Escultura Contemporánea: Nuestro huerto…

Madurando la hortaliza… construyendo una escultura…

La creación de nuestro huerto, la atención y el cariño con que lo hemos tratado, han dado su fruto. Los tomates maduran sin cesar, nos juntamos con casi más de los que podemos consumir…. nos atiborramos de gazpacho, je, je… Los pimientos maduran también, pero no al ritmo de los tomates. Las lechugas ya han pasado a ser materia orgánica. Las fresas no han dado muy buen resultado, hemos recolectado poquísimas y no demasiado ricas, en fin, así son las cosas.

Un año más, una experiencia maravillosa. Darío con tan sólo tres años sabe lo que es sembrar y recolectar hortaliza. Yo conozco niñ@s que tienen 18 años y creen que los tomates crecen en los árboles…  que triste.

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

En la foto podéis apreciar que maravilla de tomates… y saben mejor. Esta experiencia sin duda acrecienta el acercamiento a las plantas, a la naturaleza. Observarlas, mirar y ver como desarrollan, como maduran de un día para otro te hacen sentir parte de un todo, del universo que compartimos todos los seres vivos. El amor, el respeto, la comprensión… se encuentran inmersos en lo natural, en el proceso de evolución. La relación de la flor con el insecto que hace posible la polinización o con el viento que la mece. El apego a la tierra que la alimenta y permite su crecimiento, al agua que sacia su sed. A su creador que se ocupa y preocupa con mimo y esmero de que todo esto suceda con la ayuda claro, de la propia naturaleza, la relación de las partes con el todo.

Sin lugar a dudas, la escultura va tomando cuerpo, como cuando realizamos un dibujo; la mirada analítica escudriña todos los vericuetos de aquello que mira, de lo que dibuja. Lo estudia, lo analiza, en definitiva trata de comprender, como el científico que pasa horas tras el telescopio, observando en un principio, no se sabe qué… para posteriormente sustraer los secretos escondidos.

La escultura que responderá y será consecuencia de toda la marcha en el tiempo. Intentará protagonizar esos valores aprendidos en esta parte del proceso y de la obra. Su estética estará íntimamente ligada a su concepto, sujeta a la historia que cuenta y cuyo protagonista es la propia naturaleza y en ella, nuestra propia crónica.

Soy consciente de mi trabajo, de la dificultad que entraña y de lo que pretendo.  Llevar la vida al arte, el arte a la vida o sencillamente vivir la vida como arte.

El arte de vivir, como se dice popularmente, tiene un sentido profundo si lo pensamos detenidamente y somos conscientes de su significado real. Hoy tenemos la suerte de contar con una herramienta milagrosa; Internet. El tiempo y el espacio a nivel terrestre casi han desaparecido con su uso. Al instante sabemos lo que sucede en la otra parte del mundo, el tiempo y el espacio se desvanecen, como por arte de magia.

El arte cuenta con infinidad de caminos, con multitud de maneras de expresión, sin embargo, lo que tienen en común toda esta disparidad, es que todas hablan de la sociedad que habitan. El arte es conocimiento otra manera de conocimiento y como tal, investiga sobre el universo, sobre la existencia, intenta comprender y dar sentido a la vida, a la sociedad. El arte de ahora, por definición, es contemporáneo y esa contemporaneidad enlaza inevitablemente con su momento, histórico, social, político, económico…

La tecnología nos impulsa hacia adelante, creo que es fantástico, no obstante ese caminar y avanzar hacia el futuro no nos puede hacer olvidar nuestras raíces, nuestra naturaleza, sin la cual, por lo menos hoy por hoy, no es posible la vida. En el arte como en toda evolución, se dejan cosas atrás, como artista participo y tengo conciencia y voluntad de que así sea, pero no a toda costa.

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

Con esta obra pretendo crear conciencia sobre la naturaleza, sobre nuestra naturaleza como seres vivos, como humanos y como parte que somos de un todo. Tenemos la capacidad  de ser creadores, artistas por tanto. La relación de la vida y el arte están muy patentes en esta obra. Tod@s podemos sembrar, cuidar y recolectar, tan sólo necesitamos unos mínimos conocimientos y una gran ilusión y mucha intención. La escultura que realizo sencillamente recoge como objeto artístico todo lo creado hasta el momento. El objeto es parte, no lo es todo. Pienso en la necesidad personal que tengo por crear objetos, el hecho de ser escultor, el contacto con la materia, el manejar la mente y el cuerpo en la elaboración de artefactos, es quizás la diferencia con el resto que no sois escultores, por lo demás, tod@s somos igualmente creadores.

Es cierto, con el arte podemos abrir esos espacios vedados a otras maneras de conocimiento. Con esta pieza podemos repensar el sentido de creación, de creador,  la posibilidad que tiene todo ser humano a ser creador.  No hay límites en el acto creador, los límites nos lo ponemos nosotros mismos.

Jorge Oteiza , con sus cajas vacías llega a la negación del arte y por lo tanto al abandono de la escultura. Yo, quizás por la admiración que le tengo a este gran Escultor Vasco, recupero estas cajas, interpretándolas por su puesto y las lleno de vida, de historias y las consagro a espacios cargados de debate, de riesgos artísticos y de posibles consecuencias. 

