotros y a nuestros hijos la oportunidad de trabajar con las manos la tierra, tocar las plantas, oler su espléndido e inconfundible aroma,  cuidarlo y en el futuro, recoger el fruto de ese amor entregado a la tierra. Sinceramente se lo recomiendo a todo el mundo. El contacto directo con la naturaleza; con los animales y con las plantas, nos hace sentir de donde venimos y quienes somos.

Hoy vivimos en un mundo globalizado, donde la tecnología nos abruma y acelera sobremanera, nos estresa. Es cierto que ofrece muchas ventajas, da la oportunidad de estar de manera virtual, en multitud de lugares en tiempo cero, de conocer al instante lo que ocurre al otro lado del planeta, de desplazarnos en tiempo irrisorio… pero también es cierto que de alguna manera, nos deshumaniza. El equilibrio en relación a nosotros y a nuestro entorno es el punto ideal para una vida psicológica-mente sana. No hay que renunciar a nuestro mundo, a nuestra sociedad, a los logros conseguidos por la humanidad… pero sin duda tampoco hay que renunciar a la naturaleza, a lo que somos y formamos parte. La urbe, entendida como ese espacio que te atrapa y no te deja salir, que aparta a ese reencuentro con uno mismo…  hay que estar alerta. No puedo entender que existan niñ@s que jamás vieron una gallina, tan sólo el huevo, o no conozcan una vaca y sí, la leche que se beben, incluso que no sepan como es la planta del tomate que se comen, si es que conocen al tomate.

Como persona me planteo estas cuestiones; por un lado el mundo moderno, global, industrial, las nuevas tecnologías, el desarrollo… y por otro lado la naturaleza del ser, el contacto con animales y plantas, el cuido, la paciencia, la ilusión, el amor… en las dos cuestiones me encuentro con el hombre, con la mujer. El ser humano, como animal inquieto e inconformista, no para de investigar, de evolucionar y lo hace a un ritmo frenético, no paralelo a la naturaleza. Él va por un lado y la naturaleza por otro.

Cuidando el huerto, escultura contemporánea

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

Estas reflexiones creo que están bastante generalizadas, no es una una apreciación exclusivamente mía, la humanidad se las plantea, de ahí la aparición de huertos ecológicos, de huertos urbanos, de huertos verticales etc… es como llevar la naturaleza a la ciudad. Cosa que no sería necesaria si el ser humano hubiese planteado otro tipo de ciudad, es decir, una ciudad natural, donde la naturaleza formara parte, una ciudad no de jardines y parques, más bien una naturaleza como ciudad. Este pensamiento ocupa y preocupa mi tiempo, pero exactamente no es el motivo de este post.

A nivel personal os diré lo mucho que me llena tener y cuidar un huerto, creo que es una dedicación de tiempo, que sin duda recompensa. Te hace más humano y no deja que la prisa, el estrés, se apoderen por completo de tí, es como un oasis en el desierto. Es un asidero donde te encuentras contigo, donde la calma y la tranquilidad te dan la energía que la urbe te roba. Es el equilibrio del que antes hablaba y tan importante para el ser humano.

Como artista me planteo estas cuestiones de otra manera. Profundizar en la parte sensible, en el yo interior, en producir una percepción, una visión distinta de esta realidad. Curiosamente, antes nunca me llamó la atención la fotografía, sin embargo con los proyectos que venimos realizando la he tenido que usar, prácticamente a diario y se ha convertido en mi aliada. Poco a poco he descubierto como cambia la percepción de la realidad vista a través de una cámara y cómo una digital, por sus infinitas y rápidas posibilidades te abre a nuevas propuestas.

He ido, casi intuitivamente, fotografiando las plantas del huerto y del jardín. La planta y no el árbol, quizás porque se puede apreciar su evolución de manera más rápida. Ésto, en principio no tuvo una finalidad artística, sencillamente era por el placer de hacerlo. pero como siempre, mi mente me juega malas pasadas y al final… una cosa te lleva a otra y… total, que se convierte en parte de un proceso creativo y en fin… ahí estoy.

La idea de huerto directamente ligada a la arquitectura rural, o sea, a la construcción más ancestral y natural del hombre. Representada a través de fotos impresas en servilletas de papel, en blanco y negro, cual si se tratase de dibujos donde rescatar la esencia y no perderse en otras cuestiones que nos da el color. No sólo su belleza, que la tiene, más su significado, la construcción de unos valores que subyacen en la naturaleza y del que el hombre es su único valedor como especie creadora. Ese sentido de crear con la naturaleza, en un conocimiento primigenio. La creación en todos sus aspectos como conocimiento, el conocimiento como creación y condición humana. Sin duda un huerto depende del cuido de su creador o creadora, sin los mimos y la protección de éste, no llegará a su madurez. La servilleta de papel es frágil, de ahí representar las plantas  en ellas, aludiendo a esa fragilidad y lo efímero de su existencia, nacimiento, desarrollo y muerte.

Cuidando el huerto, escultura contemporánea

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

En un sentido diferente,  tenemos otra idea de construcción, también creada por el hombre. Esta vez con materiales altamente manufacturados, industrializados, pero cuyos componentes provienen también de la madre naturaleza. Poner en un mismo escenario ese juego constructivo, donde la creatividad está presente en ambas, donde se busca ese equilibrio de las fuerzas en construcción y donde se pone en evidencia la fragilidad de ambas. Las servilletas intervenidas se adhieren a esa construcción en chapa forjada y soldada, igualmente por la mano del hombre. El producto intenta crear ese debate del que antes hacía alusión, la convivencia del mundo natural con el mundo moderno, más deshumanizado, más industrial y tecnológico. Es cierto que no resulta fácil, de ahí que la chapa se sostiene únicamente en un punto, salvando la gravedad, pero también la realidad de lo posible.

La idea de lo posible, de la convergencia de dos maneras distintas de creación, como enlace, yuxtaposición. La una con la otra y su suma el todo.

Es una manera de conocimiento, a través del pensamiento, de la percepción,  nos crea interrogantes. Con la percepción del producto, hacernos caer en la cuenta, del hombre y la naturaleza, a través de lo cotidiano y diario, el huerto personal, mi huerto, su cuido. El hombre como creador y constructor de vida. La vida natural y la construcción de artefactos con un sentido estético que nos evocan otros espacios, otras sensaciones, que desde luego no nos dan de comer, sólo alimentan el alma, que ya es mucho.

La capacidad creadora; convertir una chapa industrial, fría, rígida, plana en algo distinto, en  escultura, llena de luces y sombras con formas sugerentes… apariencia de un gran papel que contiene multitudes. Servilletas de papel fino llenas de tiempo y de vida.

 

Escultura Contemporánea: Comienzo un nuevo proyecto

Broken Negotiating Table, sobre la problemática educativa, LOMCE

Como sabéis a principio de Mayo se presentó este proyecto en la ( UAM ) Universidad Autónoma de Madrid, en el proyecto artístico internacional EnreDADas, que ha comisariado Ángeles Saura también de la UAM. Este trabajo pretende dar voz al alumnado y profesorado a través del arte,  la servilleta de papel sigue siendo el medio y vehículo donde, en este caso, expresar ideas, descontento sobre la LOMCE.

La educación es un derecho que tenemos todos, así por lo menos lo recoge la Constitución en el artículo 27, sección 1ª. Sin embargo las políticas actuales parece que no piensan igual y poco a poco, como quien no quiere la cosa, las van privatizando. El término educación es bien amplio y no sólo responde a la adquisición de conocimiento, transmitir valores morales, de conducta, modos de ser… son requisitos implícitos en el proceso educativo.

Los ciudadanos vivimos en una falsa democracia, hemos conquistado ciertas libertades, cierto, no obstante si paramos la lucha, si no seguimos reivindicando, pronto seremos testigos de una pérdida importante de lo que nuestros mayores consiguieron con su esfuerzo, con revueltas, incluso con su vida. Precisamente vemos como ciudadanos que en un principio hacen una política desde la calle, pasan a hacer una política desde el estado, rompiendo las reglas de juego, que hasta ahora manejaba el bipartidismo de turno. Estos nuevos partidos, llamados emergentes, parece que si están más por la labor de defender los derechos del pueblo. Hasta ahora así lo han demostrado con sus innumerables reivindicaciones, manifestaciones y posicionamientos ciudadanos, tocando ámbitos como la violencia de género, desahucios, sanidad, cultura, educación…

El panorama político ya está cambiando, no es una ilusión, es un hecho y así lo demuestran las últimas elecciones autonómicas y municipales de este pasado fin de semana. La sociedad no permanece impasiva e inmutable a lo que ocurre en ella, por el contrario, reacciona, se posiciona y toma determinaciones, de una u otra manera. El arte, como hemos explicado en otros post, va unido a la sociedad en la que coexiste, por tanto igualmente evoluciona y se posiciona ante lo que el panorama social demanda. Un arte reivindicativo, político y sobre todo social.

Broken negotiating table, instalación escultórica

workshop con estudiantes de UAM, proceso escultórico.

Broken negotiating table, es una reivindicación, desde el arte y desde el alma mismo de la educación. Ciudadanos; alumn@s,  profesores y profesoras expresan en ese objeto cotidiano; La servilleta de papel, su malestar, su desacuerdo y ponen sobre la mesa, una mesa-arte, propuestas, alternativas enfocadas a mejorar el futuro LOMCE, que nuestros políticos pretenden, sin conocimiento, o si lo tienen, malintencionado dar como bueno.

Dar vos al ciudadano a través del arte.

Broken negotiating table, proyecto escultórico, instalación escultórica, arte social, arte participativo

 Una vez más con nuestra manera de hacer y entender el arte, nos ponemos al servicio de la sociedad para expresar con una estética diferente, lo que la sociedad siente, lo que preocupa al ciudadano.

No nos conformamos con la individualidad en arte. Puedo expresarme como artista, pero si no lo hago en colaboración y contando con una sociedad que evoluciona, que crece a pasos agigantados, sin duda, será un arte a medias e inconcluso. Tengo esa necesidad, además de la obligación moral por intentar realizar un arte real, sobre una sociedad real. Realizando este proyecto, explicándolo a los alumn@s y profesores, en el proceso, compruebo el entusiasmo y la complicidad que se establece. Me llena de ilusión y me siento honrado con poder llevarlo a cabo. Entre Cristina Moreno, profesora de la Universidad y quien se implica y me ofrece esa oportunidad, que sin duda agradeceré siempre y yo, le proponemos el tema. La libertad sobre la propuesta es total, a excepción del formato elegido, la servilleta, que es el mismo para todos.

Las intervenciones están cargadas de imaginación, que no tiene límites y llenas de sugerencias, muy a tener en cuenta. Es evidente que si nuestros políticos escucharan más al ciudadano, avanzaríamos rápido hacia un mundo mejor, pero claro, a ellos les preocupan otras cuestiones, muy alejadas de la realidad.

Dar vos al ciudadano a través del arte.

Broken negotiating table es una instalación escultórica, que intenta con su estética crear cierto desconcierto, pues no se sabe bién si son las propuestas realizadas en las servilletas quien aguanta a esa mesa-arte, o si es esta mesa-arte quien sostiene las servilletas. Una metáfora de nuestra política y nuestra sociedad, casi, una lucha de poder, pero no de poder político, sino de un poder por esclarecer y dar salida a una realidad.

Cuando tengo el material en mi estudio y me planteo un discurso plástico con él, me imagino cierta manifestación con pancartas, con silbidos, con abucheos, con acciones, incluso performance… de alguna forma una instalación escultórica que pone sobre la mesa un descontento generalizado por como discurre nuestro sistema educativo y sobre todo, dónde nos lleva. La escultura pretende crear un debate sobre el sistema educativo, ¿ cómo mejorarlo? ¿ cómo reivindicarlo?, generar ideas, alternativas, propuestas, soluciones… y para ésto l@s estudiantes proponen en el objeto servilleta de manera creativa, sarcástica, simbólica, ilusionante, irónica, cómica… mucha diversidad de propuestas, además de esos abucheos convertidos en servilletas. La idea de simular una mesa rota, donde se ponen encima, alrededor, por todas partes esas servilletas intervenidas donde dar conocimiento a nuestros políticos, que por lo que parece, están exentos de creatividad. Pues ahí las tenéis, tomad nota y no pongáis excusas, a trabajar por una educación más creativa, más profunda, más eficiente, con más moral, con más ética, con un nuevo discurso y no adocenada, con una nueva ilusión, con más sentido donde al niñ@ se le enseñe a pensar por sí mism@… y sobre todo.. pública e igualitaria.

Es importante esa estética presentada, como metáfora a poner ¡¡¡¡!!!!! encima de la mesa. Pero claro, encima, al lado, debajo, delante, detrás, de manera caótica y desconcertante hasta la saciedad, por ese hastío político que nos somete. Una mesa rota, donde las patas son también servilletas de papel que soportan, como soportamos los ciudadanos. Donde la mesa pierde protagonismo por lo importante, los mensajes que aporta el ciudadano, l@s estudiantes y profesoras. Reivindicar una Educación de calidad, una educación justa e igualitaria, donde la solidaridad es parte de esa educación.

Através del arte dar voz al ciudadano

Instalaciós escultórica, arte participativo, arte social, arte reivindicativo.

Escultura Contemporánea: Acercándonos al arte hoy…

Arte: Complejo término que pretendo explicar y acercar al Ciudadano de a pie.

Buenos días a tod@s, en el último post intenté explicaros el término Arte de hoy. No es que hoy el arte signifique algo diferente al Arte de antes, sencillamente ha encontrado otras vías, otras maneras y formas de expresión, otros productos en los que manifestarse, otros modelos de conocimiento en definitiva. Ésto es lo que dificulta al público, al espectador de hoy entender que ocurre y qué pretende el arte actual. En éste y en sucesivos post, hablaré de claves, de significados y modos de conocimiento implícitos en el arte, de manera que os facilite un acercamiento y una comprensión al panorama artístico que convive con nosotros.

Acabo de terminar la lectura de “Estética relacional “,  Nicolas Bourriaud. crítico de arte y curador francés, nacido en 1965. En este ensayo sobre arte, encuentro infinidad de términos y propuestas artísticas con las cuales me identifico y abren mi mente hacia universos artísticos de los que antes no era consciente, pero que sin embargo intuía.  Como os decía en el anterior post, el arte ha encontrado otras funcionalidades para expresarse. Con  Estética relacional, explicaré esas otras funciones y lo haré en base a nuestro proyecto actual,” Gracias por su visita “, con el propósito de introduciros en el universo que encierra un lenguaje artístico en el panorama actual.

Para empezar, enunciaré un párrafo del libro, que creo os introducirá bastante; La actividad artística constituye un juego donde las formas, las modalidades y las funciones evolucionan según las épocas y los contextos sociales, y no tiene una esencia inmutable. Cierto, lo que se produce en arte hoy, responde a la época actual, es por eso que para mirar un objeto artístico realizado en este tiempo, no podemos enjuiciarlo y valorarlo con una percepción del S. XV. La sociedad de nuestro tiempo, no es la sociedad de entonces, y tampoco será la sociedad de un futuro. Como bien dice Nicolas, no es inmutable.

En este vídeo sobre la Obra de Anish Kapoor, arista contemporáneo, podéis ver una serie de trabajos que para los que no lo conocen, cuando menos les resultará  sorprendente. Es importante ir familiarizándose con el arte de hoy y creo que Anish Kapoor es una buena elección.

 

Como artista trabajo en un arte relacional, esto es; el producto artístico se realiza en colaboración con la sociedad, donde las intervenciones en las servilletas de papel que el ciudadano realiza, ponen de manifiesto el contexto social, las interacciones que tienen unas con otras, dando lugar a una alteración estética, cultural y política. Podemos ver claramente ese cambio de funciones al que antes aludía. El producto realizado por el artista, ya no es un objeto elaborado individualmente, se lleva a cabo por un colectivo, ” los ciudadanos “. Los contenidos los expone la sociedad, no la figura del artista. El artista aparece en este sentido como un operador de signos, que modela las estructuras de producción, con el fin de lograr dobles significantes, según palabras de Nicolas. Puesto que el objeto artístico no responde a unos parámetros de representatividad, es decir, reflejar la naturaleza de manera subjetiva, tal como se entendía en un arte académico, clásico, no tiene sentido percibirlo como tal.. Con lo cual para entender la obra, debemos abrir la mente, enfrentarnos al objeto que se nos presenta y preguntarnos; ¿ Qué discurso tiene?, ¿ Qué pretende, nos enseña algo ?, ¿ Por qué presenta esa estética ?, ¿ De qué manera me afecta y qué me sugiere ?, ¿ Por qué implica a ciudadanos en la obra?, ¿ Qué intenta trasmitirnos, cual es su mensaje estético y conceptual ?..  Si nos preguntamos ésto y más, seguro que iremos hallando respuestas, poco a poco. Hoy, el hecho de contemplar la obra, ya es en sí mismo, un hecho artístico. El arte en la actualidad, trasciende el mero placer estético, o sea, no sólo es contemplación, implica actividad por parte del espectador, es un diálogo entre obra-espectador, espectador-obra. Con la pasividad, no puede uno adentrarse en el disfrute y conocimiento estético. Con rotundidad afirmo; que si un objeto sólo busca estética, claramente no estamos hablando de arte.

Las preocupaciones del arte y de la sociedad hoy son bien distintas. Un arte que toma como horizonte teórico la esfera de las interacciones humanas y su contexto social, ésto da buena cuenta de un cambio radical de los objetivos estéticos, culturales y políticos puestos en juego por el arte moderno. Esta frase que retomo de Nicolas Bourriaud, nos acerca de manera literal a los cambios de las funciones que se producen en el arte hoy. En otro post donde explicaba el arte conceptual, hablaba de las partes del objeto artístico, una parte estética y otra conceptual. Pues el arte contemporáneo tiene muy desarrollada esa parte conceptual, a la que no hay que perder nunca de vista.

Alguien me decía;” lo importante que ha sido el humanismo en  Arte “, aludiendo claro, a un arte tradicional, academicista. Que la globalización está acabando con el humanismo y también con el arte, que no se puede tirar por tierra la tradición, que expresar con la figura, con el paisaje, nunca puede ser reemplazable con lo que hoy se hace en arte. Es evidente que quien me decía esto, no sabe o más bien, no quiere enterarse de lo que pasa hoy en arte. Personalmente estoy en contra de la globalización, que por supuesto responde a intereses económicos de unos pocos y no de la mayoría. Hoy más que nunca, el arte está verdaderamente interesado por lo que ocurre en la sociedad. No se hace un arte para la Iglesia o para una Burguesía minoritaria, aunque también. El arte se ocupa del pueblo, de su sociedad, incluso hoy se hace un arte colaborativo, en el que la sociedad cuenta y mucho, un arte social, como dije antes un arte relacional… en definitiva un arte que antepone los problemas sociales y los reivindica, un arte político. Dicho ésto creo que podemos determinar que el arte contemporáneo es un arte humanista, que se preocupa y ocupa de los ciudadanos y su problemática. Es cierto que el arte clásico era humanista, pero sin duda para una élite.

Instalación escultórica, Redes, Exposición

Instalación escultórica, exposición en galería de arte Cartel.

¿ Qué puede ser más humano que un arte solidario ? pues precisamente el proyecto en el que trabajamos, es un arte solidario, donde se le da voz al pueblo en el objeto artístico. Un arte hecho por el pueblo y para el pueblo. ” Gracias por su visita “, pretende tocar todos los ámbitos sociales con una u otra problemática, donde el ciudadano exprese libremente su sentir. Quizás ésto choca con el arte tradicional, donde únicamente la figura del artista era la que se ocupaba de expresar de una manera subjetiva. Para una forma diferente de hacer arte, es lógico pensar que haya que encontrar una estética nueva, alejada de toda la tradición, pero curiosamente sin romper con ella, pues dibujar, escribir…. en una servilleta de papel, es de lo más elemental y básico en cualquier manifestación artística. Otra cosa es como se presenta ese producto artístico, que en cada caso tiene su propia expresión estética y su por qué. Con lo dicho es evidente que la mirada hacia el objeto artístico debe también renovarse, no buscar y empeñarse en encontrar la belleza de una Obra clásica, ni siquiera una simple estética. Una mirada despierta percibirá a una sociedad que se expresa en el objeto, donde sus múltiples lecturas nos adentran en nuestra sociedad, en sus problemas y sus inquietudes. Veremos en el producto artístico, una oportunidad social, donde el artista juega con una estética que pretende captar y llamar la atención del espectador de manera diferente, singular, donde los planteamientos plásticos están presentes, pero de otra manera. Hay espacio, volumen, movimiento, tensión, fragilidad, solidez, color, originalidad, proporción, composición… pero donde sobre todo, hay sociedad en ese juego plástico, cuyos contenidos son los que el ciudadano aporta a la pieza artística.

Escultura Contemporánea: Arte

¿ A qué consideramos o llamamos Arte hoy ?

El 26 de Abril di una charla-coloquio sobre el proyecto Redes que como sabéis se expone en la Galería de Arte Cartel.  En ella explicaba el proceso y desarrollo  de dicho proyecto. Después de la charla se abrió un debate que trataba sobre; otras maneras de hacer y entender el arte. José Carlos, pintor y colaborador con Annabella en la Galería, me preguntó muy directamente qué pensaba yo que es Arte.  Intenté explicarle el significado y mi visión personal, pero fue muy difícil; el quería una respuesta concreta y que le sacara de dudas.

Jose Carlos necesitaba una respuesta concisa y que le diera una visión clara sobre el panorama actual del Arte. Con la perspectiva del tiempo y un análisis más o menos profundo sobre la historia del arte que nos ha precedido, uno puede hacerse una idea de qué es y  qué labor tenía el arte de antaño. Hoy el arte evoluciona, cambia más rápido que las estaciones. La palabra Arte, de la que he dejado enlace para no tener que repetir su significado extraído del diccionario, ha ido cambiando su función igual que lo ha hecho la sociedad.

En este post voy a intentar explicar el término ARTE, tal como yo lo veo y lo entiendo. En el diccionario podéis encontrar diferentes acepciones, ya he dejado varias con los enlaces. Sin embargo como artista y dedicado de lleno a esta labor, intentaré hacerlo de manera sencilla y entendible para todos, utilizando un lenguaje asequible.

El arte es una actividad o un producto realizado por el ser humano con finalidad estética y/o comunicativa, en esencia. En consecuencia y por añadidura debe llevar implícita la intencionalidad. Es decir, cualquier ser humano, por definición es capaz de producir arte si hay intencionalidad en ello. Es importante tener claro ésto desde el principio.

Antes he mencionado la historia. El tiempo y la distancia en el arte son factores que ayudan, no cabe duda, a comprender y a asimilar los productos producidos en él. Por ejemplo nadie duda de que el Moisés de Miguel Ángel es arte, o las Meninas de Velázquez, o los Girasoles de Van Gogh, o el Entierro del Conde Orgaz del Greco, son arte, ¿ Cierto ? ¿Qué ocurre?.. pues que la perspectiva del tiempo ha hecho su labor. Ha dado ocasión de estudiarla, analizarla, asimilarla… a valorarla, a reconocer su capacidad e influencia en generaciones posteriores, se ha convertido en símbolo. Una masa importante de nuestra sociedad y de otras muchas se han educado y crecido con ésto. Hasta finales del s. XIX, prácticamente, el arte era una labor de oficio, de derroche de originalidad, de representar la naturaleza de manera magistral, de destreza… con la aparición de la fotografía, el arte en general y más fuertemente la pintura se ve amenazada. Aparece una máquina capaz de representar con más exactitud la Naturaleza. ¿ ? ¿ Ahora qué ? ¿ para que sirve entonces la pintura ?

A partir de este momento la pintura como tal entra en una especie de crisis, de incertidumbre de hacia donde debe encaminarse, a buscar otros caminos, a auto-inventarse. Es entonces cuando aparecen los primeros ismos. Nacen otras fuentes de inspiración, otras maneras diferentes de entender el arte. En aquella época, por ejemplo Van Gogh, muere sin haber vendido un cuadro en su vida, eso es internacionalmente conocido. ¿ Qué vale hoy un cuadro de Van Gogh ? Creo que ésto aclara bastante sobre lo que os decía de la perspectiva del espacio y tiempo.

Lo que se denomina hoy arte contemporáneo, que por otra parte considero un error, pues un paisaje pintado al óleo es arte contemporáneo, por el hecho de haberse realizado hoy. Sin embargo no todos los sectores del arte piensan del mismo modo. Bueno eso es otro cantar… una cosa es el arte y otra bien distinta, el mercantilismo en el arte.

Con lo dicho hasta ahora, sacamos varias conclusiones; por un lado la intencionalidad, por otro lado la perspectiva del tiempo, que considero se entiende y se comprende con lo dicho arriba y por otro lado la funcionalidad en el arte. Con respecto a la intencionalidad, creo que queda lo suficientemente claro y asimilado. Para que una obra se pueda considerar arte, lo primero es que tenga dicha intención, es decir, que su creador la haya realizado con ese propósito.

Ahora tocaremos lo referente a la funcionalidad, ésta es la parte más compleja, que por otro lado es la que nos va a aclarar y llevarnos a un entendimiento, a una conciliación con el arte contemporáneo. Como podéis observar, en el arte intervienen múltiples factores, yo he simplificado al máximo, recogiendo los tres que considero elementales y básicos para poder entender el término ARTE y sobre todo arte contemporáneo. La función a lo largo de los tiempos ha ido cambiando, evolucionando y no lo ha hecho de manera caprichosa y altruista. El arte está estrechamente vinculado a la sociedad en la que vive. La humanidad es imparable, cada vez  evoluciona más rápido y en periodos cortos de espacio y tiempo, el ser humano descubre, inventa nuevas estructuras, nuevos caminos. La ciencia, la medicina, la filosofía, la psicología, la tecnología, la comunicación… ahora más que nunca encuentra nuevas rutas que nos llevan a futuros universos, insospechados.

Prácticamente la humanidad es capaz de reconocer, valorar, comprender e incluso de asimilar la importancia de un móvil, de un ordenador, de la radio, de la televisión y de un sin fin de inventos creados por el hombre. Pero ¿ Qué ocurre con el arte ? ¿ Por qué no lo entendemos, nos es tan ajeno, tan distante…? En realidad el problema no es tanto del arte, como nuestro.