Escultura Contemporánea: Nuestro pequeño huerto

Nuestro huerto como un proyecto artístico, esculturas que nos cuentan cosas…

Desde hace más de cinco años  Marta y yo venimos cultivando nuestro  huerto en casa. Se trata de un mini huerto, pues no tiene más de 2 x 4 m, sin embargo para nosotros es un disfrute preparar la tierra, abonarla con estiércol de caballo que recogemos cerca de casa y  transportamos en bolsas, ir a por los plantones, sembrarlo y cuidarlo. El seguimiento es a diario; por las mañanas, sobre las 7:30 h, salgo a ver como ha crecido. Es curioso, pero casi puedo escuchar y sentir como se desperezan los plantones. Este año hemos plantado; lechugas, tomates de diversas clases, pimientos y fresas. No es mucho ni muy variado, lo importante es que nos da a nosotros y a nuestros hijos la oportunidad de trabajar con las manos la tierra, tocar las plantas, oler su espléndido e inconfundible aroma,  cuidarlo y en el futuro, recoger el fruto de ese amor entregado a la tierra. Sinceramente se lo recomiendo a todo el mundo. El contacto directo con la naturaleza; con los animales y con las plantas, nos hace sentir de donde venimos y quienes somos.

Hoy vivimos en un mundo globalizado, donde la tecnología nos abruma y acelera sobremanera, nos estresa. Es cierto que ofrece muchas ventajas, da la oportunidad de estar de manera virtual, en multitud de lugares en tiempo cero, de conocer al instante lo que ocurre al otro lado del planeta, de desplazarnos en tiempo irrisorio… pero también es cierto que de alguna manera, nos deshumaniza. El equilibrio en relación a nosotros y a nuestro entorno es el punto ideal para una vida psicológica-mente sana. No hay que renunciar a nuestro mundo, a nuestra sociedad, a los logros conseguidos por la humanidad… pero sin duda tampoco hay que renunciar a la naturaleza, a lo que somos y formamos parte. La urbe, entendida como ese espacio que te atrapa y no te deja salir, que aparta a ese reencuentro con uno mismo…  hay que estar alerta. No puedo entender que existan niñ@s que jamás vieron una gallina, tan sólo el huevo, o no conozcan una vaca y sí, la leche que se beben, incluso que no sepan como es la planta del tomate que se comen, si es que conocen al tomate.

Como persona me planteo estas cuestiones; por un lado el mundo moderno, global, industrial, las nuevas tecnologías, el desarrollo… y por otro lado la naturaleza del ser, el contacto con animales y plantas, el cuido, la paciencia, la ilusión, el amor… en las dos cuestiones me encuentro con el hombre, con la mujer. El ser humano, como animal inquieto e inconformista, no para de investigar, de evolucionar y lo hace a un ritmo frenético, no paralelo a la naturaleza. Él va por un lado y la naturaleza por otro.

Cuidando el huerto, escultura contemporánea

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

Estas reflexiones creo que están bastante generalizadas, no es una una apreciación exclusivamente mía, la humanidad se las plantea, de ahí la aparición de huertos ecológicos, de huertos urbanos, de huertos verticales etc… es como llevar la naturaleza a la ciudad. Cosa que no sería necesaria si el ser humano hubiese planteado otro tipo de ciudad, es decir, una ciudad natural, donde la naturaleza formara parte, una ciudad no de jardines y parques, más bien una naturaleza como ciudad. Este pensamiento ocupa y preocupa mi tiempo, pero exactamente no es el motivo de este post.

A nivel personal os diré lo mucho que me llena tener y cuidar un huerto, creo que es una dedicación de tiempo, que sin duda recompensa. Te hace más humano y no deja que la prisa, el estrés, se apoderen por completo de tí, es como un oasis en el desierto. Es un asidero donde te encuentras contigo, donde la calma y la tranquilidad te dan la energía que la urbe te roba. Es el equilibrio del que antes hablaba y tan importante para el ser humano.

Como artista me planteo estas cuestiones de otra manera. Profundizar en la parte sensible, en el yo interior, en producir una percepción, una visión distinta de esta realidad. Curiosamente, antes nunca me llamó la atención la fotografía, sin embargo con los proyectos que venimos realizando la he tenido que usar, prácticamente a diario y se ha convertido en mi aliada. Poco a poco he descubierto como cambia la percepción de la realidad vista a través de una cámara y cómo una digital, por sus infinitas y rápidas posibilidades te abre a nuevas propuestas.

He ido, casi intuitivamente, fotografiando las plantas del huerto y del jardín. La planta y no el árbol, quizás porque se puede apreciar su evolución de manera más rápida. Ésto, en principio no tuvo una finalidad artística, sencillamente era por el placer de hacerlo. pero como siempre, mi mente me juega malas pasadas y al final… una cosa te lleva a otra y… total, que se convierte en parte de un proceso creativo y en fin… ahí estoy.

La idea de huerto directamente ligada a la arquitectura rural, o sea, a la construcción más ancestral y natural del hombre. Representada a través de fotos impresas en servilletas de papel, en blanco y negro, cual si se tratase de dibujos donde rescatar la esencia y no perderse en otras cuestiones que nos da el color. No sólo su belleza, que la tiene, más su significado, la construcción de unos valores que subyacen en la naturaleza y del que el hombre es su único valedor como especie creadora. Ese sentido de crear con la naturaleza, en un conocimiento primigenio. La creación en todos sus aspectos como conocimiento, el conocimiento como creación y condición humana. Sin duda un huerto depende del cuido de su creador o creadora, sin los mimos y la protección de éste, no llegará a su madurez. La servilleta de papel es frágil, de ahí representar las plantas  en ellas, aludiendo a esa fragilidad y lo efímero de su existencia, nacimiento, desarrollo y muerte.

Cuidando el huerto, escultura contemporánea

Escultura basada en el proceso de crecimiento, desarrollo y muerte de nuestro huerto.

En un sentido diferente,  tenemos otra idea de construcción, también creada por el hombre. Esta vez con materiales altamente manufacturados, industrializados, pero cuyos componentes provienen también de la madre naturaleza. Poner en un mismo escenario ese juego constructivo, donde la creatividad está presente en ambas, donde se busca ese equilibrio de las fuerzas en construcción y donde se pone en evidencia la fragilidad de ambas. Las servilletas intervenidas se adhieren a esa construcción en chapa forjada y soldada, igualmente por la mano del hombre. El producto intenta crear ese debate del que antes hacía alusión, la convivencia del mundo natural con el mundo moderno, más deshumanizado, más industrial y tecnológico. Es cierto que no resulta fácil, de ahí que la chapa se sostiene únicamente en un punto, salvando la gravedad, pero también la realidad de lo posible.

La idea de lo posible, de la convergencia de dos maneras distintas de creación, como enlace, yuxtaposición. La una con la otra y su suma el todo.

Es una manera de conocimiento, a través del pensamiento, de la percepción,  nos crea interrogantes. Con la percepción del producto, hacernos caer en la cuenta, del hombre y la naturaleza, a través de lo cotidiano y diario, el huerto personal, mi huerto, su cuido. El hombre como creador y constructor de vida. La vida natural y la construcción de artefactos con un sentido estético que nos evocan otros espacios, otras sensaciones, que desde luego no nos dan de comer, sólo alimentan el alma, que ya es mucho.

La capacidad creadora; convertir una chapa industrial, fría, rígida, plana en algo distinto, en  escultura, llena de luces y sombras con formas sugerentes… apariencia de un gran papel que contiene multitudes. Servilletas de papel fino llenas de tiempo y de vida.

 

Escultura Contemporánea: Comienzo un nuevo proyecto

Broken Negotiating Table, sobre la problemática educativa, LOMCE

Como sabéis a principio de Mayo se presentó este proyecto en la ( UAM ) Universidad Autónoma de Madrid, en el proyecto artístico internacional EnreDADas, que ha comisariado Ángeles Saura también de la UAM. Este trabajo pretende dar voz al alumnado y profesorado a través del arte,  la servilleta de papel sigue siendo el medio y vehículo donde, en este caso, expresar ideas, descontento sobre la LOMCE.

La educación es un derecho que tenemos todos, así por lo menos lo recoge la Constitución en el artículo 27, sección 1ª. Sin embargo las políticas actuales parece que no piensan igual y poco a poco, como quien no quiere la cosa, las van privatizando. El término educación es bien amplio y no sólo responde a la adquisición de conocimiento, transmitir valores morales, de conducta, modos de ser… son requisitos implícitos en el proceso educativo.

Los ciudadanos vivimos en una falsa democracia, hemos conquistado ciertas libertades, cierto, no obstante si paramos la lucha, si no seguimos reivindicando, pronto seremos testigos de una pérdida importante de lo que nuestros mayores consiguieron con su esfuerzo, con revueltas, incluso con su vida. Precisamente vemos como ciudadanos que en un principio hacen una política desde la calle, pasan a hacer una política desde el estado, rompiendo las reglas de juego, que hasta ahora manejaba el bipartidismo de turno. Estos nuevos partidos, llamados emergentes, parece que si están más por la labor de defender los derechos del pueblo. Hasta ahora así lo han demostrado con sus innumerables reivindicaciones, manifestaciones y posicionamientos ciudadanos, tocando ámbitos como la violencia de género, desahucios, sanidad, cultura, educación…

El panorama político ya está cambiando, no es una ilusión, es un hecho y así lo demuestran las últimas elecciones autonómicas y municipales de este pasado fin de semana. La sociedad no permanece impasiva e inmutable a lo que ocurre en ella, por el contrario, reacciona, se posiciona y toma determinaciones, de una u otra manera. El arte, como hemos explicado en otros post, va unido a la sociedad en la que coexiste, por tanto igualmente evoluciona y se posiciona ante lo que el panorama social demanda. Un arte reivindicativo, político y sobre todo social.

Broken negotiating table, instalación escultórica

workshop con estudiantes de UAM, proceso escultórico.

Broken negotiating table, es una reivindicación, desde el arte y desde el alma mismo de la educación. Ciudadanos; alumn@s,  profesores y profesoras expresan en ese objeto cotidiano; La servilleta de papel, su malestar, su desacuerdo y ponen sobre la mesa, una mesa-arte, propuestas, alternativas enfocadas a mejorar el futuro LOMCE, que nuestros políticos pretenden, sin conocimiento, o si lo tienen, malintencionado dar como bueno.

Dar vos al ciudadano a través del arte.