Os he puesto dos vídeos, uno de Daniel Cánogar, artista contemporáneo y orto del Moisés de Miguel Ángel, artista del Renacimiento. En la obra de Miguel Ángel, la imagen nos dice todo, a la mayoría le basta pues creen entenderla. En la obra de Daniel, el artista explica su proceso y eso nos ayuda a entender. ¿ Qué pasa ?, sencillamente la funcionalidad de la obra del Moisés la hemos asimilado y por tanto la entendemos sin problema. Daniel realiza una obra con otra funcionalidad, propia del momento en el que vive y ésto no lo hemos asimilado, por tanto no llegamos a entenderlo, de momento. Daniel trabaja con materiales reciclados a los que pretende darle una oportunidad, darles vida de nuevo para que no caigan en el olvido. Nos habla del hoy y de su experiencia sensible y humana HOY. No podemos tener la misma mirada y la misma percepción que tenemos al contemplar el Moisés.

Nos preguntamos ¿ Qué es el arte ? quizás la pregunta hoy esté desfasada y deberíamos preguntarnos ¿ Es útil el arte? ¿ Para qué sirve el arte? ¿ Qué cosa es arte? ¿ Qué función tiene el arte ? para poder introducirnos en el objeto artístico y poder llegar a él, poder entenderlo, debemos abrir nuestra mente, no pedirle lo que no contiene. A nadie se le ocurre ir a visitar una casa con el propósito de comprarla y decirle al vendedor; esta casa no tiene ruedas, ¿ verdad ? Con el arte pasa algo parecido. Nos empeñamos en querer ver lo mismo que veíamos en el Renacimiento y ¡ no ! Hoy el arte ha introducido otros mecanismos, otros sistemas y modos de percepción, sobre todo de conocimiento. El arte ha abierto otros caminos, otras vías en sus medios y sus fines. El arte es una herramienta de conocimiento del mundo y de la humanidad.

Espero llegados a este punto, que por lo menos seáis conscientes de cómo han cambiado las funciones del arte hoy. Si en este momento comprendéis ese cambio, seguro os enfrentaréis a una obra de arte con una nueva mirada, que es de lo que se trata. Al contemplar una pieza artística, la pregunta no es ¿ Es ésto arte ? la pregunta será ¿ Qué pretende esta obra ? ¡ De qué manera me influye, me emociona, me sugiere… me enseña?

No existe un camino en arte, hay infinitos, tantos como artistas existen en este mundo. Particularmente entiendo el arte de manera bastante compleja, inabarcable y en continuo cambio. Entiendo el arte como un espacio de conocimiento, de debate, de alternancia, colaborativo, educativo, sensible, social, de estética pero otra estética, emocional, de oportunidad, de compromiso, de juego hacia otras posibilidades plásticas y estéticas…

Como todo, cuanto más se estudie, cuanto más se ve, más se aprende. Lo importante con este post es aprender a ver a saber mirar.

Os dejo esta obra realizada en colaboración con niños y niñas de entre 12 y 15 años, en un centro educativo. Poner en práctica lo que he intentado enseñaros. La obra: ADOLESCENCIA, realizada con servilletas de papel intervenidas por estos chico/as, chapa forjada y soldada donde se adhieren, acero calibrado.

Instalación escultórica, en colaboración, social.

Escultura Contemporánea: ” ADOLESCENCIA “, Obra realizada en colaboración con niñ@s de un Centro Educativo; Carmen Sallés.

Escultura Contemporánea: Instalación Escultórica Redes.

Conclusiones sobre Redes.

Después de ocho meses entregados a Redes, por fin se presentó al público en la Galería de Arte Cartel de Granada. Una masiva afluencia de espectadores asistieron al acto.

En todo este tiempo trabajando en el proyecto, mi percepción sobre el Arte y en particular sobre el arte en colaboración, ha cobrado una fuerza renovada. Ya habíamos trabajado anteriormente con proyectos colaborativos en diferentes ámbitos sociales, sin embargo, con Redes por su magnitud, durabilidad en el tiempo y sus características singulares, me han dado una perspectiva diferente. El carácter internacional entraña una proporción diferente, ni mejor ni peor, sencillamente distinta. Es importante e interesante el sentido de lo local en la obra de arte y también lo global. Con esta pieza hemos presentado los dos, desde la individualidad de la persona que colabora en el proyecto, dándole ese carácter local, hasta lo colectivo que se presenta en el conjunto de la instalación, en un sentido social.

Con la inauguración de la exposición se cerró el ciclo, evidentemente no por completo, pues Redes es una Obra abierta que seguirá creciendo en el tiempo y en el espacio. No obstante, la gestión, desarrollo y ejecución de la escultura, encontró su sentido de ser una vez que el espectador toma conciencia de ella.

En anteriores post hemos hablado, más bien he ido teorizando sobre conceptos y entramados contenidos en el proyecto Redes. Hoy una vez que también el público, el espectador se ha apoderado de él, puedo sacar a relucir mis propias conclusiones, pero evidentemente no las únicas, ni mucho menos las verdaderas, entendidas éstas como verdades absolutas.

La percepción que tenemos sobre algo concreto, el tiempo y la experiencia me han enseñado que es distinta en cada uno de nosotros. Es por eso que hablaré de mis conclusiones y procuraré no usarlas como verdad absoluta.

En la presentación, tuve ocasión de intercambiar pensamientos, sensaciones, pareceres… con el público que miraba y estudiaba a Redes. Todos los planteamientos, conceptos y teorías que yo iba formulando en el desarrollo y proceso del proyecto, encontraban eco en el espectador. Eran perceptibles y la instalación era sensible de transmitirlas. La estética, desconcertaba al principio, quizás por no responder a ningún parámetro preestablecido, creando cierta inquietud. De alguna manera eso pretendía, pues en mi mente estaba la creación de una estética diferente y única, ante una manera distinta de hacer arte. También encontré a gente que no entendía un arte hecho por el público, por la sociedad, sin duda el sentido de individualidad en la creación artística está muy arraigado en nuestra sociedad. La Obra, no cabe duda creaba debate y eso es importante. La indiferencia en ningún caso fue la protagonista. Con la contemplación de la pieza era consciente del sentido de unidad, aun con unas grandes dimensiones y con una plástica compleja, incluso hiriente, la Instalación funciona como un todo. Invita, no cabe duda a la lectura individualizada de cada una de sus partes, de cada uno de los colaboradores, además de una lectura global.

Instalación escultórica, Redes, Exposición

Instalación escultórica, Redes, Vista parcial de la escultura.

Realizar un proyecto contando con una colaboración internacional, no ha sido fácil y sí, muy gratificante. La sociedad está tremendamente abierta y es muy receptiva a participar.

Mirando la instalación me percato del interés y el sentido que cobra articular los trabajos tan dispares coexistentes dentro de la pieza. En cierta manera es reflejo de las sociedades y de como éstas pueden cohabitar sin molestarse unas a otras, sencillamente por el compromiso y el respeto al espacio que cada cada una ocupa dentro del todo.

Ese respeto con el que yo he tratado la obra, en donde cada colaborador o colaboradora tiene su propia parcela, su dominio, como ocurre en el espacio virtual. Si contemplamos la totalidad, aparentemente parece un caos, una amalgama de papeles intervenidos que dialogan entre sí, sin ton ni son… sin embargo, si nos detenemos y observamos más en profundidad y con cuidado, descubrimos cierto orden, donde las intervenciones se ordenan por autores, donde las obras se interrelacionan unas con otras sin molestarse, donde la plasticidad, la composición y el juego compositivo tanto por contraste, como por armonía están presentes. 

Con Redes ocurre algo parecido a lo que podemos encontrar en cualquier modelo de comunidad, de sociedad, diálogos y convivencia. El espacio virtual por donde circula la información de Internet, es algo abstracto, otra dimensión, que puede que responda a unas leyes geométricas o tal vez todo lo contrario. Yo he representado ese espacio con una realidad inventada, con una forma concreta, con una materia determinada, una metáfora de lo imaginado. La instalación presenta  sólo un fragmento, de ahí que Redes siempre estará inacabada, soy consciente de su infinitud y eso me da perspectiva  de trabajo, de investigación y de proyección. Cuando me he quedado en soledad ante la obra, he recreado su continuidad. Como creador, no puedo seguir repitiendo esquemas, lógicamente Redes tiene que crecer con otra estética, tiene que reinventarse. He llegado a agotarme trabajando en este proyecto y sin embargo estoy deseando retomarlo,  sabiendo que nunca hallará fin. Que cuando me disponga a prolongarlo Redes encontrará otra forma y otra estética para seguir creciendo, ¡ apasionante !

Me interesa el proceso, el desarrollo que como proyecto tiene. Aquí encuentro un factor importante y es como impacta el arte en la sociedad. No es una pieza que un artista crea como individuo y la presenta a un público esperando algún tipo de reacción determinada. La instalación es producto también de ese público, donde además de espectador es coautor del objeto artístico, por tanto existe una relación extremadamente estrecha entre obra y espectador. Incluso un público que no ha participado directamente en la escultura, se identifica con ella, pues entiende que él podría perfectamente estar involucrado. Implicar a la sociedad en el objeto artístico, es darle cierta responsabilidad, es hacerle parte y eso curiosamente tiene sus consecuencias.

La percepción que se tiene ante algo cuando uno es parte lógicamente es más consciente y atenta que cuando uno ve pasar algo que le es ajeno.

Público contemplando Redes.

Instalación escultórica, espectador absorto y recreándose en el interior de Redes.

Escultura Contemporánea: Crítica sobre Redes de Gabriela Figueroa.

” Redes” de Augusto Moreno: Una fusión armónica del arte social y el empoderamiento de la ciudadanía internacional:

La gran instalación escultórica ” Redes” es una obra de arte conceptual realizada por el escultor Augusto Moreno en colaboración con el público y Marta Herrán quien se ocupó de la gestión.

En sintonía con trabajos anteriores, ” Redes” al igual que “Adolescencia” y ” Despertar sin violencia”, entre otros, están enmarcados dentro del Proyecto social ” Gracias por su visita”, que utiliza a la servilleta como un medio de participación artística. Debido al ingenio creativo de Moreno, la servilleta experimentó un ready- made en sentido duchampiano y pasó de ser un humilde objeto cotidiano a tornarse en un digno soporte de expresión colectiva.

poránea: Proyecto Redes

El título de “Redes” se debe a que es el primer proyecto que Moreno y Herrán concibieron íntegramente desde las redes sociales. Dentro de la tradición del arte correo, el artista realizó una convocatoria a través de dichas redes a diversas personas del ámbito cultural internacional para que plasmaran en servilletas su pensamiento y/o trabajo actual y se las enviaran vía postal. La respuesta a su solicitud fue fructífera ya que recibió aproximadamente 500 servilletas en papel intervenidas que mediante el soporte en chapa de hierro y la articulación de acero calibrado, pasaron a ser una parte vital de la instalación escultórica.

En la composición de “Redes”, el escultor Moreno, cual gran arquitecto, se sirve tanto de relaciones analógicas como de contrapunto, en sus variantes conceptuales y plásticas, para generar un diálogo dinámico y dialéctico entre la totalidad del material recibido. Si bien cada colaborador tiene su espacio, como ocurre en los dominios de internet, los aportes del público en su conjunto son un símbolo contundente del empoderamiento de la sociedad.

Sin lugar a dudas, “Redes” es multidimensional. Las servilletas de papel ilustradas y/o escritas enviadas por correo postal por los colaboradores tienen dos dimensiones que tras pasar a integrar la instalación escultórica se convierten en tridimensionales. Pero, el proyecto es impensable sin la cuarta dimensión, el tiempo que implica la construcción de la obra. Dicho proceso incluye la convocatoria del público internacional via redes sociales, la respuesta de éste, que en los casos que decide participar, envía sus servilletas intervenidas por correo postal. Una vez que el artista las recibe, las fotografía y las muestra en su página de facebook, agradeciendo por la colaboración y sin olvidar mencionar el nombre y apellido del realizador, su lugar de procedencia y comentar brevemente su trabajo. Para concluir este circuito de realización colectiva, las servilletas son finalmente incluidas en la instalación escultórica. Merced a la pericia técnica de Moreno, cada servilleta intervenida en papel es replicada en chapa forjada respetando sus medidas originales, para ser luego anexada a la estructura de acero calibrado. Precisamente, al recorrer la vastedad de la instalación escultórica se torna evidente para el espectador la naturaleza plástica multidimensional y procesual de la obra que da cuenta de su work in progress.

El espíritu de apertura que dio origen a “Redes” reside en su anclaje en el arte correo. Esta corriente artística nacida en los años 60, se rebela ante los rasgos de panóptico foucaultniano de los mass media y la cultura de masas, los cuales suelen emitir mensajes unidireccionales. En contraposición, el arte correo propone la comunicacional interpersonal, la ejecución de obras abiertas y colectivas que incluyen la sorpresa y el azar, el acto de compartir e intercambiar mensajes y arte por sobre una intención comercial y el pluralismo multicultural en su realización que connotan la idea de que toda persona puede ser un artista. Debido a sus ideales democráticos y disruptivos, el arte correo fue usado ampliamente en Latinoamérica durante los años 60 y 70 como una estrategia comunicacional que propició el intercambio entre los artistas y el público y permitió esquivar el poder autoritario de las dictaduras.

En el caso de “Redes”, su calidad de obra abierta se manifestó en la apertura de Moreno al incluir absolutamente todas las servilletas intervenidas que recibió de sus colaboradores aún de los que no pertenecían al sector cultural de la sociedad, el cual fue el inicialmente convocado. Este acto inclusivo cuyo fin es empoderar a la sociedad a través del arte, se opone a los sistemas políticos y económicos actuales que bajo la égida de la globalización tienden a aumentar in crescendo el número de excluidos.

Si pensamos en “Redes” desde una perspectiva post-histórica, Hal Foster, sugiere que las neovanguardias entienden y completan el proyecto de las vanguardias, ya que éstas poseen sobre aquéllas una acción diferida. En la misma línea, puede decirse que esta instalación escultórica de Moreno, heredera del arte correo y del arte conceptual, se nutrió de vanguardias y movimientos previos como el futurismo, el dadaísmo, el situacionismo y fluxus entre otros, para potenciar sus ideas de unir el arte a la vida, incluir el azar y la libertad, desalienar al público y utilizar múltiples vias de comunicación para optimizar la participación de audiencias diversas y así difundir la idea de que cualquier persona puede ser parte de una obra artística.

Escultura contemporánea, proceso de trabajo. Redes.

Desde su estructura objetual y procesual multidimensional, “Redes” tal vez sea la metáfora perfecta de la interconexión virtual y real entre todos los seres humanos del planeta. Un ejemplo paradigmático de arte social que da cuenta de una polifonía multicultural reivindicatoria del poder de las redes sociales, del arte correo y del arte conceptual, dado que el empoderamiento de la sociedad se pone de manifiesto a través de las servilletas enviadas que proporcionan el contenido de la obra.

Según Juan Martín Prada, el arte contemporáneo reflexiona sobre el mundo que habitamos, poetiza sobre sus vacíos, exclusiones y contradicciones y promueve otras formas de alteridad. Tal es el caso de “Redes” de Augusto Moreno, una obra realizada como un acto de resistencia democrático que supo fomentar el empoderamiento ciudadano internacional frente a las restricciones de la globalización económica, cultural y financiera.

                                                                                                                                                             María Gabriela Figueroa

                                                                                                                                                           Lic. y Prof. en Artes ( U.B.A.)

Escultura Contemporánea: Sobre Redes.

Cartel de la Exposición sobre el Proyecto Redes.

Con este Post quiero hacer un pequeño homenaje a Juanje Molina, él ha diseñado el Cartel de la exposición de Redes. Sinceramente creo que su diseño representa muy acertadamente el significado y el concepto del Proyecto.

Con una elegante y sencilla estética ha sabido captar la esencia, la profundidad del proceso y unos contenidos que se sugieren, dando al espectador la posibilidad de imaginar y creándole la necesidad de saber más sobre lo que encierra Redes. Dejar la puerta entreabierta, forzar la curiosidad al umbral, para finalmente descubrir como si de una revelación se tratase, el vertiginoso hallazgo.

 

 

cARTEL REALIZADO POR jUANJE mOLINA, QUIEN ADEMÁS COLABORA EN EL pROYECTO

 

Una imagen vale más que mil palabras.

Cuando algo está bien realizado, cuando hay Arte detrás de un mensaje, el resultado transmite, llega.

Mi propuesta consiste simplemente en que analizéis y saquéis los mensajes contenidos en el Cartel.

Gracias Juanje …

Escultura Contemporánea: Ensayo sobre Redes, un arte de todos.

Redes,… Un Arte de Todos.

Vivimos en un mundo globalizado, donde la sobreinformación, o el síndrome de la fatiga informativa, está a la orden del día. Nuestra facultad mental e intelectual no es capaz de asimilar tanta información. Nos vemos envueltos por una desbordante cantidad de testimonios que no podemos engullir. Lo ciero es que más del 90% de esas declaraciones no nos lleva a ninguna parte. Ésto provoca una pérdida importante de noticias  verdaderamente trascendentes y que sí deberíamos conocer. Es difícil tener un criterio propio, pues los medios de comunicación se encargan muy audazmente de lavarnos el cerebro. Hay que estar alerta, en continuo cuestionamiento y redifiniendo los conceptos e ideas que ya dábamos por buenas.

A veces tenemos la suerte de cruzarnos con un buen artículo, con una noticia que nos deja huella, con un libro que nos reactiva las neuronas, incluso con una interesante conversación. No Estamos Solos, del Gran Wyoming, es un libro que por suerte ha caído en mis manos, un retrato de gente que está cambiando este País. Sinceramente os lo recomiendo, pues merece la pena, casi de manera obligada, conocer gente que de forma desinteresada, poniendo su trabajo, esfuerzo, dedicación y su tiempo, lucha por un futuro mejor, el suyo, el nuestro y el de nuestros hij@s. Sí se puede, es cuentión de proponérselo y de trabajarlo a pie de calle.

Leyendo a Juan Diego Botto, Cuando el Teatro es un Parlamento, me encontré con esto:

El teatro Social es el Teatro que habla de lo que nos pasa. Abrir la puertas del teatro a la calle. Lorca decía que un teatro que no recoge el espíritu de su tiempo, con risa o con llanto, no tiene derecho a llamarse teatro, sino sala de juegos.

Estas palabras de Lorca, recogidas por Juan Diego, me hicieron reflexionar sobre nuestro Proyecto Artístico, Redes. Sin duda eso hacemos entre todos, contar a través del Arte lo que acontece a nuestro alrededor, en la universalidad de la sociedad, bien contaminada por la Globalización. Pero creo que llegamos más lejos aún, no es el artista el que de manera individual expresa lo que sucede, es directamente la sociedad la que se empodera del Arte y cuenta lo que siente, lo que piensa y lo que le pasa. Sin duda creo que el arte, en estos momentos, debe dar paso a la sociedad, no para que realice una estética, sino para que carge de contenidos la expresión artística.

Vivimos momentos difíciles, no ya por la crisis, que también, sino por el ahogo y la presión que ejercen unos pocos hacia la mayoría. Antes los países pobres quedaban lejos. Hoy vemos con tristeza, como el nuestro se está convirtiendo en uno de esos paises pobres. Incluso con trabajo se puede ser pobre, no llegar a fin de mes, sin algún tipo de ayuda. Lo peor creo yo es ser conscientes de ello, pues no se ama lo que no se conoce y ¡ nosotros lo conocemos ! Con unas altas hipotecas y con unos bajísimos salarios, es obvio que  tenemos la soga en el cuello, los que creen, posiblemente esperen un milagro, pero los que no creemos, uff!!

La injusticia social: Violencia, Desahucio, Hipotecas, bajos sueldos, Educación, Sanidad, Pensiones… y un sin fin…, pensábamos que lo teníamos garantizado, que la democracia no se atrevería a tocar. Pues vaya sorpresa y vaya chasco. Tomar la calle, politizarnos, parece ser la opción que nos queda. La gente está tomando conciencia sobre ésto. O cambiamos nuestra actitud ante la política, o la política acabará con nosotros. La honestidad, el amor al trabajo, la dignidad, el individuo, ¿ Dónde queda ésto ? El Fraude, el Robo, el Engaño, el Desfalco, la Banca… éstos son los políticos que queremos nos representen, ponernos en sus manos, con la posibilidad, cada 4 años de elegir a otro.

Este vídeo es un claro ejemplo de lo que sucede en nuestro país a diario.

El Arte no puede permanecer impasivo ante éste u otros casos que se dan todos los días en el mundo entero. Un Arte de protesta, un Arte reivindicativo, un Arte de denuncia social. Un Arte Político. El artista hoy puede estar pintando paisajitos, puede estar haciendo figuritas… que bonito, pero me parece que no vive en la realidad, ¡que poco ! le importa lo que pasa en la sociedad en la que vive. Seamos serios y coherentes, ¿ Cómo no va a estar el arte implicado y además de manera activa con la Sociedad en la que habita?

Además creo que incoscientemente, eso es lo que espera la sociedad del Arte. La Sociedad no lo dice, pero de alguna manera quiere que se le escuche, que se le preste la atención y la importancia que en justicia necesitan y merecen.

La Sociedad somos todos y todas, el Arte también es sociedad, no está al margen, aunque algunos lo piensen.

He de decir en justicia, cómo y cuánto me ha abierto los ojos trabajar con redes sociales. Sé, como es lógico lo que pasa a mi alrededor, yo mismo lo sufro en mis carnes. Sin embargo, no podía imaginar que ésto que nos pasa a nosotros en nuestro país, fuese la tónica general de casi la totalidad del globo, ¡ joder con la globalización ! Las protestas y las reivindicaciones son muy parecidas, por no decir las mismas en España que en el resto de paises. Así es como se expresa la sociedad internacional en sus intervenciones y mensajes en las Servilletas, Objeto como vehículo para hacer Arte en el Proyecto REDES.

Redes, quiere sugerir, abrir debate y crear conciencia. Es evidente que no es una Obra al uso, busca otros horizontes y de esta forma tiene una estética diferente. Igual que sus contenidos sociales, expresan libremente su sentir, manifiestan sus inquietudes y anhelos, sus ilusiones, sus frustaciones…

Escultura Contemporánea: Arte Público y Espacio Público.

Arte Público y Espacio  Público

                                                                                    INTERFERENCIAS EN CIUDADES AJENAS – ABRIENDO LA BRECHA    

Foto para la web sobre espacio público

Foto by Anna María Cherubini

 

Me siento ciertamente contrariada, arte público y espacio público conviven en una irrealidad que no responde a lo que como ciudadanos entendemos por tales conceptos. Espacio público desde un punto de vista idílico, es una dimensión social específica, un lugar de debate, donde la ciudadanía desarrolla y ejerce su voluntad política, como señala el filósofo, Jürgen Habermas. Y es idílico porque hoy no es viable desarrollarse libre y críticamente en el espacio público, en nuestra “democracia” estamos sometidos a la despolitización ciudadana y una burocratización social creciente. Si Arte público es todo aquel que se desarrolla en lugares de acceso público, aunque Ramón Parramon lo tilda de categoría obsoleta pues “todo arte es público”, el arte público está ligado a factores ideológicos, a la ciudad como un entramado complejo y a un contexto sociopolítico concreto. Asimilar su comprensión de manera significativa se hace una tarea ardua, un proceso lento de interiorizar en que las administraciones no se han tomado el mínimo esfuerzo, ¿Por qué? Entiendo, no interesa transgredir el espacio reglado, el procedimiento pactado desde dentro. Esta confusión terminológica me recuerda que el arte es un servicio público además de un objeto de colección, museístico u otro modelo de consumo elitista al servicio del mercado, los estados deben asumir dicha responsabilidad y dar respuesta clara y precisa, estableciendo políticas culturales duraderas y coherentes para con sus ciudadanos.

Vivimos en ciudades genéricas, espacios sin identidad propia vinculados a continuos procesos de zafia modernización. El movimiento moderno, la maquinaria de la arquitectura alimenticia ha obviado el espacio público, lo ha reducido a lugares homogéneos y deshumanizados, con la consecuente pérdida de calidad de vida ciudadana. Un recorrido histórico desde el referente americano en torno al arte público en el texto de Gómez Aguilera es clarificador, pero es sobre todo revelador de la situación estancada en este país, obcecados en el arte de rotonda y no muy alejados de la plop sculpture –modelo del 1%- .

Haciendo retrospectiva, EEUU inicia un cambio de rumbo a partir de los 60 planteando progresivamente cuestiones que van más allá de la tradición academicista o la mera decoración exterior. El land art, los earth works expanden la producción artística a otros territorios que dialogan con la naturaleza y cuestionan el mercantilismo del arte. Otro avance son las esculturas públicas donde el espacio se redefine y las obras se abren al entorno y dialogan con él  –The Picasso, Flamingo o Batcolumn-. Con el Site specific, dan cuenta de la preocupación y el cuidado del espacio destinado a la obra, algo que aquí aún soñamos. La aparición de la National Endowment for the Art (NEA) tiene mucho que decir, adaptándose a los nuevos enfoques, evolucionando y posicionándose conforme a los nuevos retos sociales. Es definitorio el planeamiento participativo, argumentado en procesos de interacción y comunicación a partir de la percepción moral y la experiencia estética para romper el dominio unidireccional. Posteriormente el reconocimiento de la naturaleza política del espacio público, asume que el arte público puede proyectarse críticamente sobre el territorio. Ya no basta con producir arte público en contexto, el lugar contiene al público que es “contenido” humano y lo público como Institución no da respuesta ni escucha los intereses de la comunidad, así el emplazamiento es desplazado por el new genre public art, nuevo género de arte público o arte público crítico. Un arte de su tiempo, comprometido con el lugar en que se produce, sus particularidades, su dimensión social, económica y política y una transformación del papel del artista como agente aislado, que supera la concepción tradicional, desmitificando el culto al creador. Son ejemplos de trabajo en esta línea, Susan Lacy, Guerrilla Girls, Group Material,… caracterizando su producción artística en base al público, la implicación social y el trabajo con la comunidad.