Broken negotiating table, proyecto escultórico, instalación escultórica, arte social, arte participativo

 Una vez más con nuestra manera de hacer y entender el arte, nos ponemos al servicio de la sociedad para expresar con una estética diferente, lo que la sociedad siente, lo que preocupa al ciudadano.

No nos conformamos con la individualidad en arte. Puedo expresarme como artista, pero si no lo hago en colaboración y contando con una sociedad que evoluciona, que crece a pasos agigantados, sin duda, será un arte a medias e inconcluso. Tengo esa necesidad, además de la obligación moral por intentar realizar un arte real, sobre una sociedad real. Realizando este proyecto, explicándolo a los alumn@s y profesores, en el proceso, compruebo el entusiasmo y la complicidad que se establece. Me llena de ilusión y me siento honrado con poder llevarlo a cabo. Entre Cristina Moreno, profesora de la Universidad y quien se implica y me ofrece esa oportunidad, que sin duda agradeceré siempre y yo, le proponemos el tema. La libertad sobre la propuesta es total, a excepción del formato elegido, la servilleta, que es el mismo para todos.

Las intervenciones están cargadas de imaginación, que no tiene límites y llenas de sugerencias, muy a tener en cuenta. Es evidente que si nuestros políticos escucharan más al ciudadano, avanzaríamos rápido hacia un mundo mejor, pero claro, a ellos les preocupan otras cuestiones, muy alejadas de la realidad.

Dar vos al ciudadano a través del arte.

Broken negotiating table es una instalación escultórica, que intenta con su estética crear cierto desconcierto, pues no se sabe bién si son las propuestas realizadas en las servilletas quien aguanta a esa mesa-arte, o si es esta mesa-arte quien sostiene las servilletas. Una metáfora de nuestra política y nuestra sociedad, casi, una lucha de poder, pero no de poder político, sino de un poder por esclarecer y dar salida a una realidad.

Cuando tengo el material en mi estudio y me planteo un discurso plástico con él, me imagino cierta manifestación con pancartas, con silbidos, con abucheos, con acciones, incluso performance… de alguna forma una instalación escultórica que pone sobre la mesa un descontento generalizado por como discurre nuestro sistema educativo y sobre todo, dónde nos lleva. La escultura pretende crear un debate sobre el sistema educativo, ¿ cómo mejorarlo? ¿ cómo reivindicarlo?, generar ideas, alternativas, propuestas, soluciones… y para ésto l@s estudiantes proponen en el objeto servilleta de manera creativa, sarcástica, simbólica, ilusionante, irónica, cómica… mucha diversidad de propuestas, además de esos abucheos convertidos en servilletas. La idea de simular una mesa rota, donde se ponen encima, alrededor, por todas partes esas servilletas intervenidas donde dar conocimiento a nuestros políticos, que por lo que parece, están exentos de creatividad. Pues ahí las tenéis, tomad nota y no pongáis excusas, a trabajar por una educación más creativa, más profunda, más eficiente, con más moral, con más ética, con un nuevo discurso y no adocenada, con una nueva ilusión, con más sentido donde al niñ@ se le enseñe a pensar por sí mism@… y sobre todo.. pública e igualitaria.

Es importante esa estética presentada, como metáfora a poner ¡¡¡¡!!!!! encima de la mesa. Pero claro, encima, al lado, debajo, delante, detrás, de manera caótica y desconcertante hasta la saciedad, por ese hastío político que nos somete. Una mesa rota, donde las patas son también servilletas de papel que soportan, como soportamos los ciudadanos. Donde la mesa pierde protagonismo por lo importante, los mensajes que aporta el ciudadano, l@s estudiantes y profesoras. Reivindicar una Educación de calidad, una educación justa e igualitaria, donde la solidaridad es parte de esa educación.

Através del arte dar voz al ciudadano

Instalaciós escultórica, arte participativo, arte social, arte reivindicativo.

Escultura Contemporánea: Arte

¿ A qué consideramos o llamamos Arte hoy ?

El 26 de Abril di una charla-coloquio sobre el proyecto Redes que como sabéis se expone en la Galería de Arte Cartel.  En ella explicaba el proceso y desarrollo  de dicho proyecto. Después de la charla se abrió un debate que trataba sobre; otras maneras de hacer y entender el arte. José Carlos, pintor y colaborador con Annabella en la Galería, me preguntó muy directamente qué pensaba yo que es Arte.  Intenté explicarle el significado y mi visión personal, pero fue muy difícil; el quería una respuesta concreta y que le sacara de dudas.

Jose Carlos necesitaba una respuesta concisa y que le diera una visión clara sobre el panorama actual del Arte. Con la perspectiva del tiempo y un análisis más o menos profundo sobre la historia del arte que nos ha precedido, uno puede hacerse una idea de qué es y  qué labor tenía el arte de antaño. Hoy el arte evoluciona, cambia más rápido que las estaciones. La palabra Arte, de la que he dejado enlace para no tener que repetir su significado extraído del diccionario, ha ido cambiando su función igual que lo ha hecho la sociedad.

En este post voy a intentar explicar el término ARTE, tal como yo lo veo y lo entiendo. En el diccionario podéis encontrar diferentes acepciones, ya he dejado varias con los enlaces. Sin embargo como artista y dedicado de lleno a esta labor, intentaré hacerlo de manera sencilla y entendible para todos, utilizando un lenguaje asequible.

El arte es una actividad o un producto realizado por el ser humano con finalidad estética y/o comunicativa, en esencia. En consecuencia y por añadidura debe llevar implícita la intencionalidad. Es decir, cualquier ser humano, por definición es capaz de producir arte si hay intencionalidad en ello. Es importante tener claro ésto desde el principio.

Antes he mencionado la historia. El tiempo y la distancia en el arte son factores que ayudan, no cabe duda, a comprender y a asimilar los productos producidos en él. Por ejemplo nadie duda de que el Moisés de Miguel Ángel es arte, o las Meninas de Velázquez, o los Girasoles de Van Gogh, o el Entierro del Conde Orgaz del Greco, son arte, ¿ Cierto ? ¿Qué ocurre?.. pues que la perspectiva del tiempo ha hecho su labor. Ha dado ocasión de estudiarla, analizarla, asimilarla… a valorarla, a reconocer su capacidad e influencia en generaciones posteriores, se ha convertido en símbolo. Una masa importante de nuestra sociedad y de otras muchas se han educado y crecido con ésto. Hasta finales del s. XIX, prácticamente, el arte era una labor de oficio, de derroche de originalidad, de representar la naturaleza de manera magistral, de destreza… con la aparición de la fotografía, el arte en general y más fuertemente la pintura se ve amenazada. Aparece una máquina capaz de representar con más exactitud la Naturaleza. ¿ ? ¿ Ahora qué ? ¿ para que sirve entonces la pintura ?

A partir de este momento la pintura como tal entra en una especie de crisis, de incertidumbre de hacia donde debe encaminarse, a buscar otros caminos, a auto-inventarse. Es entonces cuando aparecen los primeros ismos. Nacen otras fuentes de inspiración, otras maneras diferentes de entender el arte. En aquella época, por ejemplo Van Gogh, muere sin haber vendido un cuadro en su vida, eso es internacionalmente conocido. ¿ Qué vale hoy un cuadro de Van Gogh ? Creo que ésto aclara bastante sobre lo que os decía de la perspectiva del espacio y tiempo.

Lo que se denomina hoy arte contemporáneo, que por otra parte considero un error, pues un paisaje pintado al óleo es arte contemporáneo, por el hecho de haberse realizado hoy. Sin embargo no todos los sectores del arte piensan del mismo modo. Bueno eso es otro cantar… una cosa es el arte y otra bien distinta, el mercantilismo en el arte.

Con lo dicho hasta ahora, sacamos varias conclusiones; por un lado la intencionalidad, por otro lado la perspectiva del tiempo, que considero se entiende y se comprende con lo dicho arriba y por otro lado la funcionalidad en el arte. Con respecto a la intencionalidad, creo que queda lo suficientemente claro y asimilado. Para que una obra se pueda considerar arte, lo primero es que tenga dicha intención, es decir, que su creador la haya realizado con ese propósito.

Ahora tocaremos lo referente a la funcionalidad, ésta es la parte más compleja, que por otro lado es la que nos va a aclarar y llevarnos a un entendimiento, a una conciliación con el arte contemporáneo. Como podéis observar, en el arte intervienen múltiples factores, yo he simplificado al máximo, recogiendo los tres que considero elementales y básicos para poder entender el término ARTE y sobre todo arte contemporáneo. La función a lo largo de los tiempos ha ido cambiando, evolucionando y no lo ha hecho de manera caprichosa y altruista. El arte está estrechamente vinculado a la sociedad en la que vive. La humanidad es imparable, cada vez  evoluciona más rápido y en periodos cortos de espacio y tiempo, el ser humano descubre, inventa nuevas estructuras, nuevos caminos. La ciencia, la medicina, la filosofía, la psicología, la tecnología, la comunicación… ahora más que nunca encuentra nuevas rutas que nos llevan a futuros universos, insospechados.

Prácticamente la humanidad es capaz de reconocer, valorar, comprender e incluso de asimilar la importancia de un móvil, de un ordenador, de la radio, de la televisión y de un sin fin de inventos creados por el hombre. Pero ¿ Qué ocurre con el arte ? ¿ Por qué no lo entendemos, nos es tan ajeno, tan distante…? En realidad el problema no es tanto del arte, como nuestro.

Os he puesto dos vídeos, uno de Daniel Cánogar, artista contemporáneo y orto del Moisés de Miguel Ángel, artista del Renacimiento. En la obra de Miguel Ángel, la imagen nos dice todo, a la mayoría le basta pues creen entenderla. En la obra de Daniel, el artista explica su proceso y eso nos ayuda a entender. ¿ Qué pasa ?, sencillamente la funcionalidad de la obra del Moisés la hemos asimilado y por tanto la entendemos sin problema. Daniel realiza una obra con otra funcionalidad, propia del momento en el que vive y ésto no lo hemos asimilado, por tanto no llegamos a entenderlo, de momento. Daniel trabaja con materiales reciclados a los que pretende darle una oportunidad, darles vida de nuevo para que no caigan en el olvido. Nos habla del hoy y de su experiencia sensible y humana HOY. No podemos tener la misma mirada y la misma percepción que tenemos al contemplar el Moisés.