Traspasar el arte de concepto hacia un arte de contexto, es avanzar y reconocer la densidad formal de toda obra pero también su dimensión social y relacional, propiedades inherentes del arte que nos interesa. El arte público ha de implicarse necesariamente en una discusión política para desarrollar sus producciones artísticas, conquistar el espacio público, formar parte y participar de y en él. Armajani subraya el valor del “arte como mediación” y la no existencia de  modelos para el arte en los espacios públicos, indicativo de la necesidad de tomar conciencia para crear un nuevo espacio público.

Afortunadamente hay focos de luz, voces críticas que intentan visibilizar, señalar conflictos, surgen nuevos enfoques fortalecidos por los movimientos anti-sistema que hoy debido a la situación de crisis generalizada cobran más fuerza  y comienzan a engullir un modelo hegemónico y universal de ordenación del territorio. Como suscribe Martí Peran, en las periferias surgen centros que se han multiplicado, otros espacios puntualmente liberados de la lógica productiva, ensayando nuevas maneras de estar juntos, en una esfera pública plural.

Marta Herrán Alonso.

Escultura Contemporánea: Arte y Realidad

Redes: Ciencia, Tecnología, Arte…

Me encontraba navegando por Internet, visitando vídeos de Daiel Canogar, un Artista interesante y con un discurso sincero y profundo. Por casualidad topé con los Premios Vida que otorga la Fundación Telefónica, pues Canogar ha sido jurado en estos premios. Arte, Ciencia y Tecnología se dan la mano para la realización de Proyectos innovadores, basados en la investigación artística de la vida artificial y fomentar productos en ese área.

El ARTE, ha tomado caminos insospechados en este mundo de la cretividad. El trabajo en equipo en el universo del desarrollo cultural y artístico es cada vez más evidente y necesario. La individualidad del Artista se podría decir queda obsoleta. El Arte, el artista ha cambiado su discurso, su forma de hacer, de acercarse al conocimiento de la percepción, del hombre como individuo. 

En los premios Vida, los proyectos presentados tienen un caracter científico donde el Arte tiene su espacio propio y compartido. Mientras me empapaba sobre la presentación, función, contenidos y pretensiones de los premios, caí en la cuenta de como nuestro Proyecto Redes, de otra manera distinta, contiene ciertas similitudes con esta nueva forma de entender el Arte.

Es innegable el uso que hacemos de las nuevas tecnologías para la elaboración y realización del Proyecto Redes. En otros post he hablado de la cuarta dimensión en el Proyecto,  que se encuentra en un espacio imperceptible para los sentidos, pero real por las conclusiones que obtenemos a través de ella. Internet es una herramienta básica y casi universalmente conocida. Sería impensable para nuestra cultura su desaparición a día de hoy. Es evidente que no hablamos de última generación, sin embargo si de su importancia y vigencia. En el proceso de difusión y gestión del Proyecto, las redes sociales son la herramienta utilizada para la elaboración de la Obra.

La tecnología y por deducción la ciencia son aliadas en el desarrollo de la Obra Artística.

captura de pantalla sobre el Proyecto Escultórico Redes

captura de pantalla sobre el Proyecto Escultórico Redes

Os pongo esta captura de pantalla como ejemplo del proceso a través de redes sociales en el desarrollo del Proyecto.

Hoy, estamos inmersos e interconectados por medio de las redes sociales, en cuestión de segundos sabemos lo que ocurre al otro lado del planeta. El sentido de tiempo y espacio a cambiado en nuestra percepción del mundo. Es innegable de qué manera y cómo nos ha cambiado la vida con el fenómeno redes. Incluso el soporte papel se ve fuertemente afectado, no digo que desaparezaca por completo, sin embargo, podemos hablar de una fuerte caída en la edición de libros, incluso los priódicos en papel se ven tocados por la cada vez más en auge soporte digital.

 Resulta sorprendente la agilidad con la que puedo comunicarme  y a la cantidad de gente que llego a través de estos medios sin salir de mi estudio, en cualquier parte del planeta.

Redes es un Proyecto que ve la luz, gracias a la colaboración de la Sociedad internacional, sin ella no existiría Proyecto ni Obra Artística. Obvia decir en consecuencia, la importancia de las nuevas tecnologías en el desarrollo y buen funcionamiento de Redes.

De otra parte existe una significación científica e investigadora en el Proyecto. El sentido de propuesta lanzado en las redes sociales, equivaldría a proponer una tesis. Dicha tesis ( teoría ) tendría un trabajo de investigación y desarrollo, con las intervenciones en las Servilletas, podríamos hablar de unas conclusiones a las que l@s diferentes participantes han llegado después de interpretar dicha tesis. Con esas intervenciones yo elaboro una Obra de Arte, una Instalación Escultórica, la cual, reuniendo todas las conclusiones individuales, conformo una única Intervención, compuesta de una  multitud de intervenciones.  Esta última intervención, la que realizo con todas las intervenciones de l@s colaboradores, tienen otras conclusiones ciertamente. En todo ese proceso ocurren cosas y estas cosas influyen en el resultado final. La instalación Escultórica, entre otros muchos  fenómenos, puede estar sujeta a estudios con caracter científico, como por ejemplo; como reacciona la sociedad ante un mismo estímulo, es decir, ante una misma propuesta. Diré que aún habiendo enviado la misma invitación a tod@s l@s participantes- colaboradores, la respuesta ha sido muy heterogénea. Intervenciones en las Servilletas: Propuestas plásticas personales, propuestas con caracter político, reivindicativas, religiosas, filosóficas, científicas, especulativas, positivas, negativas, problemática social, problemática de la educación…

No quiero aquí dar una disertación científica, pues ni estoy capacitado, ni por supuesto es mi intención. Sí quiero señalar como Redes es una propuesta evidentemente compleja y se vale de la ciencia y la tecnología para hacer un Arte y no un Arte a secas, sino un Arte Social. El empoderamiento de la Sociedad en el Objeto Artístico.

Arturo Martos: personalmente creo que las servilletas son la red social más antigua. Esta opinión fue hecha por un colaborador del Proyecto Artístico, The First Thought, que estamos desarrollando en estos momentos.  Le doy toda la razón a Arturo, pienso igual que él. El juego en redes sociales, desde lo más arcaico a lo más actual. Redes juega con el tiempo, tanto real como simbólico. Rescatar el Objeto Servilleta, un objeto aparentemente sin valor alguno, un objeto industrial y con una función específica, sin embargo Redes libera este Objeto para simbolizarlo y crearle un nuevo significado, un nuevo valor y una nueva función. Una nueva mirada y una percepción diferente, eso es lo que conseguimos con la elección de este objeto, la servilleta de papel. Este Objeto universal, fácil de obtener y de manipular.

La sociedad se expresa libremente, sin ataduras, ni complejos. Esa libertad y el ser dueño de uno mismo a la hora de expresarse, Redes lo recoge tal cual, no soy juez. Tal como llegan los mensajes, son expuestos en la Obra, no hay elección alguna, todos y cada uno de los mensajes recibidos aparecen en la Instalación.

Estamos sometidos a los grandes poderes económicos, políticos y sociales, el Arte tiene entre otras cosas la misión de enfrentarse de cara contra ellos, por lo menos como escenario reivindicativo y de pensamiento. Redes representa un sentir social, el empoderamiento de la Obra Artística hace posible esa reivindicación social y política a través del Arte. No es un Arte sólo para mirar, es un Arte para la reflexión, la meditación y el debate. Un arte para leer, un Arte para la solidaridad, un Arte para la comprensión, un Arte para aprender, un Arte para percibir… un Arte para el diálogo y el debate. Y todos ellos con una estética para disfrutarla.

Escultura contemporánea, proceso de trabajo

Escultura contemporánea, proceso de trabajo. Redes.

 

 

Escultura Contemporánea: El empoderamiento en la Obra de Arte.

El empoderamiento en el Proyecto Redes.

El artista trabaja para expresar lo que su ego quiere vomitar. El Arte, ese ente mágico y perturbado por un halo místico a lo largo de su extensa y variopinta historia. El Arte ha ido cobrando fuerza y magnificencia. No cabe duda de como el mundo le rinde CULTO, construye grandilocuentes y espectaculares edificios para albergar a tan Magnas Obras de Arte. Sinceramente se nos va de las manos.

No quiero aquí ridiculizar al Arte y a los Artistas, nada más lejos de mi intención, yo me considero uno de ellos. El problema no es el Arte o los Artistas, por lo menos… en la mayoría de los casos. El Arte y los Artistas se han transformado en mercancía, en objetos preciosos de incalculable valor. Y como toda mercancía que se precie, se le ha de sacar el máxio valor de mercado, algo parecido a la bolsa, pero con un discurso bien distinto. Hasta tal punto que no hay problema en sobrevalorar un ARTE concreto, siempre y cuando alcance valores desorbitados de mercado. Llegados a este extremo, existe todo un entramado y laberíntico negocio cuyos jugadores y directores de orquesta no pienso entrar a valorar, pues entre otras cosas me falta conocimiento para ello.

No hace falta ser un lince para percatarse de lo dicho anteriormente, sólo hace falta amar el Arte, sentirlo y entregarte a él, para darse cuenta que dos mas dos no siempre suman cuatro.

Nos encontramos realizando un Proyecto Artístico; REDES, todo un complejo y laborioso Proyecto donde una de sus más importantes aportaciones es dar voz a la Sociedad a través del Arte. En este caso el artista no vomita lo que su ego quiere, es la sociedad la que se apodera de la Obra de Arte para expresarse. ¿ Qué ha ocurrido aquí ?… Sencillamente hemos abiero y dado paso a la sociedad al ARTE. No nos equivoquemos, el público es también artista. ¿ Es el Arte de unos pocos ?, ¿ No se habla de la Universalidad del Arte ? universo engloba todo y todos, somos todos, no sólo unos pocos.

Sería maravilloso que la Sociedad se interesara por el Arte, ¿ Cierto ?, pues lo que hay que hacer es bien sencillo, hagámosla partícipe, impliquémosla y seguro renacerá su interés.

Escultura Contemporánea, trabajando con las Servilletas

Si la Educación se preocupa por la Cultura  tendremos una Sociedad involucrada y dispuesta. Si el Arte involucra a la Sociedad, tendremos un Arte de todos y para todos.

En REDES podemos ver ese claro ejemplo, el empoderamiento de la Obra de Arte por la Sociedad. Llevamos más de cinco meses trabajando en este Proyecto y hemos podido estudiar, analizar, investigar… que ocurre cuando el artista deja que sea la sociedad la que se apodere de la Obra de Arte. Podemos decir, no sólo por la experiencia de este Proyecto, sino también por la experiencia de otros tantos que hemos realizado con diferentes ÁMBITOS SOCIALES, la ilusión con que la sociedad colabora y se empodera de la Obra Artística.

El Arte es reflejo de la Sociedad y el momento en el que habita, vivimos momentos difíciles, no creo que más que otros, sólo diferentes. El Artista ha de tomar conciencia de estos momentos de cambio, de estos momentos de crisis, no ya económica, existencial, donde la globalización nos ahoga y nos acerca hacia el precipicio. La Sociedad viene empujando fuerte, no basta con escucharla, hay que dejarla ser parte, dejarla expresarse, por consiguiente debe estar presente y ser protagonista del Objeto Artístico. El artista debe ser arquitecto  que construye lo que la sociedad demanda.

La individualidad hoy está obsoleta, no puede el Arte ir por detrás de una Sociedad que se mueve con rapidez, que evoluciona por momentos y demanda con voracidad. No tiene sentido, ni estético, ni conceptual un Arte individualista que no es sensible a su momento, que es ajeno a su alrededor. Proclamo el empoderamiento social del Arte.  Esto no quiere decir, que se pueda omitir la figura del artista en el Arte, todo lo contrario. Hoy el artista es sumamente necesario, pues la sociedad precisa esta figura que es quien inicia y plantea, que negocia y gestiona, que analiza y promueve debate, ese debate a través de la percepción, otra manera de entender y conocer el mundo. El Arte, los artistas son creadores de grandes interrogantes.

Lo que ocurre es que el Artista ha evolucionado hacia otros parámetros, han cambiado sus funciones y su manera de hacer y entender el Arte.

En REDES, están claras mis funciones y el sentido que como artista desempeño en el Proyecto. No existiría el Proyecto sin la Sociedad, al igual que no cobraría vida el Proyecto sin mi figura, nos encontramos ante una simbiosis del Arte, de una unión indivisible e inseparable, un órgano que funciona como un todo. Esa es la grandeza del empoderamiento. El Artista se traza un discurso plástico, una Obra Estética con unos contenidos y conceptos sociales, es la sociedad la que se expresa a través del Objeto Artístico que el Artista realiza.

Escultura Contemporánea: Ensayo sobre Redes

Cuestiones y discurso sobre el Proyecto-Escultura Redes.

Con este Post trataré de introducirme en los aspectos formales y sintácticos sobre la Obra Redes, de tal menera que desenmascare o almenos lo intentaré en la medida de lo posible, parte de su entramado y significado. Como he dicho en post anteriores a éste, la Obra Escultórica es sólo la punta del Iceberg de todo un proceso que se desarrolla en el Proyecto. La pieza artística es la presecia física de todo lo acontecido en ese proceso. No cabe duda que toma forma de Obra de Arte, con una clara intención y unas peculiaridades que la hacen única y singular. Aquí analizaré exclusivamente la Instalación Escultórica, pues considero que encierra Todo, refiriéndome al Proyecto.

Nos encontramos en presencia de Redes, una Escultura que en principio desconcierta, despista, nos inquieta… con unas dimensiones considerables, aproximadamente 230 x 350 x 450 cm, para poder abarcarla necesita cierta superficie. Su aspecto, aparentemente no nos resulta familiar, no nos recuerda a nada, de ahí ese desconcierto. El ser humano por naturaleza necesita entender y comprender lo que ve, lo que mira, si no es así en seguida trata de establecer paralelismos, relaciones… ésto me recuerda a… se parece a… y ese intentar comprender lo que tiene delante, aviva su curiosidad. Con esto se consigue una llamada de atención en el espectador, cosa necesaria para adentrarse en el universo que entraña la Pieza. Se produce un primer impacto visual que de entrada es confuso, a la vez que un iman inexistente atrae hacia la Escultura.

Escultura Contemporánea, Proceso de trabajo

Escultura Contemporánea, Proceso de trabajo

Su construcción, un entramado de redes metálicas elaborada con varilla de acero calibrado, con una disposición en triangulaciones y figuras asimétricas pero que de alguna manera nos recuerda a cierta estructura,  albergan, a simple vista, papeles intervenidos que fluctúan en el espacio. Con una mirada más profunda, nos percatamos  de los trabajos que contienen los papeles y de que éstos son servilletas de papel con dibujos, pinturas y multitud de escritos. Poco a poco vamos descifrando lo que en principio nos resultó incomprensible. Es cierto, nos encontramos ante una Pieza muy compleja, no sólo formalmente, sino por su significado dentro y fuera de la misma. Una Obra de Arte se enfrenta a problemas que de alguna manera trata de decodificar, además de plantearlos propiamente y sugerir alternativas, crear otras maneras y fuentes de entendimiento. En definitiva abrir un debate, un diálogo, entre Obra y espectador. Con esta Pieza sucede ésto, el espectador se pregunta; qué ocurre, qué significa y de què habla, cuál es su discurso, qué pretende… y mientras se pregunta, va analizando, va descubriendo que las obras dentro de la Obra, responden a muy diversos autores. Las pinturas, los dibujos, los escritos, están elaborados por artistas diferentes, distitos estilos, distintos formatos, distintos discursos, distintos lenguajes… ¿ Qué hacen tantos artistas y obras diferentes, dentro de una Escultura? En la pregunta puede hayar respuesta, es sólo cuestión de seguir analizando. Con respecto a ésto en concreto, nos puede parecer una Obra Surrealista, pues nos encontramos delante de una gran Escultura que en si misma ecierra mensajes dispares y hasta contradictorios, cierto. Sin embargo, la Escultura es un todo y en ese sentido tiene su significado, independientemente de los significados individuales que posee, propios de cada artista que colabora. Lo que hace la Obra es dar paso a la sociedad para que se apodere de su contenido y ésta a su vez los reune a todos, como una madre que ama a sus hijos, con un único propósito. Es decir, la lectura de la obras dentro de la Obra y la Obra que contiene las obras. Redes funciona como un todo con multitud de discursos.  Se produce una metáfora con Internet, redes sociales, donde este medio contiene infinitas áreas, discursos, dominios. Es por eso que en la Escultura, cada artista que colabora tiene un aforo propio, aludiendo a los dominios de ese cosmos interactivo.

En lo formal, la estrucutra responde a una interpretación que se hace en relación a las telas de araña que atrapan los contenidos e información en Internet. La Pieza construida como una estructura a modo de entramado, cual tela de araña, atrapa o más bien, da cobijo a las Servilletas cargadas de mensajes.

Una Escultura con marcado caracter social, donde sus contenidos no los expone el artista, es decir, no existe una individualidad en su mensaje sino que al ser la socieadad la que se adueña del Objeto Artístico, es la sociedad quien se expresa a través de la Obra. El artista funciona como instrumento de unión, como arquitecto constructor de un espacio,recolectando primero los mensajes y estructurándolos después. 

Escultura contemporánea, proceso de trabajo

Escultura contemporánea, proceso de trabajo. Redes.

Presenciamos un doble juego; un juego estético, donde la percepción visual que tenemos al contemplar la Obra, es frágil e inestable, sin embargo su realidad física es otra bien distinta, fuerte y definitiva, se produce un esparcimiento de contrarios, del cual tomamos conciencia al tocar y sentir la Escultura, al hacerlo quedamos nuevamente sorprendidos. Por otro lado en la percepción no visual, es decir, en la que sentimos pero no vemos de manera física, se produce ese diálogo, primero con las obras contenidas en la Obra, como se relacionan entre sí, ¿ qué ocurre ?, luego, como interactuan con el público, ¿ qué sucede ? En el primer caso ya lo hemos comprobado en Proyectos anteriores y sabemos que funciona así ese juego de contrarios. En el segundo, me impaciento por saber que pasará, hayaremos respuesta el día de su presentación, ¡ya veremos la reacción del espectador !

Otra cuestión es la transformación de los trabajos realizados por los participantes que son bidimensionales, pasan a ser tridimensionales en la Instalación Escultórica. Es decir, se convierten en Escultura. En objetos exentos con volumen y con una sombra proyectada que evidencian su cualidad tridimensional. Esta metamorfosis tiene una clara intención, dar consistencia y contundencia a los Mensajes, podría decir… hacerles más protagonistas e individualizarlos, sacarlos a la palestra, evidenciarlos… en definitiva acentuar su realidad física y su mensaje. Estas esculturas se mueven en una rígida y caótica estructura, como dije anteriormente, haciendo alusión a las redes sociales... el dejar ver el material por el cual ha sido elaborada, barra de acero, no es casual, hay un claro deseo de velar el proceso de realización, su soldadura vista, tal como quedó, sin repasar. Es importante su presencia, pues ayuda al movimiento de los mensajes, nos hace comprender como pululan por el espacio, sin tapujos ni trampas, todo transparente y evidente. El sustento de los mensajes, la estrustura, las redes, acotan un espacio por donde se mueven las Servilletas, de ahí su cierto protagonismo en la pieza. Insinuan los senderos por donde pueden moverse los mensajes, crean cierto juego y su entramado nos sugiere un cosmos en si misma, fuera de ahí, ¡ la nada !. El tono del acero clarea, se vuelve blanco conforme se acerca a la Servilleta, amortigua y le da cierta atmósfera. Ésto es producto del proceso técnico a la hora de pintar la chapa, pero lo aprovecho y se hace tangible la transparencia del proceso que busco. Una Obra real y sin tapujos, igual que los mensajes que la sociedad interviene en el papel.

Escultura contemporánea, proceso de trabajo. Redes.

No estamos en presencia de una Obra cerrada, todo lo contrario, abierta y dispuesta al debate. Los contenidos de la Obra implícitos y explícitos, invitan al espectador a interactuar con el Objeto Artístico, de manera que de sujeto pasivo pasa a ser  sujeto activo. Redes no es una escultura exclusivamente formal, tras ella hay todo un universo de preguntas, la huella de una sociedad inconformista que se expresa libremente, se manifiesta a través de una forma Escultórica para comunicar y hacerse sentir. Es una Escultura con acento político y reivindicativo en el que la sociedad se apoya para tomar un impulso desde el Arte.

 

Escultura Contemporánea:DESIDIA INSTITUCIONAL, MUSEOS EN EL OLVIDO O 10 AÑOS DE NADA

DESIDIA INSTITUCIONAL, MUSEOS EN EL OLVIDO O 10 AÑOS DE NADA

Un concurso de ideas en 2005 alumbra tras una década, otro museo vacío

Foto DeL Espacio Andaluz  De Creación Contemporánea  De Córdoba

Foto DeL Espacio Andaluz De Creación Contemporánea De Córdoba

Espacio Andaluz de Creación Contemporánea. Foto Fernando Alda ©

Centro de creación contemporánea de Córdoba, Espacio Andaluz de creación contemporánea o C4. Su denominación ha cambiado en tres ocasiones en estos casi       10 años. La administración pública pone el acento en el término, en las declaraciones de prensa, creen que las palabras determinan su misión y posición pero no, son palabras-fachada que venden humo. Solo es eso, ruido y titulares. Palabras vacías, que dejan otro museo a la deriva, otro cadáver arquitectónico aparcado al margen del Guadalquivir.

Y es que el proyecto del C4 nació para apoyar la candidatura de Córdoba a Capital Europea de la Cultura en 2016 y ahí empieza su declive, en el momento en que algún iluminado parió la idea, sin proyecto definido. Nunca fue pensado como espacio para la promoción de las prácticas artísticas contemporáneas, sino como propuesta para ganar una candidatura. Debido a esta indefinición y falta de rumbo, “el proyecto” ha ido pasado por distintos estadios: de proyecto local a proyecto autonómico con miras internacionales, a que la colección Circa XXI de Pilar Citoler haya huido del hastío administrativo a otros territorios y de concebirse como espacio de investigación artística al anuncio del Consejero de impartir cursos de cocina. Auténtica improvisación sin planes de actividad, que se lleva la friolera de casi 30 millones de euros de inversión.

Ahora prisas por abrir en 2015. La Junta publica en su Boletín la licitación del servicio de “Asesoramiento Artístico para la puesta en marcha y funcionamiento del Centro de Creación Contemporánea de Andalucía” ¿Externalizar la gestión y dirección del centro o controlar todo desde la misma Junta? Las reiteradas propuestas de diálogo del sector del arte contemporáneo para definir el proyecto desde el inicio de este culebrón, han sido en vano y lamentan que la convocatoria se haga sin atender al Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte, vigente desde 2007. El último descaro de la Consejería comunicando públicamente el comité asesor que resolverá la dirección del centro sin haberlo trasladado previamente a los implicados, es vergonzoso.

Con planificación, racionalidad inversora, transparencia, participación y buenas prácticas es viable rentabilizar socialmente la potente inversión realizada. Sentarse y escuchar, está por ver.

Escultura Contemporánea: ” Redes” La Cuarta Dimensión.

Proyecto Redes, Sobre la Cuarta Dimensión.

Todo empezó un 25 de Mayo del 2013, era tarde y nos encontrábamos en un Bar, mi amigo Joaquín y yo. Uno de esos momentos claves en mi vida, un acontecimiento que cambiaría el rumbo y mi proyección como persona y como artista. Me había marchado de la empresa de arte en la que estaba contratado como maestro taller, una empresa de Escultura, empresa familiar. Sentía una imperiosa necesidad por crear un lenguaje nuevo, un discurso plástico propio y que nada tuviera que ver con lo realizado hasta entonces.

La marcha de Casa Taller Miguel Moreno, así se llama la empresa, provocó no sólo una ruptura profesional, sino también familiar. Había dedicado 30 años de mi vida a este taller.

La realización de Obra Pública, escultura, orfebrería y pintura, con un marcado corte tradicional era a lo que había dedicado mi tiempo hasta ese momento. En tantos años, como podéis imaginar, había tenido ocasión de conocer a muchos artistas  y a  todos los procesos escultóricos propios del medio en el que me movía.

En ese Bar y con mi amigo Joaquín, sabedor de lo acontecido, entablamos una conversación, pues él conocía mi trayectoria desde la niñez. Una cosa llevó a la otra y él, también escultor, no se resistió, surgiendo un debate sobre mi discurso plástico. Fue entonces cuando me percaté de la individualidad del artista. Tomé conciencia de como había entendido el arte hasta entonces, no porque tuviese una visión en aquel preciso instante, lógicamente, eso estaba ahí, en una parte dormida de mi mente. Siempre entendí el Arte como una manera de expresarme, bajo mi percepción de las cosas y la humanidad, es decir, bajo una individualidad propia.

Escultura Contemporánea. Fumando en el taller

Escultura Contemporánea. Fumando en el taller

 El Arte debe hablar del momento que le ha tocado vivir, el Arte es uno con su tiempo. Quizás abrumado y desconsolado por el egocentrismo y la egolatría de artistas que no hacían más que mirarse el ombligo, creyéndose únicos y semidioses.

En aquel Bar, durante la charla, Joaquín mencionó la palabra servilleta. No recuerdo exactamente en qué momento y el por qué, esa palabra se me antojó como Objeto. A raiz de entonces, fue madurando una idea. El Artista debe ser un instrumento, debe estar con la Sociedad para hacer Arte, debe acercar el Arte a esta Sociedad, debe serle útil, no acosta de ella, sino con ella. Ese Objeto, La Servilleta, se me ocurrió que podía ser el medio y vehículo para elaborar ese nuevo discurso que andaba buscando.

Una Servilleta de Bar, todos la conocen, no vale nada y disponer de ella es muy fácil, todo el mundo puede conseguirla. Consideré que sería un objeto perfecto, un instrumento ideal para hacer Arte.

Así fue como empezó el Proyecto que hoy venimos desarrollando Marta y yo.  Primero contamos con amigos, con gente que íbamos conociendo, invitándoles a intervenir las servilletas de manera libre y espontánea. En principio lo llamamos, ” Poética de una Servilleta”. Hoy se denomina, Gracias Por Su Visita, haciendo alusión a la frase mítica que suele aparecer en ella. Tiene ese doble juego, gracias por su visita, ¡ gracias por intervenirme!, en relación al que colabora con el Proyecto y gracias por su visita, ¡ gracias por observarme!, en alusión al espectador que contempla la Obra.

Como todo gran Proyecto, se sabe como comienza, pero nada sabemos hacia  donde nos lleva.

Escultura Contemporánea: Proyecto Artístico Redes

Escultura Contemporánea: Proyecto Artístico Redes

De esta manera, dando voz a la sociedad a través del Arte, el comienzo con amigos, se fue transformando en Ámbitos Sociales y empezamos a trabajar con colectivos, Educación, Violencia de Género… Hoy nos ocupa un Proyecto, Redes, en él nos hemos encontrado con una cuarta dimensión que en principio intuia, pero que en el proceso se ha revelado.

En otras ocasiones he hablado sobre la intuición y de como yo funciono con ella. Es importante saber escucharla, dejarse llevar por ella, pues siempre te descubre nuevos horizontes y te da claves sobre los propósitos que persigue tu inconsciente.  En el Arte contemporáneo, hoy quizás más que nunca, esta intuición es una herramienta muy a tener en cuenta. En otras épocas del Arte, la técnica como medio era una cuestión insustituible para la elaboración de un discurso artístico. El Arte de hoy tiene otros derroteros, por ejemplo,  “el proceso “ en la realización de una Obra sustituye a mi parecer, a la técnica del pasado en un  discurso artístico. Pensad que hoy en Arte se usan infinitos procedimientos y materiales, ( procesos ) para elaborar una Pieza artística. Es en este proceso cuando tengo que estar muy alerta para escuchar a la intuición y sacarle el mayor partido posible. En la Obra Redes, como decía antes, la intición me señaló esa cuarta dimensión y fue en el proceso y no apriori cuando fui consciente de su presencia, su importancia y revelación en el Proyecto en cuestión.

Explicaré aquí como es y está siendo el desarrollo del Proyecto Redes, pues así y no de otra manera se entenderá lo que pueda decir más adelante. Intentaré, para no extenderme demasiado hacerlo de manera sencilla y esquemática, basándome en los puntos principales y por orden en el proceso:

¿ Cómo se lleva a cabo el Proyecto Redes ? Este proyecto está enfocado al mundo de la cultura en sus muy diversas manifestaciones; Artistas plásticos y visuales, cine, teatro, música, literatura, editorial, arquitectura, prensa, radio… ( Participación a nivel Internacional )

  • La primera piedra:  Una carta informativa y explicativa sobre el Proyecto, que entonces era, ” Poética De Una Servilleta ” , hoy, ” Gracias Por Su Visita “, y la invitación a colaborar en un nuevo Proyecto que se realizará a través de las redes sociales. ( se envía a través de linkedin )
  • Se produce un intercambio de correos con la gente que quiere colaborar en el Proyecto. Ya en este punto surge cierto debate y se dan opiniones a tener en cuenta, enriquece al Proyecto y a mi personalmente. ( se amplian las redes, linkedin, facebook, correo personal- email )
  • La gente que colabora, envía sus trabajos realizados en las Servilletas, normalmente por correo postal. La mayoría con una carta de agradecimiento por invitarles a participar en el Proyecto. Me doy cuenta como me enriquece, en lo personal y en lo artístico. Por otra parte a la persona que participa, le muestra otros horizontes, tanto por el formato como por su concepto y otra percepción sobre como expresarse. Trabajo en equipo y en colaboración.
  • Una vez recibo las cartas con los trabajos elaborados en las Servilletas, les saco foto y los publico en redes con un pequeño texto informativo sobre su autor/a, mi percepción sobre el trabajo en cuestión y agradecimiento público por su apoyo y colaboración.
  • En esta parte del proceso, con los trabajos ya en el taller, viendo y estudiando sus formas y contenidos, compruebo su diversidad de concepto y criterio a la hora de intervenir la Servilleta. Se hace patente la Internacionalidad y multiculturalidad del Proyecto.
  • Con la mayoría de los trabajos en mi poder, pues todavía faltan algunos por recibir, empiezo a darle forma en el espacio a esos mensajes. Son los trabajos los que me dan la clave de como enfocar plásticamente y como construir, pues es así, construir en el espacio la Obra, Redes.
poránea:  Proyecto Redes

poránea: Proyecto Redes

Espero que os hayáis hecho una idea mental y tal vez, visual, de todo el proceso y desarrollo del Proyecto, pues la Obra Escultórica Redes, es sólo la punta del  Iceberg del Proyecto en equipo.

Como podéis apreciar por lo expuesto más arriba, se trata de un Proyecto en colaboración, con un marcado caracter social, dar voz a la sociedad a través de la Obra de Arte. La Obra de Arte en cuestión, será el resultado del trabajo en colaboración, en equipo; de  la suma de trabajos individuales, con su proyección física y matérica que yo trasladaré al espacio con una forma, estética y cualidad artística única e individual. Con las nuevas tecnologías, redes sociales, como herramienta para elaborar un discurso plástico, tanto  los participantes como yo,  hemos recorrido los 5 continentes. Este recorrido, es evidente que ocupa un espacio real, sin embargo, no he empleado tiempo, entendido tiempo como;  Período determinado durante el que se realiza una acción o se desarrolla un acontecimiento, que corresponda a dicho desplazamiento. En el 99% de las personas que han colaborado, no ha existido un contacto físico, todo ha ido creciendo a través de redes sociales. En este proceso, que podemos calificar como gestión del Proyecto,  todo se ha llevado a cabo por una dimensión no física, por un espacio en donde el tiempo no corresponde a la distancia recorrida, primero para establecer contacto y después para entablar un diálogo, un intercambio de ideas y conceptos, que no cabe duda, han dado su fruto en los trabajos realizados en LAS SERVILLETAS.

Todo el desarrollo via internet, redes sociales, es evidente que pulula en un espacio, en una dimensión misteriosa, no tangible y sin embargo real. No puede aprehenderse esta parte del proceso, no obstante, es cierta, responde a una realidad, pues su evidencia se transformará en  una realidad física con forma de Servilleta intervenida. A través de los correos via redes nos queda constancia de lo acontecido y en consecuencia podemos verificar su existencia, no física, más bien como chivo espiatorio.

A este espacio, en esta parte del proceso es a lo que denomino cuarta dimensión. Y esto, señores y señoras, no es moco de pavo, pues de ésto y nada más que de ésto, dependerá que el Proyecto vea la luz, se haga una realidad física.

Cuando la Obra ya esté terminada y se exponga al público, no sólo se mostrará la Escultura con presencia Física, ésta es parte, no todo. Para poder entender y comprender lo que se nos presenta, soy consciente de la necesidad de conformar unos contenidos,  teniendo en cuenta claro, mis limitaciones económicas,  donde puedan visualizarse mediante por lo menos, correos via internet, correo postal, vídeo, incluso anotaciones, fotografía y con máxima prioridad listado de tod@s l@s que colaboran, de manera que el espectador se percate de todo lo que acontece en aquello que mira y observa, ( percibe ). De esta manera, consiguiendo la atmósfera justa y necesaria para adentrarse en la Obra, el público puede percibir esa cuarta dimensión, que de alguna manera está presente, está implícita, pero ineludiblemente no se ve con el sentido de la vista y sí con  el séptimo sentido, el de la sensibilidad. 

En presencia de la Pieza Artística, el espectador se verá obligado a recorrerla, andarla, leerla, estudiarla e incluso adentrarse en ella, para poder comprenderla y aprehenderla, en definitiva, moverse no sólo físicamente, sino a nivel sensitivo. De alguna manera en este estadio, el del movimiento, se alude a ese movimiento que se realiza en redes, entendido no como cualidad física, más bien conceptual, diría yo. A través del movimiento en sus distintos niveles, como he explicado, el espectador irá descubriendo y entendiendo la Pieza como un todo. En ese amasijo de redes de acero, donde se encuentran atrapados los mensajes elaborados en las Servilletas, que en principio no parece responder a un orden, cosa que busco, en el proceso de análisis de la Obra, el público va adivinando como en esa tela de araña metálica, cada espacio responde a unos dominios que están reservados a cada artista que colabora. Esto responde a los dominios que encontramos en Internet, donde al buscar información sobre alguna cuestión concreta, tiene su propio espacio.

El espectador al ir descifrando  ésto dará cuenta de lo que ocurre dentro y fuera de Redes. Por consiguiente, tal vez sin ser plenamente consciente de ello, en su subconsciente si quedará, por conclusión, ese otro espacio que sin tener una presencia física, incluso visual, si pertenece y está en la Pieza. Esa cuarta dimensión que de alguna manera es la responsable de la presencia física y tridimensional que tiene El Objeto Artístico que se nos presenta delante.

Con el pequeño análisis, que en principio puede parecer algo complicado, sin embargo no lo es, más complicado resulta explicarlo que sentirlo, os lo aseguro, el Proyecto se plantea ese debate real sobre como las nuevas tecnologías se incorporan al Arte. La Obra Redes no se limita a sus dimensiones físicas y estéticas , se apodera  de otro espacio como campo de batalla. Es evidente la presencia que en sí misma tiene la Pieza en cuestión, pero además su expresión plástica y artística trasciende a lo que la materia nos pueda contar. El Arte no es un ente cerrado, por el contrario nos abre caminos nuevos e inexplorados y esto crea debate, que no hace más que enriquecer el futuro y el panorama artístico. Eso a lo que yo denomino Cuarta Dimensión y que es consecuencia de la incorporación de las nuevas tecnologías al campo del Arte, en este Proyecto no funciona como fin, sí como parte y proceso en el desarrollo del Proyecto. Sin embargo tiene consistencia y solidez en su resultado final, pues aún siendo parte, la Obra quedaría coja sin su ” Presencia”.

Escultura Contemporánea: Proyecto Redes, proceso de trabajo

Escultura Contemporánea: Proyecto Redes

Me pregunto, ¿ Cómo será el Arte del mañana ?, ¿ Será posible un Arte sin contar con las herramientas propias de su civilización ?, ¿ Si con los nuevos mecanismos, como es internet, que nos permite viajar en el tiempo y en el espacio en un abrir y cerrar de ojos, ponemos en cuestión lo relativo al espacio y tiempo, qué ocurrirá en lo referente al Arte?, ¿ Tomará el Arte prestado de la Ciencia, o quizás se convertirá en ciencia, es decir, en una rama de investigación ?

De momento necesito contar con la materia para que la sociedad y yo podamos expresarnos, o sea, El Objeto Artístico. No sé como podré plantearme la cuestión del Arte mañana…

Considero muy importante poder haber explicado y dejado lo suficientemente claro lo relativo a lo que denomino la cuarta dimensión, pues aparte de las tres dimensiones que conforman la Obra,  ésta es la clave que hace posible todo el desarrollo y posterior ejecución del Proyecto, REDES.

 

 

 

Escultura Contemporánea: Trabajando en Redes.

Proceso del Proyecto Artístico con la Escultura REDES.

Nos encontramos inmersos en la realización de un Proyecto Artístico, cuyo resultado final será un trabajo en colaboración. La Escultura- Instalación que quedará como testimonio de todo un proceso de trabajo se habrá llevado a cabo, por una Sociedad multicultural, ya que participan gentes de diferentes Países, con diferentes ideologías y diferentes sociedades. Por otra parte, una gestión en sus variadas facetas y la realización de un Objeto Artístico al que yo le daré forma y espacio.

Captar gente a través de redes sociales  para que colaboren en el Proyecto.

Una Servilleta de papel fino, de esas que encontramos en Bares, Cafeterías, Restaurantes… es un objeto que en si mismo no tiene valor, la usamos y tiramos sin más. Sin embargo a veces ocurre que escribimos, dibujamos, anotamos… es entonces cuando cambiamos la funcionalidad inicial para la que fue concebida. La servilleta es un objeto industrial, fabricado en serie. No es capricho elegir este objeto como medio y vehículo para hacer Arte, para elaborar un discurso artístico. Me interesa por varios motivos:

  • Rescatar un objeto industrial y sin valor inicial, para convertirlo en Arte.
  • Un Arte recolector. L@s que participan intervienen en el objeto servilleta, transformándolo y dándole un sentido diferente. Yo recolecto esos mensajes para hacer un Objeto Artístico.
  • Todo el mundo conoce y reconoce el objeto servilleta. Facilitar con ese objeto la participación e implicación en el Proyecto.

Entre Marta, que lleva una parte importante en la gestión  y yo, redactamos una carta donde explicamos el Proyecto y lo que pretendemos hacer. Intentamos ser bastante escuetos, pues extendernos demasiado aburriría al personal. Somos conscientes de que se nos escapan cosas, sin embargo a través de sucesivos correos se van corrigiendo. Se establece un intercambio y un diálogo con la gente que se implica en el Proyecto. Participar provoca generar puntos de vista diferentes, crear debate que no hace más que enriquecer la idea inicial. El Proyecto  no es lineal, surgen quiebros, nuevos enfoques  del que vamos tomando nota, es un Proyecto vivo e interactivo.

En trazas generales, respecto al Proyecto general ” Gracias por su visita “, se pretender dar voz a la sociedad a través del Arte.

En el Proyecto Redes en particular, hemos contactado con el Ámbito de la cultura, en su mayoría artistas plásticos y audiovisuales, aunque también hemos querido dar voz al mundo de la literatura, del cine, de la editorial, del teatro, arquitectura, incluso otros ámbitos relacionados con lo cultural de manera no tan directa, como por ejemplo, la psiquiatría. Es la primera vez que hemos trabajado con el Proyecto en redes sociales, por lo que no quisimos proponer un tema en particular, sencillamente que todas aquellas personas que colaboran, hablen de si mismas, sobre su trabajo etc… de manera libre. En la pieza artística final, ya se verá lo que ocurre.

L@s que colaboran, envian  sus Servilletas cargadas de mensajes al taller. Una vez  llegan, le saco  foto y con un pequeño texto se publican en redes. De esta manera, tod@s l@s que participan y l@s que no también, pueden ver como se han intervenido  las Servilletas. Todo es público y se muestra desde un primer momento. Las redes sociales como herramienta para hacer Arte.  La Obra se va construyendo desde el mismo momento en  que se redacta el correo de invitación para colaborar en el Proyecto, esta es la primera piedra.

Escultura Contemporánea: Foto de las trabajos realizados en Servilletas para el Proyecto REDES,  Marcela Ciribe

Las cartas recibidas contienen las Servilletas que conformarán la Obra de Arte. Puedo decir que esperaba cada una de ellas con la misma  ilusión que un niño espera la llegada de Los Reyes Magos. Es una experiencia emocionante e indescriptible. Desde aquí os reitero las gracias a tod@s l@s que habéis participado, he vuelto a ilusionarme con la llegada de una carta. Lo había olvidado.

Escultura Contemporánea: Foto de las trabajos realizados en Servilletas para el Proyecto REDES,  Tamara Rama

IEscultura Contemporánea: Recibiendo Servilletas

Como todo regalo debidamente envuelto y  hemos recolectado muchos, todos han sido diferentes, todos singulares y únicos, como toda Obra de Arte. La sorpresa y emoción, como es de esperar, ha sido muy variada en cada uno de los trabajos recibidos. Sensaciones diversas por la riqueza en sus formas, tamaños y sobre todo por sus contenidos. Hacer Arte en colaboración os digo que es lo ¡ MÁS!  que he hecho nunca y llevo 33 años dedicado al Arte.

Escultura Contemporánea: Foto de las trabajos realizados en Servilletas para el Proyecto REDES,  Mercé Ribera

IIEscultura Contemporánea: Recibiendo Servilletas

 En estas fotos podéis ver algunos ejemplos de Servilletas intervenidas, por orden; Marcela Ciribe, Tamara Rama y Mercé Ribera.

En el  Proyecto podemos hablar de cuatro dimensiones, La Obra Escultórica- Instalación que cuenta como es lógico con tres dimensiones y el espacio Internet como parte implícita en la Pieza Artística, pero que no cuenta con presencia física. Sin embargo esa inmaterialidad de la Obra es la que aposteriori hará posible la presencia Física de la Obra de Arte. En consecuencia, podemos hablar de esa parte, que no se ve, pero que está.  Esta cuarta dimensión  que sin poder verse fisicamente, si puede percibirse a través de la deducción.

La cuarta dimensión no es tangible, sn embargo, se puede percibir su presencia en la Obra.

El Proyecto cuenta con diferentes procesos; la gestión, diálogo-debate, recolección y materialización de la Obra en un Objeto Artístico con presencia física.

¿ Cómo abordo la Obra Escultórica?

Me encuentro ante cientos de mensajes: Escritos, Dibujos, Pinturas… realizados en Servilletas de papel fino. Los escritos en distintos idiomas, las pinturas y dibujos en lenguaje universal. Infinidad de técnicas y recursos, de concepciones ante un mismo soporte, LA SERVILLETA. Es curioso como la mente etablece un paralelismo, ciertas claves y relaciona las partes con el todo. No me planteo la Pieza apriori, el material y la manera como lo he conseguido, son los mecanismos que activan mi subconsciente y originan las claves necesarias para afrontar la Escultura.

Todo el proceso es parte importante. Las Redes Sociales son la herramienta que he utilizado como motor del Proyecto. De alguna manera imagino ese sistema de redes conectadas en su totalidad, en las cuales van a suceder cosas. Esas cosas, al igual que Iternet, son información y esa información a su vez tiene sus Dominios. Imagino ese sistema de redes con una forma inestable, volando en el espacio, sin principio ni fin, expuesta en cualquier momento a ser ampliada en su magnitud.

No cabe duda que esa información no es estática, siempre está expuesta a ser renovada, ampliada e incluso aniquilada. Por tanto los mensajes deben responder a ese sentido de movimiento, a la falta de estatismo. De ahí que los mensajes ( SERVILLETAS ) se muevan en el espacio, se arrugen, se contraigan y sufran ondulaciones y quiebros propios de un papel fino que se expone a la interperie, al espacio.

Escultura Redes en proceso, con hierro forjado  soldado con acero

Escultura en proceso con acero e hierro forjado y soldado.

La forma que va tejiendo la pieza, no responde en sentido literal a nada en concreto. Juego con la sugerencia. Al igual que un arquitecto voy construyendo el espacio, según me pide la Obra, que es en último término la que se impone. Con varilla de  acero calibrado, elaboro un enrejado, un sistema de redes interconectados y con estructura firme y sólida, pero de manera libre, que sólo mi intuición sirve de guía.

En esas redes voy colocando la información ( Servilletas ), cada artista participante tiene su propio espacio- dominio. Igual que ocurre en internet con los dominios, reservo un espacio propio y único a cada colaborador. De esta manera centro la fuerza de cada participante, aunando sus trabajos en un espacio personalizado.  Intento jugar con Obras más poderosas que intercalo con otras, quizás menos llamativas o relevantes, de manera que creo sinfonía, altos y bajos, incluso espacios vacíos que funcionan como silencios, dando lugar a ciertos descanso, que no hacen sino resaltar con mayor fuerza los espacios matéricos.

Si bien es cierto que en Arte es posible y así se ha demostrado con otros artistas, que una Obra de Arte puede funcionar sólo como concepto, como idea, sin necesidad de tomar forma, yo considero importante la materialidad del concepto, de la idea. Seguramente se deba a mi formación como artista, pero tengo la vital necesidad de dar forma y conformar un espacio que sea la proyección y culminación de dicho concepto. En ese sentido he requerido la utilización de un proceso, un procedimiento técnico que me ha brindado la oportunidad de transformar una idea intelectual en un Objeto Artístico con una forma y materia singulares.

Escultura Contemporánea: Despertar Sin Violencia.

Conclusiones sobre la Escultura Despertar Sin Violencia:

Vaya por delante mi agradecimiento a la Asociación, Despertar Sin Violencia y a su Presidenta Carmen Sánchez Flores. Ha sido un verdadero placer y un honor poder trabajar juntos en este Proyecto Artístico.

Dejar por escrito el Proceso y los Logros obtenidos, ayuda a reelaborar el discurso planteado y a sacar conclusiones.

Primer contacto:

Un primer acercamiento tuvo lugar en una Exposición colectiva que se hizo en KASSER RASSUR de Marbella, con la Fundación AL- ANDALUS. En ésta, tuve la oportunidad de conocer a Carmen, quien desde un primer momento, he de decir que se mostró muy interesada y dispuesta. La verdad, me causó un fuerte impacto su persona. Llena de pasión y entrega por su Asociación. Todo lo que estuviese en su mano por y para la Asociación.

Este primer contacto, en el que le hablé a Carmen del Proyecto Artístico con caracter Social, que Marta y yo veníamos desarrollando, fue el inicio de una relación que se ha prolongado hasta hoy.

  • Un Arte de Gestión.
  • Relaciones Humanas y Sociales.
  • Intercambio y enriquecimiento mutuo.

Retomar contacto:

Desde ese primer encuentro, pasaron meses hasta volver a contactar de nuevo. Ahora Internet, a través de correos y email, va a ser nuestro aliado para seguir con unas conversaciones y una Gestión que será parte importante en el discurso y desarrollo del Proyecto.

Vía email reanudamos conversaciones. Concretamos un día para explicar el Proyecto, esta vez a la Asociación.

  • Internet, como vehículo para gestionar el Proyecto

Conferencia-Charla, explicando el Proyecto a la Asociación, Despertar Sin Violencia:

En Octubre del 2014, sobre mediados más o menos, no recuerdo exactamente, impartí una charla a la Asociación sobre el Proyecto Artístico que quería que realizáramos en colaboración.

Les expliqué el motivo que me llevaba a realizar un Arte en colaboración, un Arte Social.

La importancia de dar voz a su Asociación a través del  Arte.

Implicarles de manera directa en el Objeto Artístico era acercarl@s tanto a ell@s como a la Sociedad al Arte. Hoy vivimos momentos difíciles y es comprensible que la sociedad tenga un desinterés manifiesto por el Arte, por la cultura en general, sin embargo, hoy más que nunca es necesario. Si existe un alejamiento, una incomprensión hacia el Arte, mucha culpa la tenemos los que profesionalmente nos ocupamos de él. El Arte no puede dar la espalda a lo que ocurre a su alrededor. Un Arte individual, egoísta , que habla sobre sí mismo, no tiene cabida. El Arte debe ser de todos y para todos, hecho por el pueblo y para el pueblo.

La idea inicial era trabajar con VÍCTIMAS DE VIOLENCIA DOMÉSTICA, Mujeres y algún hombre que también los había, de la Asociación. En el trascurso de la charla, a Carmen se le ocurrió que podían intervenir los niñ@s hij@s de Víctima, pues ell@s a su vez, también lo eran. Y fue así como se enriqueció la idea primera. De manera que es@s niñ@s colaboraron con sus mensajes en la Pieza Artística.

La Escultura sería la suma de unos contenidos que aportarían tod@s aquell@s que participaban con sus mensajes elaborados en las Servilletas de papel, de esa que encontramos en Bares, Cafeteriás… y un discurso plástico que yo realizaría con esos mensajes.

  • Con esta Escultura, pretendía dar voz y esperanza a esas mujeres, hombres y  niñ@s, en una Sociedd que las margina y que no logra a comprenderlas.
  • Explicar y hacer comprender la importancia del Proyecto, para que quieran colaborar libremente y con toda intención.
  • No sólo pretendo enriquecer, por el contrario, yo aprendo y comprendo de manera directa por lo que han pasado y sufrido. Su dolor y sacrificio, lo hago mío dándome una fuerza y el conocimiento necesario para abordar con contundencia, el Proyecto.
  • Crear un debate Social con una nueva percepción sobre el problema en cuestión.
  • Una Servilleta de papel, un objeto cotidiano, sin valor, cobra un significado y una importancia al convertirse en Arte.

Recolectando Mensajes:

Después de 2 semanas, Carmen me escribió y me llamo para darme la noticia, ya habían recolectado las Servilletas suficientes para poder elaborar la Pieza Artística.

Personalmente fui a recogerlas y estuve presente mientras trabajaban en las últimas.

Escultura Contemporánea, trabajando con las Servilletas

  • Ver como se trabaja para un Proyecto en común.
  • Gratificante la implicación de la Asociación, por saberse parte de una Obra de Arte.

Trabajo en la Soledad del Taller:

Me encuentro sólo en el taller, delante de mi, 210 Servilletas llenas de mensajes, dibujos con una fuerte carga simbólica. Voy leyendo una a una, intento abstraerme e intento sentir lo que dicen esas palabras  llenas de significado, sufridas hasta el dolor más profundo psíquico y físico.

¿ Cómo es posible que el ser humano  sea capaz de hacer y de padecer tanto?

Voy leyendo, sigo y continuo observsndo esos dibujos. No es lo que vemos, es lo que esconden. La apariencia la mayoría delas veces no nos deja ver la realidad. La realidad no es evidente, es laberíntica y oblicua. Andar con cautela, pero con paso firme, escudriñando, es una revelación y de repente lo ves. Sale de esos jeroglíficos la esencia de la verdad.

Siento dolor, supongo que al acercarme tanto, casi puedo sentirlo. Y lo comparto y lo sufro con ell@s.

Escultura Contemporánea, Servilletas de Despertar Sin Violencia

 

Sumergido en el sufrimiento, mi mente vuela, se recrea y busca espacios mágicos. quiere dar sentido a lo que tiene delante, quiere potenciar y magnificar de manera justa, ni más ni menos, el sentir de la Asociación.

Quiero cargar de enrgía y relidad la Escultura, que pueda ser entendida, disfrutada pero también sufrida por el Público.

Hay una realidad y es la marginación social a la que están sometidas las Víctimas de Violencia Doméstica. No puedo presentar la Pieza en el centro de una sala, debe estar arrinconada, lo mismo que la sociedad hace con ellas, eso es real y así ha de estar la Obra, en un rincón. Las ideas, los conceptos, los pensamientos, son abstracciones, pululan en nuestras mentes, en el espacio. Al transcribirlas en la Servilleta, cobran una realidad, no definitiva, sin embargo, si entendida.