Nos preguntamos ¿ Qué es el arte ? quizás la pregunta hoy esté desfasada y deberíamos preguntarnos ¿ Es útil el arte? ¿ Para qué sirve el arte? ¿ Qué cosa es arte? ¿ Qué función tiene el arte ? para poder introducirnos en el objeto artístico y poder llegar a él, poder entenderlo, debemos abrir nuestra mente, no pedirle lo que no contiene. A nadie se le ocurre ir a visitar una casa con el propósito de comprarla y decirle al vendedor; esta casa no tiene ruedas, ¿ verdad ? Con el arte pasa algo parecido. Nos empeñamos en querer ver lo mismo que veíamos en el Renacimiento y ¡ no ! Hoy el arte ha introducido otros mecanismos, otros sistemas y modos de percepción, sobre todo de conocimiento. El arte ha abierto otros caminos, otras vías en sus medios y sus fines. El arte es una herramienta de conocimiento del mundo y de la humanidad.

Espero llegados a este punto, que por lo menos seáis conscientes de cómo han cambiado las funciones del arte hoy. Si en este momento comprendéis ese cambio, seguro os enfrentaréis a una obra de arte con una nueva mirada, que es de lo que se trata. Al contemplar una pieza artística, la pregunta no es ¿ Es ésto arte ? la pregunta será ¿ Qué pretende esta obra ? ¡ De qué manera me influye, me emociona, me sugiere… me enseña?

No existe un camino en arte, hay infinitos, tantos como artistas existen en este mundo. Particularmente entiendo el arte de manera bastante compleja, inabarcable y en continuo cambio. Entiendo el arte como un espacio de conocimiento, de debate, de alternancia, colaborativo, educativo, sensible, social, de estética pero otra estética, emocional, de oportunidad, de compromiso, de juego hacia otras posibilidades plásticas y estéticas…

Como todo, cuanto más se estudie, cuanto más se ve, más se aprende. Lo importante con este post es aprender a ver a saber mirar.

Os dejo esta obra realizada en colaboración con niños y niñas de entre 12 y 15 años, en un centro educativo. Poner en práctica lo que he intentado enseñaros. La obra: ADOLESCENCIA, realizada con servilletas de papel intervenidas por estos chico/as, chapa forjada y soldada donde se adhieren, acero calibrado.

Instalación escultórica, en colaboración, social.

Escultura Contemporánea: ” ADOLESCENCIA “, Obra realizada en colaboración con niñ@s de un Centro Educativo; Carmen Sallés.

Escultura Contemporánea: Instalación Escultórica Redes.

Conclusiones sobre Redes.

Después de ocho meses entregados a Redes, por fin se presentó al público en la Galería de Arte Cartel de Granada. Una masiva afluencia de espectadores asistieron al acto.

En todo este tiempo trabajando en el proyecto, mi percepción sobre el Arte y en particular sobre el arte en colaboración, ha cobrado una fuerza renovada. Ya habíamos trabajado anteriormente con proyectos colaborativos en diferentes ámbitos sociales, sin embargo, con Redes por su magnitud, durabilidad en el tiempo y sus características singulares, me han dado una perspectiva diferente. El carácter internacional entraña una proporción diferente, ni mejor ni peor, sencillamente distinta. Es importante e interesante el sentido de lo local en la obra de arte y también lo global. Con esta pieza hemos presentado los dos, desde la individualidad de la persona que colabora en el proyecto, dándole ese carácter local, hasta lo colectivo que se presenta en el conjunto de la instalación, en un sentido social.

Con la inauguración de la exposición se cerró el ciclo, evidentemente no por completo, pues Redes es una Obra abierta que seguirá creciendo en el tiempo y en el espacio. No obstante, la gestión, desarrollo y ejecución de la escultura, encontró su sentido de ser una vez que el espectador toma conciencia de ella.

En anteriores post hemos hablado, más bien he ido teorizando sobre conceptos y entramados contenidos en el proyecto Redes. Hoy una vez que también el público, el espectador se ha apoderado de él, puedo sacar a relucir mis propias conclusiones, pero evidentemente no las únicas, ni mucho menos las verdaderas, entendidas éstas como verdades absolutas.

La percepción que tenemos sobre algo concreto, el tiempo y la experiencia me han enseñado que es distinta en cada uno de nosotros. Es por eso que hablaré de mis conclusiones y procuraré no usarlas como verdad absoluta.

En la presentación, tuve ocasión de intercambiar pensamientos, sensaciones, pareceres… con el público que miraba y estudiaba a Redes. Todos los planteamientos, conceptos y teorías que yo iba formulando en el desarrollo y proceso del proyecto, encontraban eco en el espectador. Eran perceptibles y la instalación era sensible de transmitirlas. La estética, desconcertaba al principio, quizás por no responder a ningún parámetro preestablecido, creando cierta inquietud. De alguna manera eso pretendía, pues en mi mente estaba la creación de una estética diferente y única, ante una manera distinta de hacer arte. También encontré a gente que no entendía un arte hecho por el público, por la sociedad, sin duda el sentido de individualidad en la creación artística está muy arraigado en nuestra sociedad. La Obra, no cabe duda creaba debate y eso es importante. La indiferencia en ningún caso fue la protagonista. Con la contemplación de la pieza era consciente del sentido de unidad, aun con unas grandes dimensiones y con una plástica compleja, incluso hiriente, la Instalación funciona como un todo. Invita, no cabe duda a la lectura individualizada de cada una de sus partes, de cada uno de los colaboradores, además de una lectura global.

Instalación escultórica, Redes, Exposición

Instalación escultórica, Redes, Vista parcial de la escultura.

Realizar un proyecto contando con una colaboración internacional, no ha sido fácil y sí, muy gratificante. La sociedad está tremendamente abierta y es muy receptiva a participar.

Mirando la instalación me percato del interés y el sentido que cobra articular los trabajos tan dispares coexistentes dentro de la pieza. En cierta manera es reflejo de las sociedades y de como éstas pueden cohabitar sin molestarse unas a otras, sencillamente por el compromiso y el respeto al espacio que cada cada una ocupa dentro del todo.

Ese respeto con el que yo he tratado la obra, en donde cada colaborador o colaboradora tiene su propia parcela, su dominio, como ocurre en el espacio virtual. Si contemplamos la totalidad, aparentemente parece un caos, una amalgama de papeles intervenidos que dialogan entre sí, sin ton ni son… sin embargo, si nos detenemos y observamos más en profundidad y con cuidado, descubrimos cierto orden, donde las intervenciones se ordenan por autores, donde las obras se interrelacionan unas con otras sin molestarse, donde la plasticidad, la composición y el juego compositivo tanto por contraste, como por armonía están presentes. 

Con Redes ocurre algo parecido a lo que podemos encontrar en cualquier modelo de comunidad, de sociedad, diálogos y convivencia. El espacio virtual por donde circula la información de Internet, es algo abstracto, otra dimensión, que puede que responda a unas leyes geométricas o tal vez todo lo contrario. Yo he representado ese espacio con una realidad inventada, con una forma concreta, con una materia determinada, una metáfora de lo imaginado. La instalación presenta  sólo un fragmento, de ahí que Redes siempre estará inacabada, soy consciente de su infinitud y eso me da perspectiva  de trabajo, de investigación y de proyección. Cuando me he quedado en soledad ante la obra, he recreado su continuidad. Como creador, no puedo seguir repitiendo esquemas, lógicamente Redes tiene que crecer con otra estética, tiene que reinventarse. He llegado a agotarme trabajando en este proyecto y sin embargo estoy deseando retomarlo,  sabiendo que nunca hallará fin. Que cuando me disponga a prolongarlo Redes encontrará otra forma y otra estética para seguir creciendo, ¡ apasionante !

Me interesa el proceso, el desarrollo que como proyecto tiene. Aquí encuentro un factor importante y es como impacta el arte en la sociedad. No es una pieza que un artista crea como individuo y la presenta a un público esperando algún tipo de reacción determinada. La instalación es producto también de ese público, donde además de espectador es coautor del objeto artístico, por tanto existe una relación extremadamente estrecha entre obra y espectador. Incluso un público que no ha participado directamente en la escultura, se identifica con ella, pues entiende que él podría perfectamente estar involucrado. Implicar a la sociedad en el objeto artístico, es darle cierta responsabilidad, es hacerle parte y eso curiosamente tiene sus consecuencias.

La percepción que se tiene ante algo cuando uno es parte lógicamente es más consciente y atenta que cuando uno ve pasar algo que le es ajeno.

Público contemplando Redes.

Instalación escultórica, espectador absorto y recreándose en el interior de Redes.

Escultura Contemporánea: Crítica sobre Redes de Gabriela Figueroa.

” Redes” de Augusto Moreno: Una fusión armónica del arte social y el empoderamiento de la ciudadanía internacional:

La gran instalación escultórica ” Redes” es una obra de arte conceptual realizada por el escultor Augusto Moreno en colaboración con el público y Marta Herrán quien se ocupó de la gestión.

En sintonía con trabajos anteriores, ” Redes” al igual que “Adolescencia” y ” Despertar sin violencia”, entre otros, están enmarcados dentro del Proyecto social ” Gracias por su visita”, que utiliza a la servilleta como un medio de participación artística. Debido al ingenio creativo de Moreno, la servilleta experimentó un ready- made en sentido duchampiano y pasó de ser un humilde objeto cotidiano a tornarse en un digno soporte de expresión colectiva.

poránea: Proyecto Redes

El título de “Redes” se debe a que es el primer proyecto que Moreno y Herrán concibieron íntegramente desde las redes sociales. Dentro de la tradición del arte correo, el artista realizó una convocatoria a través de dichas redes a diversas personas del ámbito cultural internacional para que plasmaran en servilletas su pensamiento y/o trabajo actual y se las enviaran vía postal. La respuesta a su solicitud fue fructífera ya que recibió aproximadamente 500 servilletas en papel intervenidas que mediante el soporte en chapa de hierro y la articulación de acero calibrado, pasaron a ser una parte vital de la instalación escultórica.

En la composición de “Redes”, el escultor Moreno, cual gran arquitecto, se sirve tanto de relaciones analógicas como de contrapunto, en sus variantes conceptuales y plásticas, para generar un diálogo dinámico y dialéctico entre la totalidad del material recibido. Si bien cada colaborador tiene su espacio, como ocurre en los dominios de internet, los aportes del público en su conjunto son un símbolo contundente del empoderamiento de la sociedad.