Escultura Contemporánea, Proceso de trabajo de Despertar sin Violencia

 

 

Me resulta interesante el objeto Servilleta, frágil e inestable, quizás por eso se representan en la escultura como flotando. Es cierto que toman contacto con los hilos que la sustentan, pero es sólo cuestión de gravedad.

Decidido, una inventada gran tela de araña, atrapará los mensajes que flotando en el espacio, fueron capturados por esa gran tela de araña.

Escultura Contemporánea, Proceso de trabajo de Despertar sin Violencia

 

 

Conceptualmente hay un juego de contrarios, por un lado el papel Servilleta, frágil. Por otro lado la chapa y el acero en la que se apoya, fuerte , pesado, contundente. Se produche un choque, un desconcierto. La percepción visual nos dice que lo que tenemos delante es delicado, sutil, inestable. Al acercarnos y tocar la Escultura, nos sorprendemos de su dureza y contundencia. La realidad física, nos desmiente la percepción que teníamos de la Obra.

Escultura Contemporánea, Proceso de trabajo de Despertar sin Violencia

  • Profundizar en los mensajesen, sufrirlos y sentirlos en sledad.
  • Buscar en mi yo interior para poder exteriorizar con contundencia y acierto.
  • Crear sensación de fragilidad a través de una realidad completamente diferente.
  • Poner en contacto los mecanismos suficientes para acercar la Obra al Público y que pueda identificarse con ella.

Exposición Pública:

En este Proyecto creo imprescindible  señalar la importancia de todo un Proceso que sin él no hubiese sido  posible llevar a cabo la realización de la Pieza Escultórica. Ese proceso, queda claramente manifiesto en todos y cada uno de los pasos que hemos ido viendo a lo largo de todas y cada una de las conclusiones.

El fin de toda Obra de Arte es darla a conocer al Público, pues mantenerla en el anonimato no tendría ningún sentido.

  • Utilizar el Arte como medio de expresión social, de tal manera que la propia sociedad sea coautora del Objeto Artístico.
  • Al observar el Público la Escultura se identifica plenamente con ella, ya que es artista y espectador a un tiempo.
  • Un Arte Social. En caso de venta, un porcentaje, el 40%, irá a parar a l Asociación Despertar Sin Violencia. Ya que ell@s también han colaborado directamente en la Obra.
  • Compruebo releyendo lo escrito, la riqueza y complejidad que este Proyecto entraña.
  • La importancia de las relaciones con la Asociación, este acercamiento e implicación me ha abierto el corazón y la mente de manera más consciente.
  • La Educación es fundamental para acabar con el lastre de la Violencia Doméstica.

Escultura Contemporánea, montando  Despertar sin Violencia

Escultura Contemporánea, inaugurando Despertar sin Violencia

Escultura Contemporánea, Obra realizada en colaboración con Mario, escultor.

Escultura Contemporánea: ” Notas de Viaje “

Como se llevó a cabo esta Escultura.

Mi amigo Mario, también escultor, se disponía a marchar a Polonia. Iba a estar 9 meses, pues estaba Becado por la Facultad BBAA. Él ya había participado en escultura con Servilletas. A la vuelta de su primera instancia en Polonia, me trajo algunas Servilletas con dibujos y escritos suyos y de colegas que había hecho allí.

Se me ocurrió que juntos podíamos realizar una Escultura como ruta de viaje, notas de viaje. A través de sus magníficos dibujos, escritos, anotaciones, sensaciones que él iría recopilando en Servilletas. También podrían escribir colegas suyos, conocidos en dicho viaje. En su estancia en Polonia nos mandábamos wasap, él me contaba sobre sus proyectos, sus amistades y lo bien e integrado que se encontraba con aquella gente. Gente muy trabajadora y comprometida con el arte. Yo le contaba y le mandaba fotos sobre los trabajos que realizaba  en cada momento. En estos wasap, siempre estaba la coña, ¡ Y mis Servilletas !, no te olvides, ja,ja…  no olvidaba, siempre me contaba las últimas que había hecho, hasta el punto me dijo; ” me he acostumbrado a usarlas “.

Como veis esta escultura nace de esta manera, coincidencias, estar alerta y sacar partido de todo lo que acontece a tu alrededor. Es cierto que entre Mario y yo existe una amistad desde hace años y admiración sincera y mutua. Me encanta su coco, sus esculturas y sus dibujos. Él cree en el proyecto, si no, no participaba, seguro.

Recuerdo con mucho cariño el día que nos reunimos después de su llegada. Yo no le dije nada, le di tiempo para instalarse  y reencontrarse de nuevo en su ciudad y su casa. Habían pasado 9 meses. Pero en realidad estaba impaciente por verlo a él y a sus Servilletas, je, jee…

Cuando le vi me dio mucha alegría, nos dimos un abrazo. Nos pedimos unas cervezas y sin  demora comenzó a contarme sobre el viaje y el trabajo que había realizado allí. En Polonia son muy serios y responsables con el trabajo. Incluso le dan al alumnado las llaves de la facultad para poder trabajar a deshoras, sin límite alguno.

Me contó sobre  los murales que realizó en el estudio de uno de sus profesores. Las esculturas que había fundido en bronce. Los precios muy bajos con lo cual se trajo una colección de bronces. El sistema tan rudimentario pero eficaz que utilizaban en la fundición, todo esto me lo acompañaba con fotos. La verdad que sentía nostalgia por la juventud pasada y viajes no realizados. Que suerte y que bien aprovechado tu viaje Mario.

Lo escuchaba atónito y embelesado, ¡ Qué experiencia!, ¡ ya la hubiese vivido yo ! Para que luego digan que la juventud de hoy se toca los cojones y no trabaja, UFF, tonterías e irrealidades. 

Después de la emocionante aventura de su viaje, llega el momento tan esperado. Saca de su mochila una carpeta llena de Servilletas, tiemblo de emoción. Se me presenta ante mi un futuro proyecto escultórico, cargado de significado y de experiencias reales y vividas. La realidad de un viaje.

Escribiendo y contando el viaje de Mario a Polonia y la escultura que saldrá de este viaje, tomo nuevamente consciencia del cambio tan brutal que se ha producido en mi respecto a como entiendo El Arte. Ya no me ilusiono únicamente encerrado en mi estudio y trabajando en la soledad de la individualidad. El compartir, la interrelación que se produce a la hora de afrontar un proyecto escultórico, es esencial, es vital en la elaboración de la obra final. Mario y yo vamos a realizar una obra en colaboración, él será el que cuente a través de sus dibujos y escritos. Yo daré forma plástica a esos contenidos, anotaciones de viaje.

La Escultura se convierte en un proyecto en equipo, sin duda el compartir da más fuerza y sentido al Arte.

Mario iba sacando Servilletas y Servilletas, algunas se las había llevado de aquí, pues allí era difícil encontrarlas. Otras si las consiguió por  Europa en sus viajes, la verdad que se movió bastante, Berlín le quedaba muy cerca. Cada Servilleta que sacaba era una historia.  Notas de Viaje era un título que de momento me parecía perfecto. Más de 2 horas narrando la historia de cada una de las Servilletas. En una, por ejemplo, me contó que en una visita que le hizo una amiga que fue desde España, paseando por la calle, allí en Polonia, su amiga perdió el móvil en la nieve. La odisea de intentar recuperarlo, se fraguó en una Servilleta; llamaron al móvil y alguien contestó al otro lado, anotaron direcciones, números  de teléfono… en la servilleta. Así la Servilleta fue testigo del suceso. Otra Servilleta cuenta como por teléfono su abuelo le cuenta que se ha comprado un barco de vela. En otra, dibuja y anota las características de un salvavidas para perros  que su hermano Jorge le pide que por favor le compre, pues se ha enterado que en Polonia las venden…

Mario hizo serigrafías  en Polonia y por supuesto realizó bastantes en servilletas, quedan guapísimas. A parte de esta escultura, como casi siempre sucede, el trabajo llama al trabajo. De su trabajo de serigrafías en servilletas, saldrán otras series de esculturas con serigrafías. componiendo dibujos en distintas servilletas. Trabajo, trabajo, más trabajo, de puta madre…

Escultura Contemporánea: " Notas de Viaje ", escultura realizada en colaboración con Mario, escultor.

Escultura Contemporánea: ” Notas de Viaje “, escultura realizada en colaboración con Mario, escultor.

Como decía Picasso, ” La Inspiración “… no sé si existe, pero si existe, más vale que te pille trabajando, je, jjjee…

Mucha gente me pregunta como se me ocurren las ideas, yo casi siempre suelo responder lo mismo, trabajando. Es cierto, cuando estás trabajando en una obra, la mente o mejor , el inconsciente, está pensando en la siguiente. En efecto cuanto más trabajas más ideas surgen en tu cabeza. Las ideas son consecuencia del trabajo, así por lo menos es como funciono.

Realización de la Escultura; ” Notas de Viaje “.

Tanto tiempo pensando una escultura te da para desarrollar un sin fin de formas y espacios, sin embargo con esta Obra los bocetos que realizaba, me llevaban a la misma escultura. Notas de Viaje surge a ras de suelo, las Servilletas aparecen como flotando encima, pero sin tocar suelo.  Se mueven, ondulando suavemente, acariciando la tierra que las vio nacer para poco a poco  elevarse. Estas suaves ondulaciones se hacen más abruptas a medida que se elevan. Del suelo pasan a tomar posesión de la verticalidad de la pared, toman otro espacio. Al igual que Mario, como cuenta en una de sus Servilletas; ” Volando voy, volando vengo “, las Servilletas vuelan hacia arriba, escapando a otro mundo, a otra cultura y civilización que le colmarán de experiencias.

Escultura Contemporánea, Obra realizada en colaboración con Mario, escultor.

Escultura Contemporánea, Obra realizada en colaboración con Mario, escultor.

La idea de despegue está muy presente en esta escultura. En este caso el despegue no lo realiza un aparato, sino, Servilletas de papel, llenas de metáforas, llenas de ilusiones y nuevos acontecimientos. Al igual que un aparato volador, los colores y la superficie que vemos nada tienen que ver con su estructura sólida y pesada, metálica. La servilleta ligera, frágil, la soporta una chapa metálica dura, sólida y pesada que nos permite hacer este juego plástico y consistente.

Como en un viaje, la aventura está presente en la escultura. Algún boceto, algún garabato, pero nada definido. No quiero tener la escultura cerrada antes de hacerla. La obra se va haciendo paso a paso, la idea es, pero no la forma y si en su conjunto tengo que cambiar la idea, pues también se cambia. El espacio manda y los accidentes e improvisaciones son parte del proceso creativo. Si la cierro, la escultura muere. Los conceptos están, esos no puedo cambiarlos, además no me pertenecen, sin embargo si su disposición.

Se produce un juego; la técnica por un lado tiene sus caprichos, el espacio y equilibrio tiene su propio lenguaje, la belleza de los movimientos de la servilleta de manera individual y la relación  de unas Servilletas con otras responden a un diálogo en el que yo soy mero espectador. La tensión y la alerta son imprescindibles para el éxito de la escultura. 

Escultura Contemporánea: " Notas de Viaje ", escultura realizada en colaboración con Mario, escultor.

Escultura Contemporánea: ” Notas de Viaje “, escultura realizada en colaboración con Mario, escultor.

No resulta fácil. Poner todo esto a la vez y en práctica es lo que hace que la escultura vaya saliendo adelante.

La escultura va bastante adelantada y se parece a lo que soñaba. Todavía no está terminada pero le presagio un nuevo espacio en el mundo de la escultura.

Conforme se eleva se va estrechando, como si dejara entrever la sugerencia de la pirámide, no esa figura perfecta y geométrica, más bien, su insinuación. Las Servilletas que ocupan este espacio, han sido realizadas en un viaje, Polonia. Escapan a ese espacio inicial. Otras experiencias, otras personas, otros recursos, otros proyectos… los conceptos que contienen están cargados de nuevas sensaciones, aun realizadas por la misma mano. Existe una distancia real entre éstas y las primeras, esa distancia la acentúo poniendo menos Servilletas conforme éstas van alejándose de la horizontalidad, buscando la verticalidad.

En realidad no me gusta describir una escultura, lo hago bastante mal. Además la escultura es para contemplarla, no para contarla. Estoy con muchas ganas de exponerla, habrá que buscar cuando y donde. Mientras llega ese momento os tendréis que contentar con una mala foto, que ni por asomo hace justicia a la escultura. Lo siento sobre todo por ” Notas de Viaje “, que es quien pierde en realidad, pero es lo que hay.

Este texto lo escribí en bastantes sentadas, mientras realizaba la Escultura, no quería hablar desde el futuro ni tampoco desde el pasado, así que fui escribiendo paralelamente al trabajo en el taller. Espero que os haya dado cierta luz sobre la Escultura, ” Notas de Viaje “. Muchas gracias por leernos, hasta la semana que viene, un abrazo a todos/as.

 

Escultura Contemporánea: " Notas de Viaje ", escultura realizada en colaboración con Mario, escultor.

Escultura Contemporánea: ” Notas de Viaje “, escultura realizada en colaboración con Mario, escultor.

 

 

 

 

 

 

Escultura Contemporánea: ” Mujeres Víctimas de Violencia de Género “

Esculura Realizada Con Mujeres  Víctimas de Violencia de Género:

El 6 de agosto inauguré una exposición en la Galería Kasser Rassu de Marbella. Mucho Glamour, champán, mucho modelito, mucho escote, sonrisitas… en fin mucha tontería.

Sin embargo y con todo tuve la suerte de conocer a Mª del Carmen, presidenta de ” Despertar sin Violencia “, contra la Violencia de Género y Doméstica.

Yo como casi todo el mundo, conocía a víctimas de violencia de género a través de la prensa, la radio, la televisión. Nada más conocerla le hablé de nuestro proyecto artístico. Ya con Margarita Asuar teníamos apalabrado realizar una gran escultura con este ámbito social, en el mes de Septiembre. Así se lo dije a Mª del Carmen. El proyecto actual trata de dar voz a la Sociedad.  El Arte como vehículo y  medio de expresión para contar lo que ocurre y como siente la sociedad del momento.

En este vídeo, sacado del telediario, podéis ver y escuchar lo que os decía. Tod@s estamos al corriente por las noticias,  la violencia de género, por desgracia está ahí, ante nuestros ojos. La violencia despreciable y machista sigue siendo a día de hoy, noticia.

Aquí diré que lo que Mª del Carmen me contó sobre su vida, me dejó helado, me sentí impotente ante una situación tremendamente injusta y cobarde. Si, uno oye, escucha y ve las noticias pero hablar cara a cara con una víctima y que te diga que ha sido víctima en 3 matrimonios y que ha perdido a dos hijos, víctima de la violencia de género, ¡ uff!,  Estamos acostumbrados a las noticias infumables, desgraciadamente. Creo que el ser humano, debido a la infinidad de consumo noticiero, en sus distintos medios, llega a acostumbrarse de lo infame, de lo inhumano que a veces puede llegar a ser el Ser Humano. ¡ No quiero acostumbrarme ! 

Hemos de estar siempre alerta, no podemos dejar que la avalancha de noticias terroríficas nos cieguen a la realidad.

La Violencia de Género, es real, convivimos con ella, no podemos ignorarla, hay que erradicarla y acabar con ella. Los poderes fácticos y gubernamentales  tienen que tomar cartas en el asunto, de una manera más seria y consecuente.

Con el Proyecto ” Poética de una Servilleta “, me doy cuenta que puedo, podemos poner nuestro grano de arena en este asunto. Que el Arte se implique directamente en un problema social como éste, me da fuerza y esperanza para continuar trabajando en un Arte Social, como estamos haciendo.  Estoy convencido que el Arte puede aportar a la sociedad la comprensión y atención que necesitan estas mujeres, víctimas de violencia.

La violencia de género no sólo afecta al sexo femenino, también al masculino, aunque es cierto que en menor grado. Carmen me contó que en su Asociación existen hombres víctimas de violencia de género.

La violencia es de lo más denigrante que una persona pueda sufrir y lo más triste aún es que lo sufra por la persona que se supone más allegada.

Ya cuando comenzamos con este proyecto, que poco a poco fue tomando matices sociales, era consciente de la relevancia e importancia que había tomado mi quehacer artístico. Hoy EL ARTE, no puede permanecer impasivo a la barbarie Política-Social en el que el mundo está envuelto. El Arte no puede conformarse con; Paisajes bonitos, desnudos preciosos, esculturas conmemorativas, representativas, sensacionalismos… El Arte, el verdadero Arte tiene que ser realista con la época en la que vive. Debe y tiene que ser puente e instrumento social, poner la creatividad y el pensamiento al servicio de la sociedad, ser mediador e inspirador, remover conciencias e intentar humanizar a las personas en su más amplio sentido de la palabra.

Antes, cuando trabajaba de manera individual, egoísta, en la soledad del taller, todo esto quedaba  lejos. Mi preocupación era sacarle más y más partido a la materia con la que trabajaba. Ahora cuando el trabajo me obliga a relacionarme, a abrirme al mundo, me doy cuenta de la necesidad real de lo que hago y el por qué lo hago. No podemos dar la espalda a la realidad, no podemos conformarnos con lo que hay y el Arte mucho menos.

Aquí os dejo un vídeo sacado de YOUTUBE de ELIO GONZALEZ, ( muertos de hambre ), como socialmente  está vista  la figura del Artista. Espero que os haga reflexionar sobre la importancia del Artista en nuestra sociedad…

Como dice Elio, el Arte deja huella en nuestra vida. No es simplemente decorativo ni superfluo, es necesario y ahora más que nunca.

Sí, el Arte que estamos haciendo hoy, la sociedad y yo , es necesario. Cuando las cosas las ves muy de lejos y no te tocan directamente, no le prestas la mayor atención. Si por el contrario te afectan directamente, crees que tu problema es el más importante del mundo. Así funciona el ser humano, desgraciadamente. No tenemos que dar lugar a eso. El compañerismo, la solidaridad, la comprensión, el apoyo… son valores humanos que no debemos perder de vista. Salir a la calle, preocuparnos de lo que pasa, nos rodea… es necesario y vital para ser humanos, para ser SOCIEDAD. 

Hablando con Carmen me daba cuenta de como yo podía ayudar, a través del Arte, dar a conocer un problema social tan preocupante. Hacerlo de otra manera, pues como decía al principio, ya las noticias nos llegan de sobra. Sin embargo crear otra percepción, otra mirada al Objeto Artístico, crean en el espectador una mirada diferente, un valorar las cosas con otra perspectiva. Sin duda la mirada y percepción que hacemos a una Obra de Arte es otra, es diferente a cuando leemos un periódico o escuchamos las noticias. En estos medios la información nos la dan otros. En la Escultura u Objeto Artístico los contenidos son directamente del sufridor…

ESCULTURA CONTEMPORÁNEA: ” La Metáfora en el Arte “

 ” De la Metáfora en la Escultura. “

Uno se encuentra trabajando, construyendo un discurso plástico, tratando de encontrar un camino  con la intención de obtener conocimiento.  Con peligro de caer en la retórica y en lo ya sabido, diré , pues es cierto, que en mi trabajo se hace uso de eso que se llama intuición. Ésta, no la busco, sencillamente está ahí, supongo que como todo será más ilimitada cuanto más ilimitados sean mis recursos, tanto plásticos-estéticos, como conceptuales.

  Ya en otros momentos os he hablado sobre el trabajo, proyecto, en el  que venimos trabajando vosotros y yo. De alguna manera en mi inconsciente estaba el utilizar el concepto de metáfora en la obra que realizamos. Gracias a Francis Dumont, a quien desde aquí le reitero mi agradecimiento, que  hizo una magnífica y poética crítica sobre el trabajo del que hablo, del inconsciente pasó al consciente. En esa crítica que titulaba; ” La Metáfora en la Escultura “,  tomé conciencia de eso que de alguna manera intuía.

Ser consciente sobre el empleo de la metáfora en la escultura, me abre otras puertas para el desarrollo de mi trabajo. Ahora a esta intuición se le añade, ” la intención “. La suma es más.

Con este motivo, me puse a indagar sobre lo que se había escrito respecto a la metáfora en el arte. Tomar consciencia requiere, a mi modo de ver, un estudio, una investigación, más o menos profunda, sobre el tema en cuestión. De ésto se desprende un análisis  y la obtención de unas conclusiones, que de alguna forma me ayuden a comprender mejor el camino emprendido. Lo primero que hice fue buscar en el diccionario enciclopédico de arte y arquitectura, el término ” metáfora “. Encontré lo siguiente:

  • Expresión en la que se abrevia un gran significado. Lenguaje figurado.
  • Cuando utilizando el lenguaje cotidiano se trata de crear una nueva significación, una nueva expresión.
  • Ortega y Gasset  sostiene que através de la metáfora conseguimos aprehender lo que se haya  más lejos de nuestro  potencial conceptual.
  • Alfred North Whitehead, opina que en su esencia las funciones simbólicas comienzan como expresión de estados internos, como objetivación de actitudes y deseos o como respuesta al mundo exterior. Mediante el símbolo el hombre escapa a la multiplicidad del mundo inmediato y en el símbolo combina en una sola representación experiencias pasadas y proyecta nuevas potenciales de vida.
  • El arte, en sus mejores manifestaciones, pone al descubierto significados ocultos, dice más de lo que el ojo ve, el oído oye o la mente conoce.

Como podéis ver, he sacado bastantes acepciones del significado del término. Además de hacer alusión a dos grandes pensadores que opinaron sobre el mismo. Ya en esta primera búsqueda puedo observar como la obra que venimos elaborando; ” Poética de una Servilleta “, se haya dentro de este concepto. Cuando realizamos una escultura, las servilletas están llenas de significados en sus contenidos. Estos significados no hacen  otra cosa  sino abreviar un gran significado. En una escultura aparecen escritos, dibujos,etc… de un grupo de personas con un determinado tema, o a veces no, que hacen alusión a algo, ese algo recoge de manera abreviada la expresión de unos conceptos genéricos.

Es evidente que en esta obra se utiliza un lenguaje cotidiano, pero lo que se trata es de darle una nueva significación,   mediante la utilización del arte como medio de expresión, cobra esta nueva significación.

Como decía Ortega y Gasset, mediante la utilización de la metáfora, conseguimos aprehender lo que se haya más lejos de nuestro potencial conceptual. Y amigos, eso es precisamente lo que trata de hacer este proyecto artístico. Alfred North Whitehead, la metáfora como función simbólica, comienza como expresión de estados internos,¿ que otra cosa hace la persona que escribe o dibuja en la servilleta, sino, ésta?. Objetivación de actitudes y deseos o respuesta al mundo exterior.

Es evidente que el arte y éste concretamente  es una forma de conocimiento. Con esta forma de hacer arte, de hacer escultura, se pretende mediante su elaboración,  presentación y su posterior percepción, objetivar las actitudes,  deseos y respuesta al mundo fuera de la propia obra.

La servilleta es símbolo inmediato que pretende mediante la representación de experiencias propias, proyectarse y transcender  a experiencias ajenas.

La creación de una escultura, elaborada con servilletas en el espacio,  pone al descubierto significados ocultos, tanto en su estética, como en su contenido-concepto. Investigando sobre lo que se había escrito y dicho sobre ” La Metáfora “, encontré este pequeño texto y un vídeo, que me pareció bastante interesante introducir aquí:

” Una Metáfora es un puente a la realidad “:

En la vida diaria las metáforas son ubicuas, pero permanecen escondidas. Poseen la capacidad de ahormar nuestras emociones y nuestro pensamiento, desde el más cotidiano hasta el más técnico o político. ” Creemos estar expresándonos libremente y estamos diciendo lo que nuestra estructura lingüística y la multitud de metáforas que la habitan ( que nos habita )  nos obliga a decir. En la siguiente presentación de TED, James Geary nos habla de la vida secreta de las metáforas y de como el pensamiento metafórico dirige la invención y la creatividad. ” El arte de presentar, en defensa del uso metafórico “.

Espero que este breve texto y el vídeo os haya hecho pensar de cuanto estamos sometidos, la mayor parte de las veces sin saberlo, a la utilización de la metáfora en nuestra vida.

 

ESCULTURA contemporánea. obra realizada con chapa, papel, acero...

No haré aquí ninguna interpretación o similitud con el tema que nos ocupa, tan sólo quise citarlo, pues considero importante conocerlo y hacer una autoreflexión.Como decía arriba, el inconsciente es una cosa y ser consciente  es otra, ¡vosotros mismos!

 

 

Indagando sobre el término metáfora en el arte, encontré un texto de Natalia  González  Zaragoza, con el título; ” La metáfora en el arte y la publicidad “. Interesante estudio analítico sobre el término. Ahora me dispondré a ir citando  para analizar más tarde , bajo mi punto de vista, cuestiones que trata tanto ella como otros autores de los que ella saca a colación:

  • En principio sólo el arte de la palabra, hablada o escrita,puede usar la metáfora. ( Como veremos más adelante, no es cierto ).
  • Una metáfora escultórica, en principio no tiene mucho sentido, lo más próximo a la metáfora visual lo vemos en el surrealista Magritte.
  • De otro modo obtener una metáfora visual es, a través de la caricatura, por ejemplo, como forma de representación de “Churchill”, bajo los rasgos de un perro Bulldog.
  • Donde se desarrolla más este recurso icónico es sobre todo en el arte surrealista y en la imagen publicitaria.
  • La metáfora tanto verbal como escrita ha sido estudiada a fondo por investigadores como, Lakoff y Johnson, investigador norteamericano en lingüística cognitiva y esos estudios le han conducido a la teoría conceptual de la metáfora.  Según estos autores la metáfora es parte conceptual del sujeto y esto nos conduce a que el pensamiento humano es esencialmente metafórico. Lo expresan del modo siguiente:
  1. La metáfora,  no es sólo cuestión de lenguaje, es decir, sólo de palabras, por el contrario, los procesos de pensamiento humano son en gran medida metafóricos.
  2. Una metáfora visual para elaborarla es necesario que, dos elementos físicamente no componibles  estén ubicados en forma saliente  en una forma unificada espacialmente, según expresa Carroll.
  • Fordeville, matiza entre imágenes metafóricas y las que utilizan el símil:
  1. El símil se caracteriza porque permite yuxtaposición entre la imagen de la fuente y la imagen de llegada.
  2. La metáfora visual en cambio, permite una integración de la fuente y la imagen de llegada.
  • Phillips y Maquarrie se diferencian de los demás porque marcan, tajantemente, las diferencias entre la metáfora verbal y la visual, ofreciendo a la imagen manipulada criterios específicos que corresponden al mundo de la imagen. Estos autores provienen del campo de la publicidad y el uso de la metáfora en su trabajo, es esencial, pues su trabajo es captar la atención del público a través de imágenes sorprendentes e inusuales.

Adriana De La Rosa Alzate, en su estudio sobre; ” Las figuras retóricas visuales: Apuntes para explorar la metáfora visual “, elabora un trabajo  exhaustivo y argumentado sobre la cuestión ” Metáfora “, en el campo visual, pues antaño se pensaba que sólo tenía cabida en el campo de la palabra escrita o hablada.

La metáfora es,  en esencia, un despliegue de belleza y un desafío a la inteligencia, en palabras de Adriana.

Según cita Adriana, Ricoeur, define la Metáfora: El transporte a una cosa de un nombre  que designa a otra, transporte o del género a la especie o de la especie al género o de le especie a la especie, según relaciones de analogía…” el sentido tomado en préstamo se opone al sentido propio, es decir, que pertenece a título original a ciertas palabras, que se recurre a metáforas para cubrir un vacío semántico… ” ya que la metáfora lleva una información porque ella redescubre la realidad.

La metáfora conceptual, tiene como pioneros a las figuras de; Lakoff y Johnson, quienes piensan que es posible  apropiarse de la experiencia porque nuestra forma de pensar es metafórica.( Experiencia cotidiana ) y esta es la clave para dar cuenta adecuadamente a la comprensión. Como veis se ha prestado mucha atención y se ha estudiado e  investigado el concepto ” Metáfora “. No es de extrañar, pues como habéis podido comprobar por lo ya expuesto, la metáfora va intrínseco a la humanidad, es cotidiano y va ligado directamente al pensamiento humano. Podríamos decir,  es necesaria ” La Metáfora ” para una profundización en todos  los campos del  conocimiento.

La necesidad de la Metáfora en nuestras vidas. La metáfora está presente en lo más cotidiano aun sin ser conscientes de ello.

escultura Contemporánea, Ámbito Social, Educación

Escultura contemporánea, escultura realizada en colaboración con alumnos/as del Centro Educativo Carmen Sallés

 

“POÉTICA DE UNA SERVILLETA”, como Metáfora:

He hecho un recorrido sobre el término de Metáfora, autores que han investigado, elucubrado y filosofado sobre el significado y concepto de metáfora. Hemos visto el alcance, importancia y necesidad que la humanidad, de manera consciente o inconsciente, tiene del mismo. Por estos motivos y por haber tomado yo consciencia de la metáfora en la obra y proyecto artístico que estamos realizando, voy a intentar analizar y ver de que modo, ”  la Metáfora ” está presente en esta obra escultórica.

Comenzando desde el inicio, este trabajo o proyecto escultórico, parte ya de por si, de una metáfora. La utilización que se hace de los materiales y elementos, objetos que dan lugar a la obra; la chapa metálica en la que se apoya y sustenta el discurso plástico. Esta chapa, ha sido creada con carácter industrial, su finalidad inicial tiene su  destino en la industria. Utilizar esta materia, cuya composición, la aleación tienen su origen en la naturaleza, es volver al comienzo. La energía, no se destruye, se transforma. Robar este material a la industria, coger prestado al mundo natural para hacer uso propio y más tarde devolverlo, está implícito en la escultura y este acto es lo que hace la humanidad cotidianamente.Este significado se halla oculto en la obra, no es evidente, pues no se ve a simple vista, pero ineludiblemente, pertenece al objeto artístico.

Ocurre otro tanto con el objeto, servilleta de papel, su realización industrial, obtenida también de la naturaleza, a través de la celulosa, es robarle a la industria un objeto para darle otro uso ( artístico ), cuyo destino último será devolverlo a la propia naturaleza. La servilleta de papel, que encontramos en cualquier bar, cafetería… se creó para usar y tirar, así está en la cabeza de cualquier consumidor. Al utilizar este objeto como medio para hacer arte, le damos un valor que antes no tenía. La servilleta se ha visto trastocada en su función. A la vista, a la mente e incluso al oído, si somos capaces de escuchar el silencio, el significado se muestra bajo otra percepción del objeto.

La escultura no sólo se nos muestra con una estética, además está llena de contenidos que el público elabora con una intención, ésta,  el público sabe que su destino es una obra de arte. Ya, en este proceso se ha producido otra metáfora y es que, el público, el espectador, además es también artista.

La Servilleta, como sabéis, tiene unas limitaciones de formato, trabajamos con diferentes medidas, normalmente tiene unos 17×17 cm, pero depende del país, tiene unos u otros tamaños. La cuestión es meter un concepto,un contenido, en un espacio reducido. Sin darnos cuenta ésto, nos obliga a utilizar la metáfora, en todos los casos, para dar una mayor transcendencia a aquello que queremos describir, hacer alusión, plantear, preguntar, denunciar, cuestionar,…

Cuando miramos una escultura, tenemos una percepción de ésta. Puesto que lo que ve el ojo son servilletas, que se mueven en el espacio, que se tocan unas a otras, pero flotan, vuelan,  ondulan, dan apariencia de fragilidad, livianidad, la mente piensa esto, sin embargo, al tocarlas y comprobar su realidad física; pesan, son duras, están soldadas… se produce un choque que nos hace replantearnos  eso que vemos,  con eso que tocamos. En realidad existe un juego de contrarios, una inestabilidad emocional, una metáfora.

El proyecto artístico es un proceso, el objeto final es el resultado de éste, que comprende todo lo acontecido hasta llegar a la escultura, que no es otra cosa que el producto de una relación con la sociedad, un intercambio de ideas y conocimiento, una elaboración conceptual y artesanal. El espectador, ahora también artista, se involucra en la obra de arte, rompiendo las barreras entre público y obra de arte. El arte es una metáfora que cuenta lo que acontece en la sociedad actual. escultura contemporánea. el artista deja de ser único protagonista, dando paso a la sociedad que ahora es parte importante del objeto artístico

ESCULTURA CONTEMPORÁNEA: ” Pensamientos sobre un espacio particular “.

” Viaje al Palomar de la Breña “:

Como, una arquitectura puede contener elementos escultóricos:

Este fin de semana, Marta y yo hemos viajado y pernoctado en un hotel rural, El Palomar de la Breña.  Se encuentra situado en el  parque Natural de la Breña,  Cádiz  muy cerca de Barbate. Conocíamos alrededores de la zona, pero nunca habíamos visitado este Bellísimo  Paraje.

El Palomar de la Breña debe  su nombre  a un Palomar que se ubica dentro de este entorno  hotelero. Fue construido sobre 1700, se considera el palomar más grande del mundo, en su apogeo podía albergar unas 15000 palomas entre crías y adultas. Cuando Marta y yo lo descubrimos, nos quedamos impactados, tanto por su capacidad como por su arquitectura.

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 El hotel tiene  una arquitectura bella en su singularidad y sencillez que  conserva muy bien, aunque son evidentes  las restauraciones y adaptaciones que ha sufrido . Un sitio tranquilo y relajante, familiar e íntimo que  invita a la contemplación y meditación.

En realidad no quiero hacer una ruta de viaje, sólo poner en situación de lo que  a continuación escribiré acerca de la arquitectura  y  contenido escultórico que habitan este exuberante y singular palomar.

Cuando nos íbamos, coincidimos con otra pareja que se disponía a hacer lo mismo. Estaban  tan cerca,  que  pude escuchar el comentario que recibió el recepcionista sobre el palomar  por parte del hombre; ” Muy bonito el palomar, pero… un poco tétrico, ¿ No ?…” El recepcionista, persona  de cara seria, pero inteligente y amable, le respondió; ” ¡ Hombre!, depende de los ojos con que se miren. También puede ser ¡ Espiritual !, ¿No?… El hombre, dejó caer una sonrisa forzada y se marchó…

 

Este intercambio de opiniones, me dio que pensar…  y lógicamente, yo le doy la razón al recepcionista. No me pronuncié al respecto en ese momento, pero ese hecho,  me ha dado para  escribir lo siguiente:

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La belleza, fealdad, etc…  está en el ojo del que mira y lo dicho anteriormente es prueba de ello.

De niños,  mis hermanos y yo teníamos palomas, llegamos a tener más de 100 y lógicamente en un palomar que nosotros mismos construimos. Nos gustaba el Buchón Granaíno , así se llama a esa raza de paloma.

 El palomar de la Breña  con más de 5000 nidos y más de 400 m2, es un espacio arquitectónico único. Lo que el recepcionista dijo, espacio espiritual, es muy cierto. La distribución del palomar,  dispuesta  por hileras de pasillos en cuyos muros verticales, mediante oquedades redondas se incrustan los nidos,  de manera simétrica y equidistantes uno de otro. Los muros, con una altitud aproximada de 8 m, abiertos al cielo y con ese sentido de elevación.  Comunicados  estos pasillos, bien por ventanas elevadas, bien  por arcadas, éstas no muy altas, tanto que para pasar de un pasillo a otro   hay que hacerlo casi en cuclillas,  recuerda y bastante a la distribución de un cementerio, donde los nichos son sustituidos por estos nidos.

Tiene algo de sagrado, como restos arqueológicos, cada una de las oquedades-nidos, vacíos y ya sin vida, producen en nuestra imaginación un revoloteo de palomas que van y vienen para  dar de comer a sus crías. Se produce la misma sensación que cuando vemos unas ruinas  y podemos imaginarlas en plena ebullición y vida.

Esta gran arquitectura creada para ser habitada por pájaros,  hoy prácticamente deshabitada, salvo por 8 parejas de cernícalos y un par de parejas de palomas, se cierne como una gran escultura, donde su visión se hace desde dentro y no desde fuera  como es habitual. Las calidades, las texturas de sus muros están llenas de huellas que el tiempo ha ido depositando.

El vacío que provocan los nidos embutidos en la pared, evocan recuerdos del pasado que conducen a otro espacio, a otra dimensión cargada de misterio. Da la sensación de que esas oquedades  tragan a los pájaros hacia su interior y los llevan a ortos mundos, como si las aves hubiesen desaparecido, succionadas por éstas.

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Yo, que trabajo con el espacio, el lleno y el vacío, me conmuevo al mirar y sobre todo al imaginar esta gran escultura en su faceta habitada.

La escultura, con una estructura geométrica, no se hace aburrida, todo lo contrario, es cambiante y recorrer cada parte te invita ha descubrir la siguiente cual si se tratase de un laberinto. Si lo piensas, parece increíble cómo una arquitectura con una función tan específica y marcada se ha podido transformar en escultura.  

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Escultura Contemporánea: “Las Redes Sociales como Instrumento Artístico”.

” Manejo de las Redes Sociales en el Arte “

Hoy como siempre me encuentro trabajando en una escultura de esas que venimos haciendo  vosotros y yo.  En ésta, colabora otro artista, que dibuja de cojones , ( Mario ).  Mi ocupación  no sólo consiste en realizar la pieza en el taller, además requiere una labor de intercambio de ideas, realización de fotografía y vídeo, de explicar y dar a conocer lo que hacemos y el por qué lo hacemos. En definitiva,  una tarea que difiere bastante de la que venía produciendo.

Casi sin  darme cuenta, me veo enfrascado en una labor que hasta hace muy poco ni soñaba. El quehacer realizado en la soledad del taller y de manera individual, ha dado un giro de 350º. La vida y mi profesión como Artista hoy se parece más a la de un científico, cuyo laboratorio se encuentra en la calle y muy especialmente en un Ordenador. El  Arte que realizamos necesita de una investigación, de una renovación continua, de un estudio, de una dedicación permanente a lo que acontece en nuestra sociedad, estar en lo posible, pues resulta difícil, informado. Es decir estar en LAS REDES SOCIALES.

Una parte de la tarea que a nivel personal ocupa mi tiempo, es la lectura y ésta, casi siempre, la hago en el Ordenador. De las muchas lecturas que llenan mi tiempo, encontré una en el Blog de Nicola Mariani, ( Tiempo Dgital y control Social ). En este Post, curiosamente cita a Juan Martín Prada y su libro: ” PRÁCTICAS ARTÍSTICAS E INTERNET EN LA ÉPOCA DE LAS REDES SOCIALES “. Libro que me encuentro leyendo en estos momentos.
Javier Chozas, “El tiempo digital. Narciso Narcotizado”, 2014.

Como decía más arriba, el Artista se parece mucho a ese científico que no para nunca de investigar.

A veces el trabajo te lleva por derroteros insospechados, te adentras en campos de lo desconocido y tu curiosidad y pasión por lo que haces te impide parar, sin saber muy bien a donde te transporta. Con la investigación, al igual que el Científico, buscas esa luz, esa verdad que ilumine y sirva de guía en el camino. En el Arte resulta bastante complejo, ya que no existe la verdad absoluta, sino relativa. Sin embargo, con la investigación se produce un avance. Para que podáis entenderme; Yo trabajo mucho con la intuición, pero no soy consciente realmente de lo que hago, sencillamente lo siento y lo elaboro.

La utilización de Internet, Redes Sociales, La Web… empiezo a usarlas por necesidad y sin tener ni idea de su manejo, que poco a poco voy conociendo. Es curioso como una cosa te lleva a la otra y así sucesivamente. Me veo inmerso en un mundo desconocido, que a través de la investigación voy descubriendo y entendiendo. Con el estudio de libros como al que antes hacía referencia de Juan Martín Prada, tomo conciencia de lo que hoy Internet y las Redes Sociales significan y están presentes en EL ARTE. No quiero aquí profundizar y entrar a analizar este tema, ya que existe gente mucho más erudita y preparada que yo para hacerlo. Sólo tenéis que echar mano al ratón para descubrirlo, ja, ja…

El lenguaje del Arte  se ve ampliado muchísimo. Los soportes, las herramientas hoy para elaborar un discurso artístico son, no diré infinitas, pero, casi. Hoy la Escultura se puede  llevar a cabo en 3D, la  Pintura se puede realizar por Ordenador, es decir, los pigmentos se sustituyen por la luz, así por ejemplo realiza la Obra Koldo Etxebarria, del que os dejo un vídeo sacado de Youtube en una entrevista. En ella explica su trabajo y como hoy día está  más aceptado que hace 10 años,  el empleo de esta tecnología.


Como podéis apreciar las herramientas y su utilización en el Mundo del Arte, han cambiado mucho, no por eso los procedimientos técnicos de antaño dejan de ser válidos. Pero no cabe duda que los actuales son igualmente VÁLIDOS. Con este vídeo  trato de haceros ver, con un simple ejemplo lo que ocurre hoy en el Arte Actual.  La utilización del ordenador como instrumento y herramienta plástica abre un sinfín de posibilidades. Hay infinidad de maneras de organizar y utilizar Internet en el Campo del Arte. Por ejemplo y no quiero extenderme en esto, no es lo que persigo, en Animación, en Publicidad, en comunicación con los vídeos, etc…

Para eso os aconsejo que leáis el libro de Prada, seguro os abrirá la mente al respecto.

Haciendo alusión al Post publicado por Nicola, del que hablaba más arriba, ” El Tiempo Digital.  Narciso Narcotizado “, de Javier Chozas, donde pretendo ir a parar es de cómo y de qué manera yo, utilizo en un primer momento de forma inconsciente y después de manera consciente Internet y las Redes Sociales para elaborar un discurso Artístico en Un Proyecto que realizo con vosotros.

Hoy El Proyecto Artístico en el que trabajamos no sería igual de potente si no fuese por la utilización de Internet y las Redes Sociales. El empleo de estas herramientas agilizan y potencian el alcance del trabajo en el campo del Arte. Hoy, sin ir más lejos, he recibido una carta cargada de Servilletas. Estas Servilletas cargadas de mensajes son consecuencia de la utilización de la RED. A través de Linkedin el Proyecto se ha ido conociendo y gente, en principio anónima, se ha interesado y ha querido participar en él.

A través de Internet hemos conseguido la colaboración en un Máster de Educación Artística para  la Autónoma y Complutense de la Universidad de Madrid, Tanto el Proyecto Artístico en el Ámbito de la Educación como sus rectificaciones e intercambio de ideas y opiniones, se han realizado  a través de Internet como vehículo. Es cierto que para impartir la consecuente conferencia y explicación del Proyecto, nos desplazamos a Madrid. Las obras correspondientes a este Proyecto las realizo en mi Taller, con herramientas bastante más prosaicas que un Ordenador. También diré aquí que se podría explicar y dirigir la parte teórica y de talleres con Servilletas, mediante vídeo-conferencia.

No quisiera dar la impresión y haceros pensar que, El Arte Contemporáneo, por el hecho de serlo está Obligado a la utilización de las nuevas tecnologías como medio de expresión. Nada más lejos de mi pensamiento.

Ya en otros Post os he hablado del proceso de cambio que va intrínseco a la naturaleza humana. En el Arte ocurre exactamente igual, los cambios son producto de la evolución propia y natural del Arte. Me ha ocurrido en bastantes ocasiones, que público no ha querido o no ha sabido valorar una pieza artística, no propia, sino, de otro Artista, por el hecho de haber sido realizada con una herramienta no convencional. Me explico, ( un cuadro ), trabajado al óleo con pincel, la sociedad está preparada y habituada a comprender la técnica y procedimiento utilizado. Sencillamente esta manera de elaborar una Obra de Arte está muy arraigada en nuestra Sociedad y Cultura. Percibir en el cuadro los toques del pincel, su textura, el color con sus características propias: diluido, empastado, arrastrado… nos resultan familiares y reconocibles. No ocurre lo mismo cuando por ejemplo, vemos un cuadro que ha sido creado mediante un Ordenador. El color está tratado con la  “aparente ” impersonalidad que te da una máquina. ERROR. Sencillamente queremos encontrar aquello a lo que nuestra mente está habituada. Como todo, necesita TIEMPO. Un lenguaje nuevo necesita de la costumbre que te da el tiempo y el hábito. Considero razonable la adaptación a estos cambios, sin embargo, creo un verdadero error la negación de los mismos.

Volviendo a Narciso, je, je… En mi quehacer artístico me interesan tanto las herramientas tecnológicas actuales, como las tradicionales. Quizás por mi trayectoria profesional, quizás por Romanticismo, quizás en estos momentos por necesidad. No lo sé, ni me importa, lo que si sé es que me encuentro cómodo trabajando con mis manos; creando con la mente y realizando con mi cuerpo, la unión de cuerpo y mente, que por otra parte considero vital y necesario, al menos en este momento. Mañana, ya veremos… 

escultura contemporánea. el artista deja de ser único protagonista, dando paso a la sociedad que ahora es parte importante del objeto artístico

 

Os dejo esta Obra: ” ADOLESCENCIA, Homenaje a Gabriel García Márquez “. Realizada en colaboración con l@s  niñ@s del Centro Educativo Carmen Sallé. Aquí se han utilizado herramientas modernas  como Internet y herramientas tradicionales como ; chapa forjada y soldada… CREO QUE EL EQUILIBRIO TE DA ARMONÍA.

ESCULTURA CONTEMPORÁNEA: Introducción a la obra, “Adolescencia “

Introducción sobre un proyecto artístico.

” Adolescencia “.

Nos encontramos trabajando en un proyecto artístico, en el ámbito de la educación, no cabe duda que trabajar con niños enriquece y mucho, nos hacen volver de nuevo a esa niñez que quedó, no tan lejos, ja, ja…

El arte como conocimiento encajaría bastante bien en este proyecto, no como conocimiento a través de una ciencia, que también, sino como otro conocimiento, otra manera de acercarse al conocer, otra sensibilidad a la hora de mirar.

Emprendo, emprendemos un nuevo camino y hablo en plural, pues no voy yo sólo en este barco, de eso se trata, el objeto artístico no sigue un discurso plástico de manera individual. Ahora la obra de arte es realizada por la sociedad, en este caso, niños/as de primero de la eso juntos conmigo.

La obra de arte deja de hablar sobre si misma, dando paso a la sociedad.

Con este trabajo, junto con muchos otros elaborados ya y otros que haremos, ya en mente, la obra de arte se convierte no sólo en una cuestión estética. El público en su diversidad y en sus muchos ámbitos sociales cobra protagonismo, siendo artífice y coautor del objeto artístico

La escultura como obra de arte es compleja y esa complejidad, está llena de iconos, significados estéticos y en muchos casos literarios, aunque encontrándose dentro de la escultura cobran otra dimensión, no tan literaria. Podríamos hablar de una semiología del arte, como se cuenta en el libro; Teorías del arte, de Estela Ocampo y Martí Perán, pero no quiero yo entrar en estos menesteres , pues no soy quien.

Aunque pueda no tener conexión alguna esto que estoy contando, si que la tiene, en definitiva os expongo los motivos que me llevan  a la elaboración de un discurso plástico con un proyecto que cuenta como pilares importantes del mismo con la colaboración del público, espectador, en la creación de una obra de arte.

En este caso concreto el ámbito social elegido es la educación, considero importante empezar y dedicarle tiempo y trabajo a este ámbito, pues aquí es donde comienza y se fragua la sociedad del futuro, depende en gran medida y es responsabilidad nuestra mimar y cuidar a nuestros peques con una buena educación. El arte debe prestar atención y tiempo  a la formación en  el desarrollo del niño.

El arte es conocimiento y como tal debe estudiarse y conocerse desde la niñez.

Con este proyecto dedicado al niño/a, pretendemos acercarlos/as al mundo del arte, puesto que he trabajado con ellos puedo decir de primera mano, la alegría de saberse parte de una obra de arte. Es evidente que cuando se explica y se implica a los/as niños/as, se produce una atención y un interés por aquello que desconocen.  

Como decía antes, el arte es conocimiento. La escultura ya no habla del conocimiento sobre algo que únicamente siente y piensa el artista, se amplía ese conocimiento por lo que piensa o como sienten sobre  cuestiones diversas el resto de la sociedad. No cabe duda que los conceptos o contenidos de la obra se enriquecen.

En esta cuestión cabe pensar que la escultura será un pu purrí sin conexión alguna. A los que piensan esto, decirle, nada más lejos de la realidad. Como decía antes, el público, elabora el objeto artístico junto conmigo, soy yo quien le otorga esa unidad plástica y estética a esos contenidos que el público realiza. El discurso artístico no sólo es una cuestión estética, también conceptual, llena de pensamientos, dibujos, ideas, poesías … y un largo etc, creada por la sociedad.

Sin duda conforme vamos avanzando, soy consciente de la riqueza en matices que va cobrando el proyecto artístico y por consiguiente la obra de arte.

Con este trabajo que estamos llevando a cabo, me percato de la dimensión que toma la obra de arte. Ya no es un mero objeto estético, está plagada de contenidos, de información, de huellas trabajadas por el público que deja su impronta y sentir.  Ésto no hace sino mostrarnos experiencias nuevas sobre algo que conocíamos o no, pero que sin duda amplia nuestra perspectiva sobre dicho conocimiento.

Todos nosotros tenemos una idea previa ante el concepto de Adolescencia pero sin duda el conocer de primera mano lo que piensan o sienten los adolescentes en este momento y no lo que nosotros sentíamos o pensábamos cuando lo éramos, nos enriquece y amplia nuestro conocimiento al respecto.

Todo este conocimiento es información. La escultura tiene múltiples lecturas, no basta con mirar, hay que leer, hay que sentir, hay que escuchar, hay que intentar comprender, hay que respetar…

Como medio de expresión ante lo expuesto, una servilleta de papel que encontramos en cualquier Bar, Restaurante, Cafetería… es el vehículo que utilizamos para la elaboración de la obra de arte. La elección de este objeto no es casual; esta servilleta de papel fino, en principio no tiene valor, la gente las usa y las tira sin más, no es relevante  en si misma, sin embargo en el momento que escribimos , dibujamos… en ella, la percibimos de manera distinta, cobra una utilidad para la que no fue concebida. Además, en el instante  que es rescatada y utilizada para hacer arte,  toma otra dimensión. Deja de ser una simple servilleta y pasa a ser un objeto artístico. Yo las manipulo estéticamente, las muevo y juego con ellas en el espacio, hago una escultura. Esta alteración, sacarla de contexto, hace en el espectador que su mirada, la percepción del objeto artístico sea otra. No la percibe como servilletas sin más, ahora el objeto servilleta tiene nueva lectura, existe un discurso plástico en ella, con una estética  y un contenido, concepto, que la hace única, singular.

Escultura Contemporánea, Ámbito Social, Educación


 

 

Escultura Contemporánea: ¡ ADOLESCENCIA !

                        POÉTICA DE UNA SERVILLETA:

                          ¡ ADOLESCENCIA !

 Hemos conseguido un paso más en este proyecto artístico que estamos llevando a cabo Marta, distintos ámbitos sociales y yo.

Con la colaboración del  Centro Educativo  Carmen Sallés, y en su representación con su directora Pilar…, profesoras Piedad…, p…., Arancha…, alumnos/as de primero de secundaria, hemos elaborado un discurso artístico, donde un ciclo de dos charlas (conferencias) y unos talleres con los alumnos/as, junto con la realización de una obra plástica, fruto de esos eventos, han hecho posible el desarrollo y complicidad  del arte con la sociedad. Me siento, nos sentimos muy ilusionados al comprobar como es posible y gratificante este acercamiento e implicación del arte con la sociedad.

 En este caso el ámbito social que ha colaborado en el proyecto ha sido la educación, podemos decir sin miedo a equivocarnos, que cuando se cuentan las cosas se haya respuesta.

No ha sido un proyecto fácil, hemos tenido que explicarlo, documentarlo y hallar respuesta por parte del centro educativo , la verdad que cuando  traté con las personas responsables del centro, su directora la srta Pilar y la srta Piedad, tutora de los alumnos de secundaria, todo fue implicarse y colaborar, desde aquí quiero agradecer en primera persona, su predisposición y su buen hacer.

El tema escogido por el centro fue; – Cambios físicos y psicológicos en la adolescencia. Fue  la srta Arancha, profesora y psicóloga del centro quien se hizo responsable de la charla , explicando e implicando a los alumnos sobre el asunto en cuestión. Yo asistí a esa conferencia,  fue enriquecedora y muy positiva a los alumnos/as e incluso a mí mismo por la manera como fue expuesta.