Sin lugar a dudas, “Redes” es multidimensional. Las servilletas de papel ilustradas y/o escritas enviadas por correo postal por los colaboradores tienen dos dimensiones que tras pasar a integrar la instalación escultórica se convierten en tridimensionales. Pero, el proyecto es impensable sin la cuarta dimensión, el tiempo que implica la construcción de la obra. Dicho proceso incluye la convocatoria del público internacional via redes sociales, la respuesta de éste, que en los casos que decide participar, envía sus servilletas intervenidas por correo postal. Una vez que el artista las recibe, las fotografía y las muestra en su página de facebook, agradeciendo por la colaboración y sin olvidar mencionar el nombre y apellido del realizador, su lugar de procedencia y comentar brevemente su trabajo. Para concluir este circuito de realización colectiva, las servilletas son finalmente incluidas en la instalación escultórica. Merced a la pericia técnica de Moreno, cada servilleta intervenida en papel es replicada en chapa forjada respetando sus medidas originales, para ser luego anexada a la estructura de acero calibrado. Precisamente, al recorrer la vastedad de la instalación escultórica se torna evidente para el espectador la naturaleza plástica multidimensional y procesual de la obra que da cuenta de su work in progress.

El espíritu de apertura que dio origen a “Redes” reside en su anclaje en el arte correo. Esta corriente artística nacida en los años 60, se rebela ante los rasgos de panóptico foucaultniano de los mass media y la cultura de masas, los cuales suelen emitir mensajes unidireccionales. En contraposición, el arte correo propone la comunicacional interpersonal, la ejecución de obras abiertas y colectivas que incluyen la sorpresa y el azar, el acto de compartir e intercambiar mensajes y arte por sobre una intención comercial y el pluralismo multicultural en su realización que connotan la idea de que toda persona puede ser un artista. Debido a sus ideales democráticos y disruptivos, el arte correo fue usado ampliamente en Latinoamérica durante los años 60 y 70 como una estrategia comunicacional que propició el intercambio entre los artistas y el público y permitió esquivar el poder autoritario de las dictaduras.

En el caso de “Redes”, su calidad de obra abierta se manifestó en la apertura de Moreno al incluir absolutamente todas las servilletas intervenidas que recibió de sus colaboradores aún de los que no pertenecían al sector cultural de la sociedad, el cual fue el inicialmente convocado. Este acto inclusivo cuyo fin es empoderar a la sociedad a través del arte, se opone a los sistemas políticos y económicos actuales que bajo la égida de la globalización tienden a aumentar in crescendo el número de excluidos.

Si pensamos en “Redes” desde una perspectiva post-histórica, Hal Foster, sugiere que las neovanguardias entienden y completan el proyecto de las vanguardias, ya que éstas poseen sobre aquéllas una acción diferida. En la misma línea, puede decirse que esta instalación escultórica de Moreno, heredera del arte correo y del arte conceptual, se nutrió de vanguardias y movimientos previos como el futurismo, el dadaísmo, el situacionismo y fluxus entre otros, para potenciar sus ideas de unir el arte a la vida, incluir el azar y la libertad, desalienar al público y utilizar múltiples vias de comunicación para optimizar la participación de audiencias diversas y así difundir la idea de que cualquier persona puede ser parte de una obra artística.

Escultura contemporánea, proceso de trabajo. Redes.

Desde su estructura objetual y procesual multidimensional, “Redes” tal vez sea la metáfora perfecta de la interconexión virtual y real entre todos los seres humanos del planeta. Un ejemplo paradigmático de arte social que da cuenta de una polifonía multicultural reivindicatoria del poder de las redes sociales, del arte correo y del arte conceptual, dado que el empoderamiento de la sociedad se pone de manifiesto a través de las servilletas enviadas que proporcionan el contenido de la obra.

Según Juan Martín Prada, el arte contemporáneo reflexiona sobre el mundo que habitamos, poetiza sobre sus vacíos, exclusiones y contradicciones y promueve otras formas de alteridad. Tal es el caso de “Redes” de Augusto Moreno, una obra realizada como un acto de resistencia democrático que supo fomentar el empoderamiento ciudadano internacional frente a las restricciones de la globalización económica, cultural y financiera.

                                                                                                                                                             María Gabriela Figueroa

                                                                                                                                                           Lic. y Prof. en Artes ( U.B.A.)

Serie Sombra y Espacio

Serie de esculturas contemporáneas:  En  esta obra realizada en chapa batida, soldada y patinada a fuego, existe un discurso plástico donde el espacio cobra protagonismo. La escultura flota, las tensiones se manifiestan con el cable que tira de la materia, las sombras se superponen, son también protagonistas. Sombra, Materia, Espacio…

OBRA Nº 1: MENINAS
OBRA Nº2 : COMETA
OBRA Nº3: PAJAROS

Serie: Escultura contemporánea, obra pública y escultura en chapa

Serie de escultura contemporánea expuesta en lugares públicos.

La escultura  monumental tiene otras dificultades y otros planteamientos conceptuales. El espacio público tiene un poder que compite con la obra, duelo de titanes. La escultura en chapa goza de una singularidad que la hace diferente, su presencia y su procedimiento tan directo se hace evidente en su percepción.

OBRA Nº 1: MONUMENTO EL CASCAMORRAS
OBRA Nº2: MONUMENTO FRAY ALONSO DE MONTUFAR
OBRA Nº 3: TORSO
OBRA Nº4: FRAGMENTO TORSO
OBRA Nº 5: HOMBROS
OBRA Nº 6: YUNQUE