Posteriormente yo le di otra charla a los alumnos/as, primero intenté saber qué entendían ellos por escultura, por arte. Después traté de  acercarlos  a qué es, qué significa y el por qué del arte.  Como el arte cambia, evoluciona según pasan las épocas, según cambian también las sociedades  en las  que fue hecho… toda esta introducción para ponerles en situación, hacerles comprender primero e involucrarlos después.  Explicarles  el proyecto y hacerles ver que son parte de algo, su participación es importante y cuenta . El arte, la obra de arte se va a realizar de manera conjunta y no sólo la elabora el artista, sino que los contenidos, conceptos, serán fruto de su cosecha.

 Y con este proyecto, no sólo se pretende la elaboración de un objeto artístico, sino que todo el proceso es parte importante del mismo. 

Espero que con los vídeos que acompañan os podáis hacer una idea de lo que aconteció para la realización de este proyecto y la elaboración del  objeto artístico llevado a cabo.

Creo importante haber descrito desde su inicio como se desarrollaron  estos primeros contactos, su aprobación y su posterior realización  del proyecto. Todo forma parte de un todo y todo interviene en la obra final.

La elaboración de los talleres, ( contenidos de la obra escultórica ), y realización de la escultura lo veremos en orto post. A éste lo acompañarán vídeos, haciendo más entendible lo escrito. Un abrazo y hasta pronto.

   

Escultura Contemporánea: ” Arte Conceptual “

 Entender de manera sencilla que es Arte Conceptual.

Es cierto y hablo por experiencia, que muchas veces los términos, su definición y explicación de manera muy técnica, no hace más que alejar al público en vez de acercarlo. Pretendo explicar de manera clara y sencilla que es arte conceptual y como ha evolucionado este término en el mundo del arte.

Aunque el término arte  conceptual aparece en los años 60, su precursor fue Marcel Duchamp. Con su famosa obra: La  Fuente, más conocida como el Urinario

De manera rápida, el conceptualismo en arte lo podríamos definir como;   movimiento artístico en el que las ideas son un elemento más importante que el objeto o su representación física. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. Varios autores hablan del arte contemporáneo como un arte post-conceptual. A continuación en este vídeo podéis  ver una breve historia del arte conceptual.

Cuando miramos una obra, por ejemplo de, Marcel  Duchamp, el Urinario, no podemos pretender ver en ella la belleza de una escultura al uso tradicional. No podemos mirarla igual que miramos ” El Moisés ” DE  Miguel Angel. Esto que digo parece obvio, sin embargo es la causa de que el arte conceptual no sea comprendido y por consiguiente nos lleve a pensar que es una tomadura de pelo. El arte evoluciona, cambia igual que lo hace la sociedad, no es capricho es una cuestión de necesidad. El hombre con la ciencia investiga, encuentra nuevas vías que le llevan por caminos que hasta ese momento estaban inexplorados. La humanidad en su afán por resolver cuestiones, problemas que la propia existencia le plantea, busca nuevas rutas, nuevos desafíos, con la intención casi siempre de vivir en un mundo mejor.

 Esta búsqueda no es caprichosa, sencillamente va intrínseca al hombre, unida a él como especie humana que és. Seguro os preguntáis para qué cojones nos suelta este rollo. Ahora entenderéis el ¿ Por qué ? El Arte no sólo es estética, es decir,  ¡ decora mi casa y queda muy bonito en la pared o en la estantería ! NO, el Arte además y sobretodo es  conocimiento.  SÍ, el arte es una de las maneras sensibles que tiene la humanidad de conocer el mundo que le rodea, a través de su percepción el artista nos cuenta cosas que suceden o sucederán en la sociedad en la que vive, es otra manera de mirar el mundo. El artista capta sensaciones, que evidentemente no son explicables con palabras. Por eso usa otro lenguaje, que es el arte, en sus distintas manifestaciones; Música, Pintura, Escultura, Danza, Dibujo, Cine, Teatro, Literatura, Arquitectura,…

El artista es reflejo de la sociedad en la que vive y nos habla de dicha sociedad. Como dijimos antes, el hombre y la sociedad cambian, evolucionan por lo tanto, puesto que el artista va unido a la sociedad, es lógico que también evolucione el arte. En el siglo xv se hacía un arte con más o menos unas características, dependiendo del lugar donde se realizaba, pero con unas connotaciones acordes a su época. Hoy después de 6 siglos sería un retraso espectacular que se hiciera un arte con las características de antaño. Es curioso que podamos entender esa evolución social respecto a lo cotidiano, nadie pondrá en duda que viajar en avión tiene más ventajas que hacerlo a caballo. Las cuevas de Altamira, La capilla Sixtina, Las Meninas, EL Pensador… son símbolos en arte que tenemos muy arraigados y por consiguiente creemos entenderlos y comprenderlos. La figuración, el arte representativo lleva siglos con nosotros, es parte de nuestra historia y de nuestra vida. Con la aparición de la fotografía, 1839, la pintura representativa se ve atacada y de alguna manera pierde un poco su sentido.

Es por este motivo la aparición de nuevos -ismos- sobretodo en pintura. Expresionismo, Impresionismo, Cubismo, Arte Abstracto,… Arte Conceptual

Puesto que la fotografía  es capaz de representar la naturaleza de manera más fiel que la propia pintura, la pintura busca otras formas de expresión. Estos movimientos no son capricho, sólo responden a los cambios que se producen en la sociedad y de manera vertiginosa. En estos momentos el arte evoluciona y tiene cambios muy significativos y rápidos, si lo comparamos con otras épocas.  Aunque el arte conceptual tiene su aparición de manera más significativa en los años 60, Marcel Duchamp es su precursor con la famosa obra del urinario. Con los ready-made que consistía  simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario (La fuente, 1917) o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Es decir, no pretende crear belleza con la representación del objeto en si mismo, sino, lo que valora y le da importancia al objeto de arte, es la idea, la representación del objeto sólo es argumento para manifestar una idea. Para entendernos, RODÍN con su Pensador pretende contarnos algo con  su escultura, es decir, la escultura es lo importante del objeto artístico.  Duchamp, con su portabotella, nos lanza una idea, un concepto, a través del objeto, es decir, el objeto es simple excusa , lo importante es la idea, no el objeto.  Para comprender el arte conceptual, tenemos que liberar nuestra mente, mirar el objeto no en su forma, sino en su significado. Ésto es importante para valorar el arte conceptual en su justa medida, no atribuirle otros valores mas que los que tiene.

Ahora pondré unos ejemplos con fotografías de arte conceptual y espero que entendáis con vuestra mirada lo que he intentado explicaros.

Obra conceptual

Obra Conceptual

RTE cONCEPTUAL

El arte conceptual surge a mitad de los 60,  en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. También  el arte conceptual surge como protesta al capitalismo, la comercialización del arte por un mercado cargado de valores económicos más que artísticos. Los medios más empleados en el arte conceptual son el texto, la fotografía, la performance y el vídeo. Como podéis apreciar por los medios que utilizan, no es la forma evidentemente lo que interesa a este arte. No quiero aquí hacer una recopilación y  un discurso sobre arte conceptual, para eso hay libros especializados y además he dejado enlaces donde podéis ampliar la visión sobre este arte.

Pretendo acercaros de manera sencilla a lo que es y persigue el arte conceptual. En definitiva enfrentarse a este tipo de manifestación artística con una mirada nueva y limpia de perjuicios.

Llegados a este punto, donde creo haberos aclarado algo sobre el conceptual, vamos a ver como el conceptualismo influye en el Arte que se viene haciendo desde entonces hasta nuestros días.

En todas las épocas el arte siempre ha tenido una parte de conceptual, es decir, en toda obra de Arte existe una estética y un concepto. Los fusilamientos del 2 de Mayo de GOYA, por una parte nos transmiten una idea plástica, estética de como el artista plasma una escena de la  guerra , desgarradora y veraz. Por otra parte estaría el concepto, la idea; política, social, incluso económica del momento en que la realiza, la cual es expresada a través del cuadro. No quiero profundizar más, pues corro el riesgo de complicar, cosa que no quiero. Tenemos esos dos términos en la obra: Estética y Concepto que creo están claros. 

Con el conceptualismo se toma más conciencia de esa parte conceptual o de la idea de la obra de arte. Hoy podemos ver esa fuerte carga conceptual en el arte contemporáneo, se hace muy evidente, incluso en obras con factura figurativa. Donde quiero llegar es a que podáis ver como este movimiento artístico ha influido, a mi juicio muy positivamente,  en el arte actual. Si paseamos por un museo de arte contemporáneo, por una galería de arte moderno que exponga trabajos de artistas actuales y estudiáis no sólo la estética, sino, el significado, la idea que trasmite  la obra, comprenderéis la carga conceptual que hay detrás, o  no tan detrás del trabajo en cuestión.

Mi deseo con este post es el de crearos una nueva mirada hacia la obra de arte.

Cuando tengáis la oportunidad, por ejemplo,  de contemplar una obra de Antoni Tapies, aquí os dejo dos, no miréis solo en  su forma estética, mirad lo que persigue, la idea que hay detrás de lo representado. Si leéis algo sobre su obra y su vida os ayudará.

Antoni TAPIES prints_580_3872-660x435

En el trabajo, proyecto artístico que venimos realizando con Sevilletas, ocurre ésto. La obra no sólo responde a planteamientos estéticos;  ritmos, espacios, lo lleno, lo vacío, el claro-oscuro, la forma y volumen, la sugerencia y un largo etc… tiene implícita una idea, un contenido, un concepto. Para empezar, elegimos como objeto de expresión; Una Servilleta De Papel Fino, objeto cotidiano que todo el mundo conoce y sin valor en si misma. Este objeto sin valor, vamos a transformarlo en objeto artístico, mediante una metamorfosis. La servilleta que fue fabricada industrialmente  para usar y tirar, mediante vuestros escritos y dibujos cobra otro significado, cambiamos su uso inicial. Ya le hemos aportado un valor que no tenía antes. Ahora con ese valor añadido hago una escultura cuya intención es convertirla en obra de arte . El espectador al contemplar la obra, no ve en ella simples Servilletas, ve una obra de arte con unos contenidos reales que vosotros habéis elaborado. Vosotros sois parte directa del objeto artístico, por tanto coautores de la obra. Aquí ha ocurrido algo y es que la obra de arte ya no la hace el artista individualmente, por el contrario la sociedad participa activa y directamente en el objeto artístico.

Los conceptos, las ideas reales del objeto artístico no son del artista es la sociedad quien las realiza.

Lo que persigo con esta manera de hacer arte, es dar voz a la  sociedad en sus distintos ámbitos. Implicar al público en la elaboración de la pieza artística, de alguna manera es hacerle sentir que le importa al arte, sus pensamientos, ideas, sentimiento…

Escultura Contemporánea: Obra realizada con poesía en papel sobre chapa forjada.

Acercar el arte al público, inculcar conocimiento que el mismo elabora, proponer un debate con un discurso artístico y plástico

La obra que venimos realizando está cargada de matices, de sugerencias y llena de metáforas. Los pensamientos son cambiantes, lo que pensamos hoy de aquí a unos años será distinto y eso es condición humana, de ahí que el hombre haya evolucionado y llegado hasta aquí. A veces en una obra de arte hay cosas que se nos escapan, matices que dan carácter y singularidad. La idea de cambio en el pensamiento, la materializo con el movimiento que le doy a la chapa que soporta cada servilleta de papel. Los pensamientos e ideas escritas en las servilletas son únicas y personales, de ahí que cada chapa esté trabajada individualmente y sea diferente en su forma, no existen dos iguales.

La Servilleta hecha escultura parece flotar en el espacio, parece ingrávida y frágil. Esta apariencia es una percepción visual, la realidad física del objeto, es otra bien distinta, la chapa que soporta a la servilleta es dura, rígida, pesada. Existe un juego plástico con dos conceptos contrarios. Por un lado lo frágil, por otro lado, el concepto opuesto, lo fuerte. La escultura tiene vida propia, como dijo Francis Dumont sobre estas esculturas, cual palomas que revolotean en el espacio sideral.

Podría seguir hablando sobre esta escultura realizada con servilletas, cargada de metáforas y conceptos, pero no es esa la cuestión. Está claro que sale a relucir los trabajos que realizamos con servilletas, lo siento, sin darme cuenta mi pasión por el proyecto  aflora. La cuestión es que podáis establecer una relación de un determinado -ismo- , como es este ( conceptualismo ) con maneras de hacer y entender el arte que se hace hoy. Es decir, el arte de hoy es producto del arte del pasado. Seguramente yo no le daría a nuestras esculturas tanta carga conceptual de manera consciente, si no hubiese existido antes el conceptualismo. En las obras que realizamos hemos visto como coexisten los términos de Estética y el término Concepto. Cuando miramos estas esculturas tenemos que tener presente estos dos términos, ligados ambos y necesarios. La percepción será mucho más rica al poner en práctica todo lo dicho, ser conscientes con lo que percibimos entraña conocimiento y ese conocimiento nos da mayor satisfacción  a nuestra percepción .

Espero haberos sido útil en el conocimiento y en la comprensión de lo que es y significa el término conceptual en ARTE.

ESCULTURA contemporánea. obra realizada con chapa, papel, acero...

ESCULTURA CONTEMPORÁNEA: ” Sueños sobre Escultura que Vuela “

Escultura Soñada, ¿ Escultura Posible ?

Siempre me encuentro meditando, procesando, intento rescatar del pensamiento esa escultura soñada, esa escultura posible sólo en mi mente.

He terminado un libro que seguro conocéis, aunque también casi seguro que muy pocos habéis  leído. Os lo recomiendo: “ Las Ciudades Invisibles “, de Italo Calvino. Éste libro maravilloso e increíble, lleno de imaginación y utopía, ha dejado en mi una huella que creo me acompañará muchos años.

El mundo se construye poco a poco y siempre de imposibles, que, poco a poco se hacen posibles. Siempre oí hablar de este libro, no sé por qué, nunca me decidí a leerlo.

En él  podemos vislumbrar ciudades soñadas, ciudades imposibles, ciudades terribles, ciudades fantásticas... de alguna manera , creo que le hace una dura crítica a la ciudad contemporánea, con sus virtudes y defectos. En este vídeo que pongo a continuación, sacado de Youtoube ,  entenderéis lo que os digo.

En las esculturas en las que trabajamos, ya sabéis, vosotros y yo, busco lo liviano, incluso lo frágil, quitar la apariencia del peso físico real, pues en la mayoría de ellas empleo un material duro y pesado como es la chapa.

Quiero conseguir que la escultura flote en el espacio, como en las ciudades que describe Marco Polo. Habla de ciudades como una gran tela de araña que flota entre colinas. Algo de esto he realizado ya con las obras; En la Barra de aquel Bar, nº 1 y nº 2, hilos de nailon que sostienen en el espacio vuestras servilletas, llenas de mensajes, que quieren traspasar el propio espacio que las contienen. Esculturas llenas de metáforas que circulan por el aire, sin rumbo fijo, se presentan al  espectador,  como aves que revolotean intentando llamar la atención del que mira. Pretenden ser leídas y escuchadas en toda su forma y contenido, pretenden un silencio que lleve a la reflexión, al pensamiento… al conocimiento.

Escultura Contemporánea - En La Barra De Aquel Bar - ObraNº1 - Augusto Moreno

 

Sí, el arte es también conocimiento, conocimiento del mundo a través de formas nuevas, formas diferentes, pensamientos individuales y pensamientos globales.

La escultura que sueño, es esa que tiene la habilidad de contar lo que la sociedad piensa; sus anhelos, sus necesidades, sus inquietudes, sus penas, sus alegrías, sus injusticias, sus faltas, sus pobrezas, sus proezas,  sus corrupciones, sus ataques, sus violencias, sus degeneraciones, sus risas, sus bromas,…

Una escultura con un gran contenido social, la voz del pueblo, realizado por el pueblo. La escultura como arte, debe hablar sobre el momento que le ha tocado vivir, de alguna manera cronista de su época, legado para la posteridad, de una sociedad que tiene como finalidad el ser mejor consigo misma y con los demás.

escultura Contemporánea, Ámbito Social, Educación

Escultura contemporánea, escultura realizada en colaboración con alumnos/as del Centro Educativo Carmen Sallés

 

Las cosas hay que contarlas y de eso hablan nuestras esculturas, el como contarlas es lo que me quita el sueño. Y eso ocupa un lugar importante en mi vida.

Los pensamientos al igual que el arte no son estáticos, cambian igual que cambia el aire que respiramos, la comida que tomamos, el agua que bebemos. No hay dos iguales, cada uno es diferente, individual igual que las personas, pueden ser parecidos pero con matices diferentes.

 El pensamiento es algo abstracto, algo que fluye en el ambiente pero que no tiene una forma, un color, una densidad, no tiene materia. Cuando hablamos o escribimos   una idea, lo que hacemos es concretar, explicar para dar forma a esa abstracción y hacernos comprender.

A la escultura que sueño, que pienso, le ocurre un poco ésto. Está en mi cabeza, en todo mi cuerpo, puedo visualizarla y sentirla dentro de mi, sin embargo, cuando me dispongo a plasmarla en tres dimensiones, se desparrama, se me escapa. Soñarla es maravilloso, ejecutarla es una lucha continua contra la gravedad.

En la parte  artística que a mi me toca, la parte física, estética-conceptual de la escultura, trabajo con contrarios, es decir, por un lado lo visualmente directo, nos produce una sensación de fragilidad, livianidad, etéreo . Lo que vemos son las Servilletas que se mueven , ondulan en el espacio, flotan cual si se tratasen de palomas que vuelan en estampida. Por otro lado se encuentra la parte física y real de la obra, el soporte que contienen las metáforas escritas en las  servilletas es duro, pesado, realizado con chapa metálica forjada y soldada. Al tocar la obra nos percatamos de esta contradicción, produciendo en el espectador una percepción extraña. Me interesa este doble juego pues provoca en el público  un interés insospechado, cuya finalidad es llamar más su atención sobre lo que tiene delante.

ESCULTURA CONTEMPORÁNEA: Proceso de fundición en bronce.

Fundición de una escultura en bronce:

CONCLUSIONES.

Hemos hecho un recorrido por el proceso de fundición de una escultura ,( retrato), analizando y explicando los pasos a seguir de manera ordenada. Espero haberme explicado con lucidez y claridad, pues el propósito no era otro que el de acercaros al mundo de la escultura, concretamente,  una escultura en bronce.

Como habéis podido observar en los distintos post, la obra en bronce es el resultado de una laboriosa cadena de procesos, cada uno de los cuales muy importantes en si mismo y dependiente del anterior.

Cuando comentaba sobre el modelado, podíais ver a través de las fotografías expuestas la necesidad de una estructura previa para que aguantase el peso del barro, ésto es trasladable a cualquier tipo de escultura de mayor tamaño.

Una vez finalizado el modelado, nos adentrábamos en el proceso de molde. Si os acordáis os hacía hincapié en la importancia de este momento, pues dependiendo de este molde, su buen hacer, dependería el obtener una buena reproducción en cera.

Por último llegaba el momento de fundición y repasado de la pieza, también otro momento crítico en el desarrollo del proceso.

A los profanos en la materia seguro habrá sorprendido la laboriosidad, paciencia y dificultad técnica que se esconde detrás de una obra realizada con este material.

Dar a conocer, desvelar los secretos  y explicar el proceso de fundición de una escultura realizada en bronce, es acercaros a un mundo mágico.

Aunque os pueda parecer extraño o chocante, es cierto que tiene algo de misterio y magia. Con la fundición se pueden obtener más de una reproducción de una misma pieza, pero nunca saldrán dos iguales. Cada pieza hay que trabajarla y mimarla individualmente, una a una, con lo cual su manipulación se hace singular y única.

El desconocimiento generalizado sobre este proceso conduce inevitablemente a despojarlo del valor  que merece y eso me parece bastante injusto. Hoy día se tiende a no valorar a los oficios, la mano de obra no vale mucho. El arte es lo importante y no la técnica. El resultado, el fin es lo que importa y no el medio.

Escultura Contemporánea. Retrato en Bronce

Yo quizás por romanticismo, no sé, me preocupo y doy valor a todo el proceso. El amar lo que se hace y cómo se hace nos hace más humanos, más conscientes.

Cuando se conoce algo y se comprueba de primera mano su dificultad y trabajo necesario para llevarlo a cabo, comprendemos y miramos de forma diferente, dejamos la indiferencia y nos sentimos cercanos, incluso amamos de forma nueva.

Mi propósito es  que podáis sentir en vuestro interior ese trabajo, esfuerzo y dedicación que esconde aquello que miráis.   

 El arte, que considero tan necesario en la vida de los seres humanos, es un medio de conocimiento, de sensibilización hacia lo que nos rodea, nuestra sociedad, la naturaleza y el resto de la humanidad. Aprender, conocer todo aquello que está a nuestro alcance, es una obligación personal  que seguro nos hace más humanos.

Escultura Contemporánea: Retrato en Bronce

Deseo que os haya servido de ayuda y conocimiento las explicaciones de estos post sobre una escultura en bronce. Que cuando visualicéis una escultura, no sólo os quedéis con su forma y estética , sino que seáis capaces de valorar y analizar aquello que no se ve, pero que está.

Vovemos en Septiembre.

Un abrazo fuerte a tod@s.

Escultura Contemporánea: “Retrato para la web, Fundición en Bronce”.

         Escultura Contemporánea:

” FUNDICIÓN EN BRONCE A LA CERA PERDIDA” :

 Ya tenemos la cera repasada y bien acabada. Procedemos a echarle un macho, es decir, rellenar el interior de la escultura con material, cha-mota, que aguanta alta temperatura y el impacto del bronce al entrar en contacto.

Una vez endurecida la chamota, procedemos a revestir la escultura de material refractario, como el revestimiento que al igual que el macho aguanta alta temperatura y el impacto del bronce. En definitiva hemos vuelto a echar otro molde, esta vez al retrato en cera.

   Este molde de material refractario habrá que meterlo en una mufla donde alcanzará una temperatura de unos 850º aproximadamente, el, los motivos; se derrita la cera cuyo lugar ocupará el bronce , pierda toda la humedad  y coja dureza y fuerza ,      de tal forma que al verter el bronce no tenga nada de humedad y aguante su choque sin romperse. La subida de la mufla será gradual y de manera lenta para no rajar el molde , su duración dependerá de la cantidad de moldes que entren en la mufla, como mínimo unas 24 h.

   Una vez pasado este tiempo, se deja bajar un poco y lentamente la temperatura de la mufla, depende del grueso del modelo será más o menos elevada .

Y señoras y señores llega el momento de la tan esperada fundición,, ¡ ssuueerrttee!. En un horno de fundición se introducen los lingotes de bronce  fundiéndose a unos 900º- 1000º.

Sacamos el molde de la mufla y vertemos el bronce en él. Habrá que esperar otras 24 h antes de abrirlo, si nos precipitamos, el bronce puede rajarse.

  Abrimos y comienza, ¡ si todo ha ido bien!, el repasado, soldado, acabado y por último patinado de la pieza.

    Espero que con los vídeos y esta breve explicación os hayáis hecho una idea de este proceso complejo y laborioso.

De ahora en adelante seguro que al mirar y ver cualquier pieza realizada en este material la valorareis de forma diferente.

Escultura Contemporánea. Retrato en Bronce

PD:  La Fundición de esta escultura se está llevando a cabo en ; ” FUNDICIÓN ARTE EN BRONCE MS ( Atarfe)

Escultura Contemporánea: Retrato en Bronce

Escultura Contemporánea:”Retrato, procedimiento molde”

                     Escultura Contemporánea:

” MOLDE O VACIADO DELA CABEZA EN BARRO” :

     Continuando donde lo dejamos, ya tenemos el retrato terminado en barro.  Ahora necesitamos un material que tenga la cualidad de ser muy fiel al modelo, que pueda estar en estado sólido, líquido e incluso gaseoso, se volatilice. Este material es la cera,  existen gran variedad en el mercado, nosotros usaremos la cera roja que tiene las propiedades de ser muy maleable y dócil, idónea para este menester.

En este proceso nos ayudaremos de un vídeo, seguro se entenderá mejor que las palabras.

Hoy con la silicona se ha simplificado mucho, con lo cual para el retrato habrá que dividir el busto sólo en dos mitades, de manera que tenga salida. Tener salida quiere decir que no rompamos la cabeza a la hora de retirar el molde por que se produzcan agarres.

Una vez hemos dividido la cabeza, pintamos a brocha las dos partes con silicona, dando un grueso más o menos homogéneo, unos tres mm aproximadamente, existirán zonas con algo más, para evitar agarres.

Ya fraguada, endurecida la silicona hay  que hacer una madreforma que será la que aguante a  ésta, pues la silicona es goma y como tal al sacarla del molde necesitará algo donde acoplarse. Esta madreforma la realizaremos de escayola y aquí si que habrá que sacar varias piezas para evitar los agarres de los que hablábamos antes.

Hemos hecho las madreformas oportunas y la escayola fraguó, ahora hay que abrir y limpiar el molde.

   Lo que procede es obtener una copia del molde en cera. Para esto se le da a cada parte del molde una mano de cera liquida a pincel o brocha. Una vez dada esta primera capa de cera , habiéndose enfriado ésta y por consiguiente estando bien sólida, se le da otras dos o tres para darle cierto grueso , unos cuatro o cinco mm. Es importante que sean homogéneos para la buena circulación que con posteridad tendrá el  bronce.

Ahora hay que cerrar las dos partes del molde con la cera ya bañada, y verter cera líquida para unir bien una parte con la otra.

Estando la cera bien fría,abrimos el molde y nos disponemos a repasar otra vez la cabeza ya en cera, pues siempre quedan imperfecciones y fallos.

Otro día seguimos con el proceso de fundición…   Este molde lo ha realizado:  BALBINO MONTIANO, Escultor y profesor en la Facultad de Bellas Artes de Granada, procedimientos escultóricos.

Escultura Contemporánea: Proceso de una Escultura en Bronce.

Introducción:

¿ Por qué explicar el proceso de una escultura en bronce ?

Me ha ocurrido en más de una ocasión que alguien, en el trascurso de una conversación me ha preguntado, ¿ Cómo se hace eso de una escultura en bronce, se talla como el mármol ? Claro para mi es obvio, pues me he criado en ésto de la escultura, pero lo que si me ha dejado desconcertado es que esa pregunta me la haya hecho una persona que estudió Historia del Arte.

No sé, quizás después de haberlo contado  algunas decenas de veces, con motivo de un encargo que me han hecho recientemente, pensé que había llegado el momento de explicarlo públicamente y así llegar a más gente.

Gestación - Arte contemporáneo

ParEscultura contemporánea: Gestación 3 Múltiple. Artista: Augusto Moreno Escultor. Artista plásticoa mi, no basta con hacer arte, también creo mi deber ayudar y acercarlo al mayor número de personas posibles dentro de mis posibilidades.

El proceso de una escultura en bronce es apasionante a la vez que complejo. Hoy día es cierto que la técnica ha mejorado mucho, sobre todo por el descubrimiento de la soldadura, esto permite fundir por piezas más pequeñas y luego soldarlas, facilitando así el trabajo.

Si echamos la vista atrás y nos vamos a la época del Renacimiento, en esta época, pensad que Miguel Angel Buonarroti , cobraba 10 veces más por una escultura en bronce que por una escultura en mármol.

Sucedía en muchas ocasiones que una vez acabado el modelado de la  pieza , fallaba la fundición, con lo cual todo el trabajo realizado se iba al traste, otra vez a empezar.

Cuento estas cosas para iros poniendo en situación y que podáis comprender mejor la complejidad y dificultad técnica que entraña todo el proceso de fundición.

Volviendo a lo de antes, pienso que explicando el proceso de la realización de una escultura en bronce, seguro que al encontraros con una;  dando un sencillo  paseo, si conocéis todo lo que hay detrás y que no se ve, seguro miráis con otros ojos y simplemente la disfrutáis mejor.

No pretendo aquí dar una disertación o hacer un  doctorado sobre ” la fundición en bronce “,  lo que si quiero es acercaros al conocimiento y proceso , que aunque sé que podéis descubrirlo por otras vías, yo me ofrezco humildemente, con mi propio trabajo a abriros esa puerta desconocida para la mayoría.

Iré escribiendo distintos post con cada proceso, para no hacerlo muy pesado y sacaré uno cada semana. para un mejor entendimiento , ayudaré con vídeos y fotos, bastante mediocres, pero en fin le pongo voluntad.

De corazón deseo que os sirva de ayuda, un fuerte abrazo a todos y seguimos…

Escultura contemporánea: Horizonte. Múltiple. Artista: Augusto Moreno, Escultor. Artista plástico

ESCULTURA CONTEMPORÁNEA: ¿ Quién soy ?

¿ Quién soy y que hago con mi tiempo ?

Ante todo soy escultor y me entusiasma el espacio :

Ya hablé antes sobre lo que hago, es evidente que puesto que escribo en un blog de mi página web,dedicada exclusivamente a la escultura y pintura, obvia decir a que me dedico. No quiero aquí aburriros contando mi vida, seguro tenéis otras cosas más interesantes que hacer.

Si pretendo introduciros aunque sólo sea de pasada a lo que para mi es mi pasión y ocupa de manera muy importante gran parte de mi tiempo y de mi vida, aunque no toda. Como sabéis me crié en un ambiente artístico, ya mi abuelo, que en sus inicios era topógrafo, más   tarde se dedicó de lleno a la orfebrería. Tanto por parte de padre como de madre, existen diferentes disciplinas artísticas; pintura, tapices artísticos, cerámica, orfebrería, literatura, y lo más directo,  escultura y orfebrería.

No por el hecho de tener una familia tan creativa, soy artista plástico, escultor.  Nosotros somos 8 hermanos y sólo un hermano mío se interesa algo por el arte y yo que soy un apasionado.

He trabajado durante 30 años el volumen. Con el modelado en barro, cera, escayola, he aprendido que son  los ritmos, el potenciar más o menos una forma, como se relaciona la parte con el todo, la expresividad, la escala, ampliación y un largo etc…

¡Amigo!, pero con la forja de la chapa metálica, he descubierto un mundo mágico e increíble; “El Espacio “, el lleno, el vacío, la forma matérica , la forma vacía. Para mi el espacio lo es casi todo en escultura, el espacio lo acaparas , lo rodeas, lo liberas, juegas y te peleas con él, lo sugieres, lo determinas, lo acotas, lo diluyes ,lo deformas,… da unas  posibilidades infinitas.

Escultura contemporánea:Pájaros Obra 1. Artista: Augusto Moreno Artista Plástico. Año 2013

 

 

En escultura el espacio es el elemento esencial, es la realidad misma, es la ilusión, la plasticidad en el aire que puede  elevarnos el espíritu.

Cuando trabajo una escultura exenta  en chapa forjada y soldada, lo que de verdad me apasiona, no es tanto la forma propia de la escultura, sino los recortes, los ángulos, el vacío en contraposición al lleno, las insinuaciones de las sombras, las sugerencias que desprenden esos huecos que no se relacionan tanto con el volumen representado…

 Jorge Oteiza , reconocido escultor Vasco, entendía muy bien lo que significaba eso que denominamos espacio

Una obra en el espacio puede interpretarse de diferente manera según la luz que incida en ella, es por esto que considero importantísimo la luz en una obra escultórica, según la reciba y desde donde nos sugerirá sensaciones diversas.

Pido perdón, la verdad no quiero extenderme mucho pero me pongo a contar sobre escultura y espacio ,  se me va el santo al cielo, ja,ja…

Me considero una persona bastante sensata y trabajadora, nada fuera de lo corriente, pero gracias a mi actitud constante en el trabajo y por supuesto a la pasión que le pongo, voy encontrando caminos, explorando posibilidades y hallando respuestas. Es  cierto que siempre estoy insatisfecho con lo encontrado, pero eso me hace seguir hacia delante y no permanecer quieto.

En esa búsqueda me hallo ahora, uno no parte de la nada, todo el camino recorrido está ahí, todas mis experiencias, aciertos y desaciertos me encaminan hacia derroteros la mayoría de las veces insospechados y yo, me dejo llevar.

No sé, a veces me cuesta explicar con palabras lo que pretendo expresar, quizás por eso he elegido la forma y el espacio para expresarme , je,  je… con todo lo dicho hasta ahora, tanto en este post, como en el anterior, he ido vomitando  lo que hago,   quien soy,  mi formación y  mi pasión por la escultura entre otras cosas. De alguna manera he dado claves consciente o no,  sobre situaciones y acontecimientos que   me han ido llevando y/o motivando a elaborar un discurso diferente sobre mi trabajo.

En La Barra De Aquel Bar - ObraNº1 Detalle de una servilleta - Augusto Moreno

Hoy nos encontramos trabajando en un proyecto artístico donde la individualidad del artista se desvanece, cobrando protagonismo el público, la sociedad en sus muchos y diferentes ámbitos.

Una servilleta de papel fino, que podemos encontrar en cualquier Bar, Restaurante, Cafetería…es el objeto elegido como vehículo y medio para elaborar un discurso plástico, para hacer una escultura.

¿Por qué una Servilleta de papel para hacer Arte ?

  • Una Servilleta de papel es un objeto cotidiano que todo el mundo conoce estando muy familiarizado con él.
  • Una Servilleta de papel es un objeto que no tiene valor en si mismo, las usamos y tiramos sin más.
  • Una Servilleta de papel es un objeto industrial, cuya creación fue pensada para  un consumo efímero.

El hecho de elegir este objeto cotidiano y pobre, me da la oportunidad de :

  1.   Mediante su manipulación estética, trasformarlo y darle un nuevo sentido y valor.
  2. Crear una mirada nueva hacia ese objeto que se nos muestra delante.
  3. La mirada que se posa en él deja de ser indiferente, su estética y su contenido acaparan la atención del espectador dándole otra dimensión.

En La Barra De Aquel Bar - Obra Nº1 Detalle3. Augusto Moreno

Creo en la necesidad del arte. Como decía John Dewey, el arte expresa lo que acontece en una sociedad. Y yo digo, ¡ qué mejor manera de contar lo que acontece a una sociedad ! pues que sea ella misma quien lo cuente.

Acercar el arte al público,  hacerle parte del objeto artístico.

De todos es sabido los momentos por los que pasa la sociedad, no la nuestra en particular , sino todas en general. Creo sinceramente que ha llegado el momento en donde el arte tiene que tomar cartas en el asunto y dejar de mirarse el ombligo. La concepción de la obra de arte considero de manera particular, tiene que tomar otros derroteros, que el público colabore de forma directa en la obra de arte es una posibilidad en la que nos encontramos trabajando en este proyecto artístico.

El público deja de ser mero espectador, su discurso, sus conceptos, aparecen directamente en la escultura. Ahora el público es artista partícipe  en la obra de arte.

El objeto artístico es   producto de un proceso, las interacciones con el público y su participación en la obra es parte de la escultura:  Explicar el proyecto, que el público elabore los contenidos y conceptos que contendrá la pieza u objeto artístico final. Todo esto se recoge mediante fotografía y/o vídeo como parte importante de la obra, pues este proceso es un todo con la escultura resultante.

No cabe duda, la situación Social-Cultural- Económica del mundo  que habitamos, nos ha llevado, casi sin darnos  cuenta a hacer un arte social. Pienso en lo importante y necesario de elaborar un discurso artístico encaminado en este sentido. El arte debe y tiene que ser útil, no sólo estético.

A groso modo os podéis hacer una idea de lo que pretendemos  con este proyecto artístico. Poco a poco con otros post en los que  aparecerán fotos y vídeos y en donde comentaremos y analizaremos esos trabajos  seguro os acercareis y comprenderéis mejor  las diferentes obras que vayamos elaborando.

Como podéis ver en  este  post, se han  ido transformando mis conceptos artísticos ,  que el objeto artístico tiene que reflejar el momento, circunstancias y situaciones en las que fue creado. La sociedad, el público, ha de estar presente en la obra como creador, ahora el espectador también participa de forma activa en la obra de arte.escultura contemporánea. el artista deja de ser único protagonista, dando paso a la sociedad que ahora es parte importante del objeto artístico

Si el arte es necesario, también lo es que la sociedad lo conozca, que se interese  por él. Sinceramente pienso que la mejor manera de hacer que la sociedad se interese por algo es implicarla, un arte de todos y para todos.

Escribiendo sobre el arte y la sociedad, caigo en la cuenta sobre un texto que leí sobre teorías del arte, de Estela Ocampo y Martí Peran en donde el apartado ; Sociología Marxista del Arte, decía textualmente:

El arte es un reflejo de la realidad socioeconómica y también un medio de conocimiento. Como medio de conocimiento tiene la misión de actuar directamente en la realidad social con vistas a modificarlas. Así, el arte forma parte de un proyecto liberador…

Con lo dicho, espero haberos acercado a lo que pienso y pretendo hacer con mi tiempo y mi trabajo. Seguimos en contacto, un abrazo a todos y gracias por leer  lo que escribo.

ESCULTURA CONTEMPORÁNEA: ” ¿ Qué quiero hacer con este blog ? “

Mis pretensiones con el blog:

Me siento como un niño con zapatos nuevos, contento e ilusionado. Os diré que soy más que novato en ésto, hasta hace unos meses no sabía ni enviar un email. Quisiera pedir perdón de antemano, pues estoy seguro que meteré mucho y a lo bestia, la pata. Espero ir mejorando y aprendiendo con el uso y con la práctica.

Llevo 30 años dedicado al mundo del arte, empecé  con 14 años, seguro que podéis adivinar la edad que tengo ahora, ja, ja…, desde entonces y sin parar he realizado un sin fin de pequeña escultura, modelos de joyería, trabajos de orfebrería, escultura monumental, pintura…, siempre con afán de superarme en el último trabajo, probando procedimientos y técnicas diferentes, huyendo de repetirme para no caer en el aburrimiento.

Escultura donde aparece mi firma repujada

No cabe duda que ha pasado mucho tiempo. Por mi vida y en el arte se han sucedido infinidad de acontecimientos, la evolución ha sido tal, que ahora escribiendo, me doy cuenta de que jamás hubiese  pensado en acometer  algo como lo que estoy haciendo en este momento.

Siempre pensé que el arte no necesitaba nada externo, es decir, una escultura es una escultura y una pintura es una pintura.

Nada más lejos de la realidad, hoy no existen fronteras, pintura, escultura, performance, instalación, obra tridimensional, dimensional, body art, land art, arte conceptual

Como veis el arte tiene infinidad de términos, conceptos,¿ modalidades?, apariencias y un largo etc... pero lo que si tienen en común es su esencia y es, que es ARTE.

Escultura Contemporánea

Yo he trabajado durante más de 27 años en un taller de escultura, el taller de mi padre, el escultor Miguel Moreno, aquí se aprende un amplio abanico de técnicas y procedimientos, sobretodo escultóricos. Pero una cosa es la escultura en si misma y otra muy distinta es el arte.

Trabajando durante tanto tiempo en esta empresa, realizaba obras de taller, obras para mi padre y obras personales en las que nadie excepto yo, metía la cabeza y las manos.

Lo que ocurre en estos casos o por lo menos en mi caso, es que las directrices marcadas por el líder, mi padre, en trabajos de taller, las tomas como verdades absolutas. No ocurría lo mismo cuando trabajaba en mi obra personal y eso daba lugar a enfrentamientos, pues la diversidad de pensamiento no era posible.

Siempre  teníamos  mucho trabajo y prácticamente la vida , mi vida, se había limitado a aquellas cuatro paredes, con lo que mis ideas sobre arte y no sobre escultura no veían la luz.

La familia, mi familia es un clan, con lo que,  estás con nosotros o contra nosotros. Después de muchas confrontaciones, discusiones y desacuerdos, busco mi solución; sin libertad no es posible el yo. Solución: la huida hacia  adelante, consecuencia, mi libertad. Y por supuesto en todo clan ocurre lo inevitable; según ellos, estoy contra el clan. Así son las cosas.

Suele ocurrir que cuando un ” artista” tiene cierto dominio sobre la materia con la que trabaja, el yo está bastante fortalecido y como consecuencia se cree tener poderes mágicos, no sé, algo  parecido a lo que podíamos leer en libros de mitología sobre la vida de Dioses y Semidioses…

Escultura torso, chapa forjada y soldada
Escultura torso, chapa forjada y soldada

Como dije antes en mi vida han acontecido muchas y variadas experiencias, todas ellas supongo que han ido formando mi carácter y mi personalidad.

Siempre, desde niño, me gustaba investigar con los materiales y sus posibilidades. Ahora echo la vista atrás y observo como en mi quehacer de pintor y de escultor existen variedad de caminos emprendidos con más o menos fortuna, pero lo que si tengo claro es que no me he detenido en uno sólo   por el hecho de haber tenido más o menos reconocimiento. Sin duda esos cambios me han mantenido alerta y mi curiosidad e inconformismo han logrado que a día de hoy siga con ese apasionamiento que comenzó la primera vez que  pinté un cuadro al óleo.

Yo de verdad no tengo nada claro, mi intuición es mi guía, creo que todo se conecta, que hay un ¿por qué ? en lo que hacemos, quizás en el camino de nuestro trabajo hallemos respuesta… pienso y el pensamiento no es consecuencia de un instante, si no, más bien producto de una serie de acontecimientos, que mis circunstancias me llevan a entender y hacer de una determinada manera.

No daré más pistas, no por no querer hacerlo, sino, por no saber.

Uno puede perderse en conjeturas y tesis, yo prefiero perderme en la escultura, soñarla,  pensarla, disfrutarla…, hacerla. Con todo lo escrito  arriba diré que hoy ha cambiado mi manera de entender el arte, la escultura, … el objeto artístico. La soberbia ¿ quizás ? El arte es producto de la sociedad en la que vive, arte contemporáneo, de ahí el término.

Creo que el arte debe acercarse, conectar, con la sociedad. Es por eso que he dejado a un lado ese arte que sólo habla de si mismo y trabajo en un arte con marcado compromiso social. Ahora trabajo-amos en un arte hecho por el público y para el público. No voy aquí a dar una conferencia sobre mi trabajo actual, pero si quiero dar unas pinceladas, ya que esto seguro ayuda a comprender el ¿por  qué ?  de escribir en el blog y ¿ para qué ?

Seguro os preguntareis ¿ Para qué coño nos cuenta todo ésto ?, pues veréis, todo tiene relación y un sentido.

Lo que pretendo  en este blog es utilizarlo casi como un diario, es hablar en voz alta sobre mis pensamientos , ideas, investigaciones, acontecimientos, errores, aciertos… sobre mi trabajo o no, pues como dije antes todo está en contacto.

Intentar para  aquellas personas que lo lean, que lo sigan, acercarle al arte, acercarle a mi-nuestro trabajo. De alguna manera cuando uno piensa y escribe sobre lo que hace, es más consciente y ello permite re-descubrir su trabajo bajo otro prisma.

Con el paso de los años uno se da cuenta  que observando y analizando lo que hacen otros también se aprende.

escultura Contemporánea, Ámbito Social, Educación

Aquí no sólo pretendo hablar de lo que hacemos, evidentemente hablaré de otros  muchos  temas  relacionadas o no con el arte, que me sirvan y espero os sirvan a vosotros. Considero que puesto que el arte habla de la sociedad a la que pertenece, nos será de mucha ayuda entrar en cuestiones diversas, ampliando horizontes en  el camino que inicio hoy con este blog. Cuando uno toma decisiones, lógicamente no son siempre compartidas por todos, pues eso me parece estupendo, que puedan surgir debates y opiniones dispares, seguro que enriquece y da sentido a este blog.

Este blog pretende ser dinámico, Marta ,que es quien lleva toda la parte de gestión, también escribirá aquí, dando otros puntos de vista y planteando cuestiones que seguro  diversificarán   sus contenidos.

Amigos mi idea, nuestra idea, es lanzar un post  semanal , para que no haya equívocos saldría todos los miércoles de la semana. En fin a ver que tal y ya iréis viendo, un saludo a todos.

Escultura Contemporánea: sobre poética de un servilleta.

Crítica sobre la obra; “Poética de una Servilleta”. Próxima Exposición, Cortijo Miraflores, Marbella.

Texto Realizado por: Francis Dumont, Crítico de Arte.

 

El próximo 17 de Junio se inaugura una exposición colectiva en el palacio de Miraflores de Marbella. En el montaje  de la exposición, tuve la suerte de conocer a Francis Dumont, que entre su rica y polifacética vida, cuenta con la crítica de arte como uno de sus saberes y quehaceres. Se dedica a la crítica de arte desde 1976.

La obra que presento por primera vez al espectador en un espacio público es sobre ; ” Poética de una Servilleta “, que como sabéis es el proyecto artístico sobre el que venimos trabajando ustedes y yo. He de decir que quedé impresionado por las palabras de Francis, pues supo captar con su profunda mirada y hondo sentimiento de manera poética e inteligente, lo que hay y lo que esconde todo este trabajo. Os invito a que leáis y disfrutéis como yo lo he hecho.  

Escultura Contemporánea, Ámbito Social, Educación

La Metáfora en la Escultura

Augusto Moreno lleva en su sangre estirpe de artistas. Apartado de nobles tendencias, ha encontrado un nuevo camino para expresar sus inquietudes dentro de un laberíntico camino de incógnitas, para ensamblarlas en un mensaje concreto. La simplicidad de una servilleta con un pensamiento escrito entre el bullicio urbano, sentado alguien en la terraza de un bar, es el inicio de una colección de aforismos, frases concretas de cualquiera, que queda eternizado en una suma de verbos, adjetivos, adverbios y nombres, que Augusto ensambla con pátina y metales para su obra definitiva. Docenas de servilletas procesadas y convertidas en metal blanquecino, forman una nube de palomas mensajeras que en tropel ocupan un espacio mágico en el universo  de la fecunda imaginación de Augusto y un espacio sublime en poética geometría que materializa el sueño del artista. El arte, el de un verdadero artista, es longevo hasta la eternidad, y la metáfora de Augusto Moreno en blancas mariposas, gaviotas buscando el océano, pavanas que embriagan la retina del que busca respuestas en el silencio de la contemplación, o palomas sin rumbo en un espacio sideral., llena las aspiraciones de quien no cuestiona la magia sin el efecto final: la sonrisa o quizá una llamada a la reflexión.

Escultura Contemporánea: Obra realizada con poesía en papel sobre chapa forjada.

A pesar de su juventud, Augusto Moreno, puede ser catalogado como precursor de la metáfora escultórica convirtiendo productos desechables como una simple servilleta en una mirada atrás desde el futuro, manteniendo el recuerdo individual de cada pensamiento escrito, en legado para la eternidad. (Francis Dumont, crítico de arte desde 1.976)

En La Barra De Aquel Bar - Obra Nº2 - Augusto Moreno Escultura Contemporánea - En La Barra De Aquel Bar - ObraNº1 - Augusto Moreno

 

Escultura Contemporánea:”Retrato, procedimiento modelado”

Cómo se realiza una escultura en bronce, procedimiento de un retrato.

Modelado en Barro :

Intentaré explicar de la manera más clara  posible como se lleva a cabo la realización de una obra escultórica en bronce y  me valdré de la escultura que estoy haciendo en estos momentos, una obra por encargo de un retrato. Para ello contaremos con fotografías y algún vídeo del proceso, de forma que se entienda mejor.

 

proceso de modeladoEscultura Contemporánea: Estructura para un retrato (imagen 2).Proceso de modeladoEscultura Contemporánea: Estructura para un retrato. Proceso de modelado

Aquí solo hablaré de cuestiones técnicas y no estéticas o conceptuales,  eso son otros cantares  para otra ocasión, lo que pretendo ahora es sólo acercar al espectador al conocimiento técnico de una escultura en bronce, de manera que al contemplar una obra realizada en este material, sea consciente de sus dificultades y de todo un proceso que no se ve, pero que  está.

El primer paso es elegir la pose, postura o actitud en el espacio que quiero tenga la cabeza. Una vez lo tengo claro, me dispongo a realizar una estructura o esqueleto que será la que aguante el peso de la escultura, del barro. Para esto me valgo de angulares de hierro, trazando de manera muy esquemática el volumen y movimiento de la cabeza, teniendo  en cuenta que deberán siempre quedar dentro del modelado, podríamos decir, como el esqueleto, los huesos.

Para realizar esta estructura he utilizado una máquina de soldadura eléctrica. Una vez acabada la estructura, con trapos y escayola recubro el esqueleto de forma que sirva de soporte al barro. Tal y como se puede apreciar en las fotos.

proceso de modelado

retrato,estructura

proceso de modelado

retrato,estructura

proceso de modelado

retrato, estructura

Comienzo a ir poniendo barro, procurando quede bien compactado y adherido a la escayola. El modelado es la unión de infinitos dibujos, con lo cual esto lo tengo muy en cuenta a la hora de trabajar.

Es importante moverse mucho alrededor de la escultura, nunca permanecer quieto. Conforme voy trabajando me voy metiendo en el personaje retratado, sus formas, su actitud, su singularidad, su talante, su mirada inteligente,… me absorbe por completo.

 

Los volúmenes tienen un sentido, tienen unos ritmos y un ¿por qué?, hasta que no los descubro no paro. Ya acabado el modelado del busto, tenemos que sacarle molde, siendo ésta una parte también muy importante del proceso, pues el resultado final de la escultura dependerá en gran medida de lo bien que se haya realizado el molde.

Fotos y videos para blog, retrato 026

proceso de modelado

proceso de modelado

Espero haberme explicado lo suficiente como para ser entendido y que se hayan comprendido los pasos a realizar a la hora de trabajar una escultura en barro. Continuaré otro día con el proceso de vaciado, molde.

  • Serie “Gracias por su visita”
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  • Serie “Gracias por su visita”

Serie “Gracias por su visita”

Serie de obras de Escultura Contemporánea inspiradas en servilletas:

En esta colección podemos ver los  últimos trabajos en los que nos encontramos trabajando. Una servilleta de papel es el objeto cotidiano elegido como medio y vehículo en donde el público expresa, dibuja… sus ideas, pensamientos, sensaciones, ilusiones y un largo etc…  un proyecto artístico con carácter social, colaborativo.

Dar voz a la sociedad implicándola directamente en el objeto artístico, empoderándose de él, de sus contenidos. Una obra multicultural, un arte relacional, que da paso a la ciudadanía desde la individualidad a la colectividad, desde lo local a lo global. Instalaciones escultóricas abiertas, sin límites, una metáfora de la vida y de los espacios de la información. Una obra dispuesta al diálogo consigo misma y con el espectador.

  • Serie Sombra y Espacio
  • Serie Sombra y Espacio
  • Serie Sombra y Espacio

Serie Sombra y Espacio

Serie de esculturas contemporáneas:  En  esta obra realizada en chapa batida, soldada y patinada a fuego, existe un discurso plástico donde el espacio cobra protagonismo. La escultura flota, las tensiones se manifiestan con el cable que tira de la materia, las sombras se superponen, son también protagonistas. Sombra, Materia, Espacio…

OBRA Nº 1: MENINAS
OBRA Nº2 : COMETA
OBRA Nº3: PAJAROS

  • Serie: Escultura contemporánea, obra pública y escultura en chapa
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  • Serie: Escultura contemporánea, obra pública y escultura en chapa
  • Serie: Escultura contemporánea, obra pública y escultura en chapa

Serie: Escultura contemporánea, obra pública y escultura en chapa

Serie de escultura contemporánea expuesta en lugares públicos.

La escultura  monumental tiene otras dificultades y otros planteamientos conceptuales. El espacio público tiene un poder que compite con la obra, duelo de titanes. La escultura en chapa goza de una singularidad que la hace diferente, su presencia y su procedimiento tan directo se hace evidente en su percepción.

OBRA Nº 1: MONUMENTO EL CASCAMORRAS
OBRA Nº2: MONUMENTO FRAY ALONSO DE MONTUFAR
OBRA Nº 3: TORSO
OBRA Nº4: FRAGMENTO TORSO
OBRA Nº 5: HOMBROS
OBRA Nº 6: YUNQUE